Cinemótica

Juventude Transviada

2010-08-14T11:58:00.001-07:00

Há muito tempo se questiona até onde a linguagem do cinema se envolve com a sociologia. Tendo isso em vista, existem diversas maneiras de se abordar esse questionamento, contudo, essa análise se propõe a trazer como referência a obra Juventude Transviada, do diretor Nicholas Ray, para evidenciar essa relação complexa entre os estudos sociológicos e a sétima arte.A obra, de 1955, nos permite fazer inferências com seu contexto, e tendo isso como norte, podemos destoar aspectos interessantes de análises.

Abordando o contexto americano desse período, encontramos um período pós-guerra embasado em um complexo sistema de restruturação interna dos comportamentos dos cidadãos americanos, em âmbitos como a moral e o consumismo. O governo americano estimulava, ideologicamente, que a sua população retornasse aos valores estruturados na época antes das guerras, e que a moralidade dos anos 30 vigorasse. Nesse tocante, o modelo de economia dos EUA, o capitalismo, buscava encontrar pilares capazes de promover suas demandas, e com isso, deu inicio aos estímulos consumistas da sociedade, procurando imprimir em cada cidadão a sensação de auto satisfação no ato de fazer compras. Indústrias de beleza, como de roupas e outros artefatos, como a musica e o próprio cinema sofreram essa influência, servindo-se como veículo de consumo também.

Contudo, em meio a esse cenário, um certo anacronismo se formava: a sua juventude não absorvia essa necessidade moralística, e seus valores, permeados pelos impactos da guerra, os direcionavam a ir de encontro com o que era estabelecido. Subtende-se daí, o termo impacto de gerações , que se firmava nesse contexto de comportamento.Os jovens dos anos 50 vinham de outra formação, a sua maioria sem referência paterna, e inclusive, sem os padrões vigentes de comportamento do início do século. Essa juventude transviada, devido aos fins das guerras, era forçada, constantemente, a retornar aos valores que não eram seus próprios, e simultaneamente, viviam em um contexto diferente do que seus pais viveram enquanto jovens: o ambiente da socialização entre adolescentes, da socialização entre amigos, do fortalecimento dos estereótipos formados nas escolas, o bullyng, o da necessidade de consumo, de demonstração de poder aquisitivo. Falar disso exige, claramente, que se ressalte a evolução dos mecanismos de comunicação da época, e de como a juventude, antes não coesa, se integrava e formava seus próprios nichos.

Nesse contexto, a juventude passava a se sentir desajustada de sua realidade e se sentia coibida e coagida, procurando, de certa forma, ir de encontro com isso e se rebelar aos modelos exigidos. Exemplificando, temos o surgimento de vários movimentos não só políticos, mas inclusive comportamentais, como a Primavera de Praga, o surgimento do punk, dos hippies, e por que não citar, o surgimento do rock 'n roll. Surge daí ícones que representavam essa sociedade juvenil carente de atenção, que buscava em suas expressões, a sua afirmação. Elvis Presley se firma nesse ambiente e elaborando uma analogia, temos a figura de James Dean como seu correspondente no Cinema. Com isso esclarecido, procuramos fazer um resgate a diversos aspectos do filme Juventude Transviada que possam inferir aspectos dessa realidade esplanada.

Nicholas Ray, como uma vez informou, procurou, em Juventude Transviada, se comunicar com essa juventude desajustada, julgada como rebelde sem causa. Jim Stark, personagem central do filme, vivido por James Dean ( que era exatamente igual ao seu personagem ), representava, de forma simbólica, essa juventude, que buscava se auto satisfazer momentaneamente e com isso, buscava se autoafirmar e se localizar no seu tempo com sua concepção.

Vemos nesse traço; uma forma de abordar esse grupo juvenil como um grupo delicado, mais complexo e por isso, paradoxal. O seu paradoxo reside, demonstrado no filme, nessa necessidade do jovem de 1955 afrontar seus pais com o seu fraco moralismo, e contudo, em primeiro momento, buscar ser compreendido por eles. Dessa forma, Jim busca apoio de seus pais para viver de acordo com seus princípios, mas vivia em eterno desacordo com eles, que por outro viés, buscavam demonstrar o status de família típica dos ano 30: estruturada, com o filho comportado e doutrinado pacificamente pelo seus pais.

Abordando o filme, em sua temática, pergunta-se: qual é a maior semelhança entre os três personagens centrais da trama? A resposta é: o desajuste. Tanto Plato, como Judy e Jim possuíam problemas com seus pais, em seus diversos pólos: enquanto Jim sofria com a passividade e o medo dos seus pais de tê-lo como perigo ao seus status de família,Plato representava a figura desprotegida pelos pais que vivia por remessas de dinheiro, aos cuidados de sua empregada, sofrendo bullyng em seu colégio, sem nenhuma referência masculina ; Judy sofria com a forma de como seus pais a viam nesse novo contexto no qual o jovem precisava se sentir afirmado pelos seus amigos, vivendo da forma como eles viviam, ao consumismo frenético. ( Nota-se como os pais deixavam de ver suas filhas como inocentes, e tinham medo de sua aproximação, como no simples pedido de um beijo paternal )

Nesse foco, o filme vai destruindo todas as instituições cena a cena. Nicholas se preocupou em mostrar como o jovem vivia descompassado com o moralismo da época; vemos a polícia como arma de coação familiar, o colégio como palco de correção comportamental e assim, sucessivamente, tendo a família como a instituição mais falha. Para demonstrar essa falha, o diretor lançou mão de uma técnica cinematográfica: a representação da superficialidade dos adultos. Durante o filme todo, Ray procura mostrar como os pais estão entretidos em manter seus filhos de acordo com os moldes de status da época, e de como a família não se interessava em ouvir seus filhos, mas sim em silenciá-los para que os vizinhos não os ouvisse também.

O diretor brinca também com as cores, atribuindo os tons vermelhos e febris para os jovens, em especial na figura de Jim, para representar esse grito preso dos jovens, de como eles buscavam se expressar, e em contraponto, veste os pais com roupas mais neutras, para demonstrar suas moralidades, os seus comportamentos reacionários. O jovem perdia a referência de sua casa como norte, e com isso, passavam a se construir na rua, com os modelos propostos pelos amigos, nessa socialização mais forte do que se imaginava.

Outro aspecto interessante do filme é de que ele todo se passa no espaço-tempo de 24 horas, ou seja, de um dia só, para refletir como o jovem buscava a satisfação momentânea, e serve como uma retratação também crítica, apesar do filme se servir a ele. O diretor busca mostrar, também, de como o jovem era ainda infantil, sem também referência de infância, carente de atenção, apesar de suas aspirações em ser adulto. Ray problematiza essa questão, permitindo diversas análises, tornando o seu filme uma ótima fonte de pesquisa. O diretor também busca, como disse Geoff Andrew, editor chefe de cinema da revista Time Out de Londres, elaborar uma dicotomia entre os espaços públicos e privados no filme para que pudéssemos compreender as emoções dos personagens, mostrando o cenário escuro do planetário como refúgio para que os jovens falassem de seus sentimentos, e o cenário claro do estacionamento do planetário para mostrar a agressividade febril dos jovens envolvidos.

Durante o filme, uma das preocupações dos pais de Jim é em deslocá-lo de vários lugares para que ele pudesse ter um novo recomeço. Nesse sentido, Ray busca evidenciar que esse fenômeno de contracultura (movimento de combate ao modelo reacionário cultural) era universal, e que a ideia de família perfeita se esvaziava passo a passo.

A obra busca abordar outros conceitos através da sua duração, de forma mais implícita, como a sexualidade incontrolável que se surgia, o machismo, o preconceito e a disseminação da violência entre jovens. Alguns críticos veem no filme Juventude Transviada uma certa romantização da delinquência infantil e apontam isso como uma ideia fixa no cinema; como nos filmes Blade Runner e Laranja Mecânica. Esse apontamento não deixa de ser verdade, mas deve-se entender que o Cinema não só daquela época, como o de agora, busca estabelecer elementos dentro da narrativa do filme que faça com que o público se identifique com os personagens centrais da trama.

Outra questão que surge do filme é: qual é o verdadeiro motivo pelo qual os três jovens buscam simular a sua verdadeira e perfeita família, quando fogem da cidade ? Nicholas busca enfatizar a ideia de que o jovem considerava seus amigos como a sua verdadeira família, porque os jovens compartilhavam das mesmas ideias e sensações contextuais. A família real perdia seu papel.

Após essa dissecação do filme, buscamos entender o chamado fenômeno James Dean. O ator, apesar de ter feito apenas três filmes (Juventude Transviada, Vidas Amargas, Assim Caminha a Humanidade), já que morreu de acidente de carro no seu Porsche,(devido a alta velocidade, como ele mesmo previra que um dia morreria) consagrou-se e se eternizou como símbolo daquela época, como simbolo de descompasso e de efervescência juvenil, na mesma ideia de Elvis Presley. O Ator, assim como seu personagem, vivia aos seus moldes, e deu início a uma série de influências em sua época, como o uso de jaquetas vermelhas, o seu corte de cabelo etc […] James Dean não buscava quase nunca saber sobre suas notícias em jornais sensacionalistas e gostava de ser visto como rebelde. Tanto Natalie, como Salo, estrelados como Judy e Plato, se apaixonaram por Dean, que causava esse efeito nas pessoas com as quais vivia.

De uma certa forma, Dean representava o fortalecimento da cultura pop e sua figura foi manipulada pelas mídias para que servisse de veículo de consumo entre seus fãs. No entanto, é inegável a sua habilidade formidável no cinema, sendo ele visto como, talvez, ao lado de Marlon Brando, o melhor ator do mundo.

Juventude Transviada, assim como inúmeros outros filmes, evidenciam que as vezes o Cinema pode representar, em sua linguagem exclusiva, o momento histórico que passa, servindo aos propósitos de seu diretor, como no caso de Nicholas, que desejava se comunicar com esse grupo juvenil. A sociologia é decodificada por diversos símbolos, e os símbolos do Cinema, como diz o professor de Filosofia, Julio Cabrera, professor da UnB, servem para que possamos obter uma aprendizado cognitivo amplo e experimental, que nos faz não só entender conceitos sociológicos e filosóficos, mas nos faz nos apropriar deles para toda nossa vida.

Amarcord

2010-04-10T11:52:00.000-07:00

Amarcord é, talvez, uma das obras mais poéticas e líricas do Cinema dos anos 70, perpetuando-se como um novo Cinema, onde a Arte explora o fértil universo da imaginação e exponencia o que há de melhor em recordar o nosso passado. Fellini se aprofundou, permeado pela verve saudocista, na identidade de uma pequena cidade italiana, onde a vivacidade e musicalidade de seus habitantes a consolidam como um verdadeiro baú de emoções, que traduzem uma cultura italiana própria,que seria esquecida pelo tempo e pelo espaço, se não fosse, como o próprio título traduz, a linda capacidade humana de se recordar.

O argumento do filme retrata uma sociedade interiorana da Itália sem se comprometer com a veracidade limitrófa entre a realidade e a imaginação. A idéia central do filme ressalta um povoado característico e se desenvolve de uma forma arrítmica, onde diversas técnicas de filmagem se misturam num frenesi de retratações. Fellini se preoucupou em revelar uma diversidade cultural através de um olhar anacrônico, onde o que se é mostrado não representa, necessariamente os fatos fidedignos dos anos 30 mas representam como as pessoas enxergavam esses fatos, permitindo-se assim liberdades de expressões distintas, ou seja, os fatos se misturavam as diversas percepções atribuídas à eles. Percebemos tal interação através de metáforas genuinas fellinianas, como o exagero, a abstração, a nebulosidade, a sexualidade e diversos outros signos próprios da imaginação humana.

Fellini desenvolve uma linha cronológica exata - a retratação de um ano importante para aquele povoado. No entanto, o percusso escolhido para representá-lo não se compõe de forma padrão e ritmíca, onde os fatos não possuem conexões com outros fatos, a não ser os personagens que os dividem. O ano representado significa um pequeno passo do reconhecimento público italiano para aquela comunidade carente de atenção, que precisa lidar com os marasmos de suas fronteiras, perdidos por uma imensidão esquecida. A força daquelas pessoas se resumiam em acreditar em sua comunidade e se iludirem numa falsa importância que ela possuía. A forma como Fellini as retrata é de uma destreza acadêmica, pois consegue conjulgar simples valores para uma sociedade que vive do acreditar. O ano retratado os aproxima de uma identidade cultural e denota uma realidade histórica daquela época: a visita de Mussolini, a passagem do Transatlântico entre outros.

A comunidade possui personagens que constroem, conectivamente, uma história de uma cultura, e Fellini aborda essa questão de forma a esteriotipar beneficamente seus personagens. O prisma abordado por ele abusa de uma visão mais ingenua dos fatos, desmistificando um pouco mais aquela sociedade e calvagando por uma outra verve cinematográfica: a qual a sociedade é representada pelos sentimentos daqueles cidadãos, em especial, de Titto, um jovem italiano. O filme se assemelha a uma comédia colorida, onde os personagens permitem que o espectador sinta-se entre eles, vivendo aqueles fatos.

Os personagens são os verdadeiros olhos de ouro da trama e atribuem para a obra a sensação de calor, como se aqueles personagens já houvessem cruzado nossas vidas, numa realidade distante e quase esquecida. Sentimos as nuances simples daquele povo, aprendemos a rir com eles, a ansear com suas necessidades, nos consideramos parte daquela comunidade frágil que se constroem de valores imediatistas, mas que usam do amor para enfrentar as adversidades que passam. Fellini conota uma abstrariedade dos fatos, das sensações e nos faz entender aquela sociedade não na posição de um analítico, mas na posição de um interativo, de um participativo.

O Cinema Felliniano, principalmente representado por Amarcord, nos conduz à um novo mundo do Cinema, onde as regras de uma uniformidade cinematografica não existe, por que reduz o seu argumento. Os personagens de Fellini falam diretamente conosco, espectadores, e as lembranças nos abraçam, nos faz nos emocion armos juntos, como se elas existissem em nós e não neles.

Não há como abordar essa obra sem falar do como a cultura italiano explode na tela, de uma forma intensa, presente. A Itália é o plano de fundo da obra e isso não é perdido de vista nenhum minuto da trama. O corpo do filme abusa dessa qualidade e o torna exclusivamente italiano, soando ser um filme para os italianos, o que, na verdade, não é. Fellini objetiva mostrar ao mundo o que era ser italiano no começo do século XX e consegue, de pura excelência. A trilha sonora do filme é radicalmente fantástica, uma pequena perfeição dentro de outra perfeição. O contexto de soundtrack não é o atual, que significa acompanhar o filme dando intensidades distintas à diversas cenas, mas é um contexto diferente, onde ele não procura dar uma intensidade técnica para obra, mas pretende ritmizar aquelas cenas, nos familiarizar com aquela cultura, se comportando de forma regular e extremamente eficaz, dando uma sensação de constituinte ao filme e não de tecnicismo.

Amarcord precisa ser lidado como um filme eterno, onde a beleza de seu argumento não esmorece com o tempo e passa a representar ainda melhor ao que se propoem. Fellini quis transmitir a idéia de que a cultura não morre no momento em que os seus filhos desaparecem no tempo, mas morre quando ficamos indiferentes a ela, e a esquecemos. O filme felliniano é uma ópera do ser humano coletivo e abraça valores já perdidos na sociedade, que deveriam ser resgatados e vistos como uma nova oportunidade para se recriar.

Tomates Verdes Fritos

2010-03-04T10:51:00.000-08:00

Tomates Verdes e Fritos, dirigido por Jon Avnet, reproduz o que há de melhor na instrumentalização da fábula social como arma do Cinema Moderno. O filme estrutura uma relação entre a sociedade da pequena cidade do Alabama e demonstra como os homens podem interferir no modo como os cidadãos se comunicam e lidam com os outros. A trama nos mostra, numa verve encantadora, duas histórias diferentes que se afetam diretamente: o drama de Evelyn Couch, representada pela admirável Kathy Bates, que se compoe numa mulher com dificuldades para ser a protagonista de sua própria vida e o drama de Idgie Threadgood e Ruth Jamison que enfrentam a pacata sociedade em que vivem e criam um novo modo de conviver com os outros. O que separa essas duas histórias é os mais de cinquenta anos que se passam entre elas, atribuindo a obra o tom certo de mágica.

A fábula ganha vida na estruturação de como esses dois dramas colidem: através da narração de Ninny Threadgood, uma idosa senhora, magicamente interpretada por Jessica Tandy, a história é passada de uma geração para a outra, onde Evelyn Couch escuta as narrativas das vidas de Idgie e Ruth e passa a repensar sua própria vida. Vale ressaltar que o modo como Ninny conta as aventuras das duas damas do começo do século XX , de um modo aconchegante e íntimo, é o grande responsável pela nossa afinidade instântanea com os relatos.

Dentro da história de Idgie e Ruth, existem fatores que revelam uma sociedade unida e ao mesmo tempo, uma sociedade que está passando por mudanças éticas naturais com o decorrer dos anos. Os valores vão mudando e a genialidade dessas duas garotas acabam por modernizar a sociedade e ganha um sentido social, quando as suas lutas passam a dar aos negros espaço entre os cidadãos. Como não é difícil de imaginar, lutar por uma sociedade mais digna acaba atraindo divergências, e é exatamente nesse ponto que a história irá se circundear. O preconceito é ainda latente entre alguns cidadãos, e a luta integralista das meninas acabará as colocando em risco de vida, ainda mais com a presença da Ku Klux Kan.

A obra, apesar de expor fatores ideologicos e possuir uma crítica presente acerca de como a vila irá se adaptar aos ideiais revolucionários de Idgie e Ruth, usa como essência humanizar as relações entre os personagens, explorar minunciosamente a beleza e a força da amizade e ressaltar a incrivel capacidade que temos de alterar a vida dos outros. Esse fator é bastante visível na relação entre Ruth e Idgie, que irá percorrer a história toda e será através dessa dialética que a trama irá se proceder. As duas passam a desenvolver valores novos e mostram que a união faz a força e justamente por irem de encontro com vários juízos de valores reacionários, acabam por se vulneralizar aos riscos. Essa mesma essência está presente, anos depois, na relação entre Ninny, que conta a história, e Evelyn, que a escuta e percebe que Idgie e Ruth souberam como tomar atitudes e se valorizaram, coisas que andam em falta na sua vida.

A idéia central do filme é a de mostrar como uma história de vida pode alterar outras histórias de vida e como a força entre a amizade pode ser tão verdadeira a ponto de revelar em nós o que nos há de melhor. A história cativa e traz o que é mais digno do ser humano: a honestidade de avaliar os seus atos e de refletir sobre a sua vida. A obra abusa de fatores positivos cinematográficos, como a trilha sonora adequada e extasiante, e o figurino correto e profissional. As técnicas de filmagem são competentes e o roteiro é incrivelmente delicioso de se acompanhar.

Mary Stuart Masterson, que representa Idgie, produz um trabalho encantador e acrescenta a sua personagem a nuance certa de uma pessoa forte, revolucionária e apaixonada pelas pessoas. O filme é basicamente isso: pessoas que amam outras pessoas, pessoas que lutam por outras pessoas. A mágica social textualiza cada cena e cria um contexto capaz de expressar a sensação certa. Ruth, representada por Mary-Louise Parker, é o alicerce do elenco que conclui o a mensagem da obra: a pessoa que precisa ser amada. Mary-Louise é, talvez, a atriz mais profissional do elenco relacionado a trama contada por Ninny. Ela é capaz de traduzir em seu olhar a emoção certa que a cena pede.

No outro núcleo do filme, Evelyn Couch resolve aplicar em sua vida certas filosofias de Idgie, e assim, passa a se valorizar mais e ganhar voz própria. A magia das relações entre as pessoas é bem expressada dessa forma e reproduz o aspecto necessário para que a história ganhe um sentido mais humano e interligado. Kathy Bates está num dos seus melhores momentos e sua personagem possui todos os elementos que Bates é profissional em expressar. Ninny Threadgood é o canal entre a história de Idgie e Ruth com a história de Evelyn, e por isso, ganha uma importância essencial para que a história se conduza.

A vilania do filme não é o ponto principal da obra, mas é necessária para que a história proceda. Além da ignorância preconceituosa de certos habitantes, há um personagem em especial que caracteriza todos os valores não pregados por Ruth e Idgie: Frank. Ele é o ex marido de Ruth, que além de praticar o racismo, se vangloria de bater em Ruth e de, inclusive, matar sua mãe. O personagem é responsável por provocar ás moças momentos de dor e de raiva e isso, acabará, as levando ao seus extremos.

Existe um complexo julgamentos de valores durante o filme todo, mas a obra jamais perde seus aspectos irreverentes. A irreverência é a segunda alma do filme, sendo a primeira a amizade. O roteiro nos permite rir, ter raiva, se apaixonar e por isso, consagra a sua produção como uma das melhores do cinema. Tomates Verdes e Fritos é uma tradução da humanidade em todas as suas facetas e explora o universo mais íntimo do ser humano: ele próprio. A relação temporal entre gerações acaba ganhando um sentido mais literal e surpreendente ao fim, quando enxergamos uma relação intrigante entre Evelyn e Ninny com Ruth e Idgie. O filme merece ser visto com o olhar de um apaixonado e merece também ser lembrado como uma obra forte em seu contexto e ao mesmo tempo frágil, por narrar uma história repleta de subjetividades encantadoras. Com certeza, uma verdadeira menina dos olhos do universo cinematográfico.

Forrest Gump

2009-12-08T16:44:00.000-08:00

Aviso: 67 % de spoiler

Forrest Gump é uma das obras mais cativantes que o Cinema já construiu. O filme possui elementos inéditos em relação ao tempo que foi lançado e consagra Tom Hanks como um dos melhores atores de todos os tempos. A história do filme é apaixonante e abusa da sua simplicidade permanente. A trajetória de Forrest Gump ilustra muito bem a história contemporânea dos EUA, através de uma forma riquíssima, irreverente e carinhosa.

O filme começa com uma pena caindo, aleatoriamente, nos pés de Forrest. Depois desse momento de suma importância para se entender a alma do filme, que explicarei mais adiante, Gump começa a contar sua história, sentado num banco de uma parada de ônibus. De imediato, percebemos que Gump é a ingenuidade e inocência em pessoa, e isso favorece para que a sua história seja mais linda e emocionante ainda.

A medida que nos aprofundamos na narrativa de Gump, vamos nos identificando pelo seu personagem e criando uma relação tão consistente com o filme, que acabamos envolvidos por todos os momentos da obra. Acompanhamos a infância de Forrest, e logo no ínicio, conhecemos Jenny, sua única e verdadeira paixão. O filme lança mão dessa simbiose entre os dois personagens e concretiza todos os aspectos necessários, para que mais tarde, o filme se desenvolvesse de forma mais fluente, usando a dialética Gump-Jenny como pilar para que a história proceda.

A vida juvenil de Gump é a típica vida de qualquer americano daquela época, e nesse momento, percebemos a primeira de muitas qualidades do personagem: a sua capacidade de correr. Forrest usará essa artimanha durante sua vida toda { inclusive durante uma sequencia toda do filme }. Foi essa capacidade que permitiu Gump ser jogador na faculdade e permitirá, mais tarde, que ele se torne ícone americano { explicarei mais tarde esse momento de sua vida. }

Entrando na vida adulta de Forrest, percebemos que ele viveu uma fase turbulenta, que envolveu Guerra do Vietnã, Manifestação Pública, Campeonatos pelo Exército. No período em que passa pela Guerra, Gump continua sendo a mesma criatura dócil e inocente de sempre, e é graças á essas características, que torna Forrest em um grande soldado americano. Desse momento, as primeiras prerrogativas de uma vida adulta invade a existência de Gump, começando a torna-lo mais maduro. Ele ainda nutre veementemente sua paixão pela Jenny, que visivelmente, não sente nada por ele, além de um carinho afetuoso enorme.

Inicia-se aí a fase mais dark de sua vida, quando Gump descobre que Jenny não vive uma vida muito boa, já que ela se rendeu ás drogas e as humilhações machistas típicas daquela época. É nessa fase também que Forrest começa a ter que lidar com a morte: principalmente de seu grande amigo morto em guerra, o Bubba.{ criatura mais irritante e bizarra de toda a história do cinema, quem viu o filme, me entende, rs } No entanto, é nessa fase, que Forrest precisará entender que a vida é mais complicada que parece, quando ele percebe que suas atitudes, por mais claras e certas que fossem, não trazia a felicidade esperada. Essa situação é bem dialogada através do personagem de Gary Sinise, o Tenente Dan Taylor. O Tenente é salvo da morte por Gump, mas acaba perdendo ambas as pernas, provocando em Dan um sentimento de revolta por ter sobrevivido. Nesse contexto, Gump começa a ter que lidar com as complexidades - inesperadas - da vida.

Usando como plano de fundo do filme, está toda a história conturbada de um EUA lutando pela posição maior no cenário mundial, tendo que lidar com movimentos hippies e inclusive movimentos étnicos, como os Pantera Negras. Nesse palco, Gump precisa construir sua história, como a figura vencedora do conservadorismo, aquele símbolo americano, que todos deviam seguir. Encontra-se aí, talvez, uma das maiores mensagens ocultas do filme que é a manipulação da sociedade em cima da figura do homem. Gump, mesmo vivendo uma vida agitada, se mantém ingênuo e apaixonado pelos outros. A alma de Forrest não se altera, e reside aí a beleza do filme, ou pelo menos, a razão por tornar o filme em uma obra-prima.

Depois desse período conturbado, o filme lança mão de um cenário mais calmo, onde Forrest se encaminha para uma idade mais madura, vivendo uma aventura nova: dono de um barco de camarões { em homenagem a seu amigo morto na Guerra do Vietnã } ao lado do ainda revoltado Tenente Dan. Vale frisar que Jenny não se mantém, momento algum, após a infância, presente na vida de Forrest, salvo apenas alguns momentos em que se esbarram durante o filme. Nesse momento de sua vida, Forrest começa a pensar, compulsivamente, pelo seu amor perdido. E nós, o público, torcemos para que a relação Jenny-Gump aconteça, mesmo sabendo, que não existe reciprocidade entre eles.

Ao fim do filme, ocorre uma reaproximação de Jenny e Forrest, mas, posteriormente, percebemos que Jenny apenas se rendeu ao amor de Forrest, e decidiu fazê-lo feliz, mesmo que por um breve momento. Antes que notemos, a personagem saí tão repentinamente como entrou, da vida de Gump. Porém, depois desse momento, a vida de Gump se altera definitivamente. Desesperado por perdê-la, Forrest simplesmente decide correr. Ele corre durante quase três anos e meio, tornando-se novamente ícone americano. De imediato, percebemos que aquilo é a fuga de Gump em relação á sua fracassada vida amorosa.

O filme é simplesmente fantástico. A magia da obra não se encontra somente nesse contexto exposto até aqui, mas vai além disso: a direção do filme introduziu aspectos irreverentes no enredo, brincando com o destino de Gump, o tornando responsável pelos passos de Elvis Presley, e criador da música Imagine, de Lennon. O filme, inclusive, coloca Tom Hanks, ao lado, de John Lennon! Lógico que isso não ocorreu, e está aí um dos motivo pelo qual o filme ganhou o oscar de Melhores Efeitos Especiais.

Outro aspecto essencial para o filme, é o brilhantismo de todas as interpretações. Cabe aqui, ressaltar que Hanks nunca conseguirá interpretar tão bem um personagem, como interpretou em Forrest Gump - O contador de Histórias. Admiro, intensamente, a capacidade de Tom Hanks em desenvolver tão excepcionalmente qualquer personagem que seja incubido de intepretar. Os outros atores do filme, como Sinise e Robin Wright { Jenny }, desempenharam muito bem também seus personagens, mas ficaram a sombra do brilhantismo de Hanks e seu personagem, Gump.

Alan Silvestre criou uma trilha sonora tão bem construída, que não posso escrever essa resenha sem citá-lo. As músicas do filme se encaixam perfeitamente com os momentos em que são colocadas, e ouvir Hendrix nunca é demais! Os outros aspectos técnicos do filme são de mesmo esplendor e tornam o filme, em uma obra inesquecível. O filme possui cenas muito bem feitas e é incrível imaginar como eles souberam aproveitar cada minuto do filme.

Bem no final do filme, Jenny finalmente se casa com Gump. No entanto, é obvio que ela se submete a isso apenas porque, estando em estado terminal de AIDS { não fica explícito que é essa a doença, mas se percebe facilmente que é, no mínimo, uma alusão ao período de pandemia da AIDS no mundo }, ela precisa que alguém cuide - pasmem - do seu filho, que também é filho de Forrest Gump! É justamente esse aspecto que dá sentido a vida de Gump e será esse filho que fará com que a vida de Forrest, após a morte breve de Jenny, ganhe algum sentido.

Entra então em cena, uma das melhores cenas do Cinema: o monólogo que Forrest faz consigo mesmo, na frente do túmulo de Jenny. Ele explica o quanto a amou e o quanto ela foi importante na sua vida, e tenta explicar porque essas coisas acontecem. É exatamente nesse momento, que entendemos o motivo da pena no ínicio do filme. Gump fala que existe sim um destino, ao qual devemos estar desprevinidos, mas que cada destino faz parte de um plano maior.

A pena é uma métafora linda do que ele disse, mostrando que apesar dela está a mercê do vento, ela sempre cairá no lugar certo, que no filme, foi aos pés de Gump. A pena voa novamente, quando a história de Gump encerra-se de forma simbólica { quando ele leva seu filhinho, também chamado de Forrest Gump, para a parada do ônibus escolar, em alusão ao ínicio do filme, que também possui essa cena. }. A pena voa, aleatoriamente entre as árvores, e termina caindo em nossa direção, terminando o filme com a mensagem de que a sua história também é fantástica, assim como foi a história de Forrest Gump.

Nota: 9.5

Abraços

Up - Altas Aventuras

2009-12-04T10:31:00.000-08:00

Aviso: Contém 40% de Spoiler

Up - Altas Aventuras é a prova real de que a Pixar encontrou a fórmula certa para seus filmes: a arte de aproveitar o diferente. O filme é a nova preciosidade da Disney e possui elementos novos e irreverentes, tornando-se a obra mais delicada e bem feita desse ano. A máquina cizenta responsável pela criatividade cinematográfica da Pixar está de vento em polpa, e tomara que continue assim, para o bem de todos nós cinéfilos.

O filme permite que os telespectadores experimentem uma sensação nova de torcida por um elenco nada convencional e permite que todos se maravilhem com a doçura e elegância de um enredo original e fantástico. Não tem como não se render á Up - Altas Aventuras. Chega ser surpreendente a forma como o filme se procede: tudo conspira para que a trama ganhe vida a cada cena que passa, explorando um cenário inusitado nos cinemas, possibilitando, assim, que o público não perca de vista a magnitude que a obra possui do ínicio ao fim.

Em primeiro lugar, temos um personagem-central totalmente diferente do que estamos acostumados: Carl, o velho. O personagem possui um encanto mágico e abusa da originalidade para se desenvolver. O ínicio do filme esclarece os cinéfilos sobre essa curiosa figura e nos torna íntimo dele tão rapidamente, que, quando mal percebemos, já estamos sofrendo com ele, a medida que o ínicio do filme { que se comporta quase como um curta-metragem dentro do filme em si } se encaminha para um fim melancólico. A partir desse momento, o filme verdadeiramente se inicia, mas todos os elementos necessários para que a história se proceda já estão plantados em nossas espectativas.

A medida que a história se desenvolve, as cenas vão se tornando cada vez mais encantadoras e a sensação de aventura cicatriza gradualmente. O filme segue uma linha cômica com elementos tão originais que não tem como se cansar da obra: a sinopse sugere que o passeio pela casa flutuante será durante o filme todo, e de imediato, percebemos que a obra não seguirá por esse caminho. Para a minha surpresa, os personagens centrais passam mais tempo em chão firme do que no assoalho da casa voadora. O interessante é a forma como a história se propaga uma vez que não existe previsibilidade na obra. Não há como prever o que vai acontecer, e isso é o maior charme do filme.

Logo em seguida, temos os personagens secundários da obra: Russell { a criança de 8 anos }, o cachorro e o pássaro. A Pixar realmente soube aproveitar a relação temporal entre o velho Carl e o jovem Russeal. A simbiose entre os dois é intensa e ali se encontra um dos maiores tesouro do filme. Depois deles, vêm todo o arsenal de personagens curiosos, bizarros e fabulosos: cães que usam aparelho para se comunicar, um pássaro viciado em chocolate e etc. O filme pede para forçamos um pouco da nossa imaginação, mas isso não é impossível, já que todos os elementos da obra conspiram para que possamos nos sentir livre para as invenções fantasiosas da trama.

A verdadeira premissa do filme, que é justamente os seus olhos de ouro é a redescoberta de Carl nessa sua, talvez, última aventura. Existe diversos fatores que o impulsiona a se aventurar pelo maior sonho de sua vida: chegar á uma cachoeira perdida na Venezuela. Essa amostragem psicológica funciona muito bem no filme, servindo de inspiração tanto para crianças como para os mais velhos dos adultos.

Como a Pixar consegue construir uma trama tão rica e meticulosamente inovadora em cima de um esqueleto-enredo tão simples? Está aí a verdadeira alma desse maravilhoso estúdio de Cinema. A Pixar está vivendo seu zênite e com certeza, Up - Altas Aventuras é uma, ou talvez a sua obra-prima. Além dos elementos semânticos, essa síntaxe de efeitos visuais ajuda e muito para perpertuar esse sabor de mini-perfeição que Up possui.

Pessoalmente falando, Up possui um pequeno, quase imperceptível, declive na sua qualidade durante o filme. Progressivamente, o filme se encaminha para um fim mais vibrante e mais infantil, diminuindo um pouco esse brilhantismo do enredo. Isso não se torna algo muito negativo, mas poderia ter sido melhor trabalhado. No entanto, quase nas últimas cenas do filme, percebe-se uma mensagem exclusivamente reflexiva de que o filme não terminou em um típico final feliz, mas mesmo assim, o velho Carl encontrou a sua felicidade perdida. Dessa forma, o filme volta a se nivelar em termos de excelência.

É encantador essa sagacidade do filme de possuir um final também diferente { me parece que essa palavra está presente em toda a crítica do filme, exponenciando a idéia de que o filme realmente é original }, quebrando com qualquer indução de se prever o final antes de vê-lo. O filme é extremamente equilibrado, sabendo aproveitar de todo o leque de funções que possui: a função emotiva, função cômica, função reflexiva, função aventuresca entre outras.

Outro fator positivo do filme é a versatilidade da Pixar em munir o filme de um humor moderno conectado com um tom de fábula, característica marcante dos velhos filmes de animação. Up - Altas Aventuras emociona de um jeito intenso, artimanha difícil de ser feita por estes filmes. O filme possui um bolsão de emoções que, em síntese completa, resulta num mutualismo de sensações tornando o filme vívido e apaixonante.

O campo contextual responsável pela vilania presente no filme, incorporada por Charles Muntz, o explorador aéreo desacreditado por todos por causa de uma suposta fraude, acrescenta a obra o necessário argumento para que a história se propague, mas não é ele que compõe unicamente a obra, já que o filme enfoca também no existencialismo de Carl. Essa capacidade de manipular os focos do filme durante sua rodagem torna o filme ágil e veloz, favorecendo ainda mais para a boa avaliação de Up - Altas Aventuras.

Ellie, a falecida mulher de Carl, é responsável por todo esse arcabouço mágico do filme e não há como analisar Up, sem citar a doçura e o encanto que Ellie transmite ao filme. Ela não se faz presente fisicamente durante todo o tempo, mas sua presença espiritual permite que a trama não perca essa favorável sensação de carisma que o longa possui.

Analisando esta obra, entro em choque com umas das minhas convicções cinematográficas: será que a originalidade de Up - Altas Aventuras consegue torná-lo melhor que o fantástico e memorável Wall-E ? Para aqueles que não acreditavam que a obra pudesse ser superada, encontra-se aí um possível candidato a quebrar essa afirmação. Ambos os filmes são estrelas no mundo das animações e possuem argumentos diferentes. Comparando os dois { se é que é possível }, ainda prefiro Wall-E. E você, hm?

Concluindo esta resenha { que me aparenta ser a maior de todas que já fiz }, resumo que a obra é um ode ao brilhantismo da Pixar e possui elementos que quase ninguém enxergaria juntos, mas que se provaram ser uma mistura curiosa e definitivamente, proveitosa. O filme usa a arte de entreter de forma inteligente e descontraída, e comprova aquilo que certos filmes desse ano estão reforçando: para um filme ser bom, não é necessário apenas ser bem feito, mas é necessário também ser audacioso em sua alma.

Nota: 8.8

Abraços

Paris, Te amo

2009-12-02T11:55:00.000-08:00

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Paris, Te amo é uma coletânea de diversas visões não só sobre Paris, mas sobre o Cinema, como um todo. O filme não possui apenas um papel artístico, retratando a cidade das luzes de diversas maneiras, mas possui um papel funcional, ou seja, Paris, Te amo se compromete também em mostrar como é a sintonia de diversos visionários cinematográficos unidos pela a arte que julgaram a mais fascinante de todas.

Nessa obra é possível ver o carinho despreendido pelos dezoito diretores que se empenharam em mostrar Paris de uma forma multicriativa. Não existe um tema fixo no filme, como é o amor em Nova York, Te amo. A obra demanda sensibilidade em ser resenhada, pela tamanha complexidade que possui em abraçar um projeto tão grandioso e ao mesmo tempo tão bem construído.

A ousadia em decodificar Paris de tão variados e sortidos modos, permitiram a criação de uma obra genuina, fragmentada e ao mesmo tempo coesa e completa. O filme é uma viagem mística e urbana pelas vielas da capital da França, mostrando personagens que completam a efervescência de ser Paris, viver Paris, transpirar Paris.

Não existe uma igualdade cinematográfica entre os dezoito curtas, muito pelo contrário. É contrastante a forma como arrumaram a sequencia das mini-obras, e isso faz parte do show. O filme é extremamente assimétrico: existem tramas com maiores pesos seguidos ou antecedidos por tramas triviais e vagas, existem tramas fantasiosas, que ultrapassam a realidade em si, existem tramas confessionais, tramas satíricas, tramas sexualizadas e mais uma série de gêneros de tramas. Essa divergência de foco acaba integrando um plano maior: mostrar o quanto Paris é complexa e diversificada.

A fórmula do filme é sensacional e é uma fórmula totalmente diferente da vista em Nova York, Te amo. Lá, as tramas são niveladas, e possuem um clima mais igual, quebrando um pouco esse descompasso artístico que Paris possui. Mesmo assim, isso não torna um filme melhor ou pior que o outro, isso torna os filmes apenas diferentes.

Na realidade, Paris possui um amor diferente do idealizado por diversos filmes, e graças a Deus, Paris, Te amo quebra esse tabu de que Paris é a cidade do amor ideal. Os amores retratados no filme são amores reais, amores diferentes: vemos o amor familiar, o amor pela religião, o amor pelo ofício e muito mais. O amor é retratado também de forma temporal, com vários contos que mostram um amor já desmistificado, ultrapassado.

Paris, Te amo possui vários momentos chaves, dentre eles, cito: Porte de Choisy { curta que retrata um senhor em busca de vender seu produto em uma atmosfera ambientalizada pela moda excessiva de Paris }, Tour Eiffel { o encantado mundo dos mímicos }, Tuileries { o engraçadíssimo curta do homem que sofre dentro de uma estação de metrô }, o líndissimo Place des Fêtes { curta que fala do amor encontrado em segundos, pela paramédica que atende a um imigrante, quase morto. }, Père-Lachaise { o genuino conto da briguinha conjugal dentro do cemitério mais conhecido do mundo }, e os dois últimos que, pessoalmente falando, se comprovam como os dois melhores curtas de toda a trama, Quartier Latin { um encontro de dois ex-casados em busca da assinatura dos papéis da separação } e o sensacional 14ème Arrondissement { último curta, onde uma típica caipira dos Estados Unidos encontra a felicidade triste e feliz em Paris }.

Esse último conto sintetiza o amor de Paris em um monólogo desbravador que torna exato, em cada palavra, a sensação de Paris nas pessoas que têm a oportunidade de vê-la. Eu já tive essa oportunidade, e realmente, encontro a mesma sensação que a linda Margo Martinda nos mostra em sua linda atuação.

O filme possui um veia pulsante de idéias e mostra Paris de forma mais real e ao mesmo tempo mais fantasiosa, estabelecendo uma relação dual entre as várias mensagens que o filme se propõe a mostrar. O plano de fundo do filme não é apenas os belos lugares de Paris, mas também lugares normais, pouco conhecidos, retratando a cidade também de forma menos turística.

Reunindo crânios como Alexander Payne, Wes Craven , Jean-Claude Larrieu , Gérard Depardieu e inclusive o brasileiro Walter Salles { com um curta bonito e nada mais que isso }, Paris, Te Amo é uma deliciosa obra, criativa, ousada e diferente de tudo aquilo que estamos acostumados a ver. O filme é uma sinestesia de gêneros, uma obra multicolor, um emaranhado de cortes criativos, que retratam não só Paris, mas a criatividade humana, e a sua adaptação e integração a uma cidade tão complexa como é a capital francesa.
Um filme lindo de se ver, daqueles que te convencem de que o cinema possui vários papéis na sociedade, não só aquele de retratar e ficcionar.

Concluo que Paris, Te amo é uma obra convicente, elegante e interessante. O filme possui dezoito marcas, sendo elas diferentes entre si, umas muito boas, outras medianas, outras dispensaveis. Mas mesmo assim, essas dezoito marcas produzem um contexto maior, um contexto real e convergente de diversas visões que se unem na arte de entender e completar Paris.

Nota: 9.4
Abraços!

Fechamento de Novembro

2009-12-01T17:15:00.000-08:00

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Apesar do atraso de um dia, o Cinemótica completa e encerra o mês de novembro, com um pequeno parâmetro do que o mês trouxe para o blog. O mês foi badalado por causa do Festival Internacional de Brasília e por causa da estréia de alguns filmes muito aguardados durante o ano. Apesar disso, o mês de novembro se encerra de forma não tão desejável e as espectativas são transferidas para o mês de dezembro.

Caso você queira ler alguma das melhores matérias de novembro, acesse: Nova York, Te amo , 500 dias com ela , Festival Internacional de Cinema e 2012. Nessa postagem de agora, você poderá ver um balanço dos filmes vistos, e inclusive o ranking deles. Exponho aqui também a lista de filmes que serão avaliados no mês de dezembro!

Aproveitando o espaço, gostaria de agradecer a colega Cintia Carvalho, dona do ótimo blog Cinecabeça, o qual visito sempre.O blog, de imediato, já apresenta uma estética favorável e limpa, tornando os textos mais agradáveis ainda. Os textos apontam muita dedicação e carinho da Cintia, que demonstra sempre um grande envolvimento sobre o tema que discute, expressando sua opinião de forma sempre pessoal, bem escrita e harmônica. As suas dicas são muito utéis e as suas escolhas de filmes são sempre certeiras! Indico a todos vocês este ótimo blog!

A lista não está muito visível, e por isso colocarei de forma mais resumida os vencedores deste mês:

1º - Paris, Te Amo (9.4)

2º - 500 Dias com ela (9.1)
3º - Nova York, Te Amo (9.0)

O mês de novembro foi um mês de experiências. Dos 16 filmes assistidos, 6 foram filmes do Festival Internacional de Cinema. Destes 6 filmes, apenas 3 deles se provam bons filmes. Além destes, esse mês foi sacudido pela estréia de 500 dias com ela, que teve ótima aprovação aqui. Estreiou também 2012 que obteve um média pouco acima de 6 no Cinemótica. Lua Nova também foi visto nessa última semana, e obteve uma boa aceitação, tendo como nota 6.9.

Algumas obras não puderam receber resenhas por causa do tempo, mas com certeza receberão em dezembro. Esses filmes são: Paris, Te amo, UP, Jogos Mortais 5, entre outros. Preciso justificar essa ausência, porcausa da época apertada que Brasília teve nesses últimas dias.

Falando em Dezembro, colocarei aqui a lista provável de filmes que serão resenhados por aqui. Friso que essa lista está de acordo com os filmes da Retrospectiva 2009 que está sendo lançada na SBBC, Sociedade Brasileira de Blogueiros Cinefilos.

Filmes para Dezembro

Paris, Te amo

Forrest Gump

Tomates Verdes e Fritos

Jogos Mortais 5 e 6

As Horas

Duvida

Simplesmente Feliz

Curioso Caso de Benjamin Button

Frost/Nixon

O Leitor

Milk

O Lutador

Todos os homens do Presidente

Atividade Paranormal

Malvada

Quem tem medo de Virgnia Woolf ?

Império dos Sonhos

21 Gramas

Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças

Espero que este mês que se inicia, com o time de filmes que apresenta, possa apresentar a vocês, leitores, as melhores críticas que já passaram por aqui no Cinemótica! Abraços!

2012 - O filme

2009-11-26T09:54:00.000-08:00

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2012 é um filme de desastre universal. O filme mostra o mundo sendo destruído de forma suntuosa, inacreditável e ás vezes ilógica. Mas mesmo assim, 2012 continua sendo um filme de desastre universal e ponto. Por que reclamar tanto de um filme? Acho que está ocorrendo uma nítida má confusão entre gêneros e pesperctivas. O filme realmente possui personagens risíveis, falas e momentos clichês, mas mesmo assim, se adequa ao tema que conduz: catástrofe terrestre.

O maior pecado do filme é ter feito uma propaganda enganosa: quanto se foi dito sobre tantas mitologias acerca de que o mundo acabaria em 2012? Elas simplesmente inexistem no filme, e quem for vê-lo esperando algo filosófico ou pelo menos, um pouco misterioso, esqueça, 2012 não é filme para isso. Não aparece, em momento algum, qualquer tipo de sugestão profetica dentro da trama, além de uma pequena piada sem graça no começo da trama.

Apesar de tudo, o filme é tão preoucupado em demonstrar seus efeitos especiais que se torna uma obra divertida de ser vista nos cinemas. O filme mostra cenas ousadas que até hoje certos filmes não mostraram sequer, e somente por isso, o filme já se torna válido. Além disso, é perceptível a forma como Roland Emmerich tentou nos impressionar e que, de forma inegável, conseguiu.

As atuações não são grande coisas e nem há espaço pra isso. Até porque, o mínimo que deve pedir desses filmes é uma sugestão de moços e mocinhas, para que o filme possua um afixo necessário para que a trama se desenvolva. Seria formidável, um dia, ser lançado um filme sobre destruição planetária contendo um roteiro psicologico envolvido no mesmo tema. Convenhamos, 2012 é um filme de ondas, terremotas, acidentes e só. Não há como querer mais de uma obra que por si só, já nasceu particularizada, desmembrada.

O filme possui várias cenas maçantes, deixando toda a destruição para o meio e fim do filme. Se pararmos para pensar, chega a ser um absurdo os recursos que os personagens principais usam para sobreviver e conduzir a história. Mas mesmo assim, esses aspectos não ofuscam toda a magnitude da obra.
Um dos melhores momentos do filme é a cena das arcas, que é sim uma forma criativa de se expor o fim do mundo e possui uma das fotografias mais fantásticas e bem feitas de ultimamente. O visual do filme é merecedor de elogios, e negar isso, é no mínimo, desleal.

Na verdade, 2012 tem muitas falhas. Tem muitos momentos anticlimax, momentos de confusão no roteiro, falha na criação da lógica dos eventos. No entanto, somando pesos e contrapesos, o filme sai com saldo positivo. A parte técnica do filme possui esse papel definidor, e é ele, que difere 2012 de todos os demais filmes de destruição que já foram feitos.

Conclui-se, portanto, que a obra foi muito pré-valorizada por aspectos diversos, e por ser pobre dentro de seu contexto, 2012 acabou sendo renegado por algumas pessoas. No entanto, quem esperava nada mais que um belo filme de fim do mundo, saiu contente e satisfeito das salas de cinema. Não é qualquer dia que temos a oportunidade de vermos um filme tão impressionante em nossas telas, e vendo sob esse prisma, 2012 se torna um ótimo filme para se ver e se divertir. Então, dá pra próxima vez que for ao cinema, compre um grande pacote de pipocas, peça o maior copo de refri e não pense duas vezes na hora de comprar um ingresso para 2012.

Festival Internacional de Cinema

2009-11-16T13:35:00.000-08:00

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Encerrou-se ontem, a XI edição do até então pouco conhecido FIC - Festival Internacional de Cinema em Brasília. Mas o que realmente representou esse festival ? Pude conferir poucas obras das 86 expostas, e por isso, a resposta a essa pergunta se torna relativa. Mesmo assim, já imaginando que eu não conseguiria ver todas as obras em apenas um semana, organizei uma equipe para me aconpanhar nessa empreitada, vendo outros filmes para depois unirmos as críticas. Resultado: 9 filmes foram realmente analisados pela equipe do Cinemótica, e por meio desta postagem, exponho uma panorama parcial dos filmes que compuseram o FIC e, resumirei, sinteticamente, o que o FIC trouxe, este ano, para a Capital Federal.

Em primeiro lugar, será produzido um pequeno texto compilando tudo que foi explorado. Ao fim, colocarei uma resenha rasteira de cada um dos nove filmes assistidos, dando um fim, então, ao nosso trabalho nesse último evento internacional de cinema.

O Festival Internacional de Cinema contou com mais de quatrocentas pessoas e foi bem recebido pela maioria dos presentes. As sessões noturnas foram mais procuradas e a diversidade de filmes foi aproveitada. Pôde-se ouvir otimas reações á favor de Mother, El ultimo Verano de la Boyita, Á procura de Eric, Ervas Daninhas entre outros.

No circuito brasileiro, a maior enfâse se deu em Rua dos Bobos, A fuga da Mulher Gorila e o bem falado Os Famosos e os Duendes da Morte. Com uma mescla de filmes em um só ambiente, o cinema transpirava no local. Várias vezes pude observar pessoas ajudando outras pessoas a escolher qual filme ver, alguns tentando nos convencer a ver tal filme, outros pedindo para passarmos longe de certas obras.

Pessoalmente falando, acredito que os filmes expostos no FIC, em sua maioria, ficaram aquém daquilo que esperávamos. Os filmes se manteram na linha do razoável, o que não foi muito bom. Claro, houve filmes que trancederam e fizeram o FIC valer muito a pena. Mesclado aos filmes do circuito do Festival, haviam mais oito filmes coreanos sendo exibidos, dentre eles: Secret Sunshine.

'O grande vencedor do FIC Brasília 2009 foi o americano “Prince of Broadway”, de Sean Baker, que conta a história de dois imigrantes em Nova York envolvidos com o mercado pirata de moda. O Prêmio TV Brasil, para os filmes brasileiros, ficou com “Insolação”, de Daniela Thomas e Filipe Hirstch.

Várias menções honrosas foram distribuídas pelos júri internacional e da TV Brasil. Lucía Puenzo foi lembrada por sua direção em “O Menino Peixe”, Elsa Amiel por sua atuação em “Nulle Part Terre Promisse” e o filme “Tulpan”, de Sergei Dvortsevoy, premiado em Cannes e candidato do Cazaquistão ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 2009, ganhou o prêmio especial do juri.' - Cecília Barroso

Críticas

Nova York, Te amo - O filme é uma amostra de criatividade, de humor, de charme e possui um clima rasteiro, de anonimato, criando uma Nova York inatingível e ao mesmo tempo íntima. As histórias dos curtas representam dilemas vividos pelo homem e os mistura ao tempero nova iorquino de viver. O filme emociona, nos faz refletir, nos faz rir e se apaixonar. Nova York, Te amo é uma obra trancendente, provocando diversas emoções ao telespectador durante os 110 minutos de filme.

Ervas Daninhas - Ervas Daninhas, filme lançado no Festival Internacional de Cinema, expressa um cinema mais etéril, pulsante e psicologicamente despreendido de pretextos. O filme é esteticamente genial, mas a sua verdadeira genialidade é o enredo surreal e divertido dirigido por Resnais.

( 500 ) Dias com Ela - De recente estréia nos cinemas, o filme simplesmente convence. A obra trasmite harmonia do ínicio ao fim, flui por completo e faz bonito. O carisma despreendido por Marc Webb é válido e comprova que, ás vezes, uma história não precisa de mais nada para ser boa, além de uma simpática forma de ser contada.

Derrière Moi - O filme de Rafaël Ouellet é psicologicamente pertubador e sugestivo. O filme transborda momentos de pura sugestão pornografica, por se tratar de uma obra profunda: vemos uma mulher de 23 anos se relacionando profundamente com uma menina de 14. Desde o começo, percebemos que aquela relação não é uma qualquer, e que a cada vez que ela se intensifica mais, maior parece ser a bomba prestes a explodir. Angustiante e por vezes tedioso, Derrière Moi cansa e provoca ao mesmo tempo.

Quelque Chose à te Dire - Cécile Telerman produziu uma obra cansativa e instável. A crítica mordaz pelo existencialismo coletivo de Cécile é incoerente: vemos uma obra onde a manipulação familiar desencadeia uma série de acontecimentos que estão prestes a ruir a estabilidade de uma família de seis personagens, como uma verdadeira bomba relógio. Uma obra desconectada, enfadonha e pertubadoramente não lapidada, são essas as sensações que o filme não cansa de demonstrar. Uma fórmula incompreensível dentro de uma cabeça fantástica. Cécile, tente outra vez, quem sabe ano que vem.

Prince of Broadway - O filme começa de uma forma diferente, chegando até a ser mal recebida por grande parte do público, mas é genial a forma como, gradualmente, ele vai conquistando a todos nós, nos despertando para a verdadeira beleza da sua história. O filme narra a história de um imigrante negro ilegal nos EUA, que sobrevive vendendo pirataria. Em meio a toda essa desgraça, uma garota simplesmente abandona um bebê de 3 anos ao imigrante desorganizado e atrapalhado. A história começa de forma capciosa e vai se tornando uma diferente e criativa maneira de passar a mensagem de que as coisas que acontecem ás nossas vidas nem sempre vem para o mal, por mais que pareçam vir.

Amor Extremo - Um elenco supervalorizado atua em um filme superestimado. Um filme circular demais, que ás vezes acaba por perde o foco. Amor Extremo é um romance ambientalizado na Guerra, e unindo esses dois grandes campos, o resultado é decepcionante. O filme se conduz de forma arrítmica, as vezes acelerando momentos importantes e as vezes dando enfase aos desnecessários. A premissa do amor se torna tão subjetiva ao ponto de ser chata. O filme se arrasta durante toda sua duração, mas acaba camuflando tal desconexão com um final mais movimentado. A obra se configurou de forma detalhista demais, e não obteve uma grande aceitação durante o FIC.

O Festival Internacional de Cinema em Brasília foi um evento de diversas pessoas e de diversos filmes, mas mesmo assim teve um peso tímido na Capital Federal. Step by step, alguém um diz citou com muita propriedade. Os números aumentaram consideravelmte e se espera que esse número de pessoas aumente ano que vem. E assim o cinema se encaminha: aos poucos várias portas são abertas para que as pessoas conheçam mais e mais sobre essa linda arte que é a arte cinematográfica.

500 dias com ela

2009-11-14T19:52:00.000-08:00

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500 dias com ela, de recente estréia nos cinemas, simplesmente convence. O filme trasmite harmonia do ínicio ao fim, flui por completo e faz bonito. O carisma despreendido por Marc Webb é válido e comprova que, ás vezes, uma história não precisa de mais nada para ser boa, além de uma simpática forma de ser contada.

Sim, o filme é simples assim: Summer ( interpretada pela belíssima Zooey Deschanel ) conquista, involuntariamente ( ou não ) o amor do jovem e intenso Tom ( Joseph Gordon-Levitt ). A história é de fácil acesso e de fato, em poucos minutos, estamos completamente envolvidos por ela.

O que há de verdadeiramente bom em 500 dias com ela? Com todas as certezas do mundo, respondo: simpatia. Webb pegou o que há de melhor na sua criatividade cinematográfica e conseguiu criar uma obra casual, bem dosada, acolhedora e, principalmente, harmonica. Não há o que se esconder: os efeitos da narrativa de 500 dias com ela é o verdadeiro encantamento do filme, e é ele, que contribui, e muito, para que o filme consiga o seu merecido sucesso.

Em primeiro lugar, é realmente necessário destacar que a atuação de Zooey e Joseph é essencial para que a trama se desenvolva, e que se não fosse eles como Summer e Tom, talvez 500 dias com ela passasse completamente despercebido por nós. Os dois conotam ao filme a melodia certa, trazendo á vida, o lindo e atraente romance criado nos roteiros.

Existem várias prerrogativas durante o filme que conferem á obra uma sensação de intimidade com o público, deixando-nos todos a vontade durante todo os momentos de 500 dias com ela. O filme não se perde momento algum e apesar de não apresentar uma história retílinia, consegue criar uma história coerente e circular. A película se mantém agradável em toda a sua síntese e simplesmente funciona de um jeito surpreendente e encantador.

O romance estabelecido entre Tom e Summer é baseado numa criativa dialética amorosa, configurando-se como um romance original, repleto de questionamentos, anseios e desejos. A relação dual do casal é conflituante e acaba por permear um ambiente arrojado e energético no desenrolar do filme.

O método despretencioso ao qual o filme lança mão nos faz experimentar uma sensação sólida e leve, e é uma sensação bastante análoga com as sensações que Juno e Pequena Miss Sunshine transmite. Não que isso seja negativo, pelo contrário, é justamente esse carácter que torna 500 dias com ela um filme jovial e muito maduro.

É adorável se defrontar com a intertextualidade sagaz que 500 dias com ela apresenta. Esses gaps estruturam outras dinâmicas ao filme, colaborando ainda mais com a boa sensação que temos da obra. O filme homenageia diversas outras fontes de cultura e integra ao seu roteiro pontes cinematográficas, como os evidentes momentos alla 'Rosa Púrpura do Cairo'.

500 dias com ela é um percusso amoroso simpático que deve ser conferido. O filme ganha por transmitir, de forma bem interpretada e criada, diversas emoções durante uma relação que passa por diversas fases. Tudo está ali: a excentricidade de cada personagem, as inseguranças quanto ao futuro, a necessidade de expressar os sentimentos. Pontuado e bem criado, o filme é uma charme só.

Ervas Daninhas

2009-11-11T17:54:00.000-08:00

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Ervas Daninhas, filme lançado no Festival Internacional de Cinema, expressa um cinema mais etéril, pulsante e psicologicamente despreendido de pretextos. O filme é esteticamente genial, mas a sua verdadeira genialidade é o enredo surreal e divertido dirigido por Resnais. Poucos conhecem esse cinema mais irreverente que preza pela metafísica da arte cinematográfica e exponencia a mente fértil do ser humano, uma vez que a sua disponibilidade é díficil. Ervas Daninhas não é nenhuma obra prima, mas provoca e brinca com o publico, tornando-se, assim, um bom filme para se conhecer melhor esse pouco acessível mundo do cinema excêntrico.

A obra Herbes Folles trata-se de uma história simples: uma senhora francesa tem a sua carteira roubada, que é encontrada por um senhor, no estacionamento de um shopping. Esse senhor, então, prioriza como objetivo maior a devolução do objeto á dona. Inicia-se aí um jogo divertido de perseguição, amor e obsessão entre os dois envolvidos nessa casualidade.

Com um enredo banal, como o próprio diretor definiu, Ervas Daninhas é um provocante romance atípico, envolvido por cenas surreais e por momentos bizarros e metafóricos. As pessoas acostumadas com a tradição dos cinemas normais poderão se sentir incomodadas com a obra por se tratar de um película extremamente subjetiva e arrojada de cenas paradas e monótonas. O filme se revela uma deliciosa metáfora que pode ser desvendada durante a obra, com um pequeno auxílio do seu título. Sinteticamente falando, Ervas Daninhas está longe de ser um filme perfeito, mas possui um interessante recurso cinematográfico.

Ervas Daninhas se configura como um filme polêmico: alguns saem da sala de cinema irritados, já outros saem com um sorriso surpreso no rosto. Talvez seja por essa controversia que seja aconselhável conferir a obra. O filme não decepciona na parte técnica e possui um excelente e maduro elenco.

Marguerite, a senhora que perde a carteira, é excêntrica e uma frustada amorosamente. Pois é, Marguerite pode ser qualquer um de nós, e é nesse ponto que o filme se amarra: no simplório e comum acidente doméstico da vida que pode afetar, terminalmente, a vida de qualquer um.

No meio de toda a trama, justamente no centro, encontra-se Georges. De imediato, percebemos que esse senhor não é comum e que há algo instintivo nele que se esconde em seus pensamentos mais ocultos: ele começa a fantasiar com Marguerite, apenas por possuir a sua carteira em mãos. Um obsessivo? Talvez, mas Georges se revela como um personagem muito mais profundo que qualquer obsessão amorosa. Dessa forma, logo criamos um dúvida no ar: quem é verdadeiramente Georges? E aprendemos que dele se pode vir qualquer coisa. Justamente nesse tocante, que o filme circundeia os fatos.

O ar da casualidade logo adquire um tom de improbabilidade, inovação, quebra da rotina. O simples roubo de um carteira introduz á vida de Marguerite um homem, e gradualmente, vemos, de forma criativa, como Marguerite reage com aquela nova situação.

Um dos melhores pontos do filme é a instropecção mental feita no consciente de cada um dos personagens, perpetuando ao filme, um ambiente imaginário, funcionando quase como um diário-confessionário. A riqueza das palavras soltas, das divagações dos olhares e das pequenas ações do ser humano são retratadas de forma elegante e provocante, como disse acima.

A história do filme não é concisa, mas, mesmo assim,é sutilmente elegante. Confesso que tantas sutilezas acabam por nos entediar um pouco ao ver o filme, mas analisando a obra de forma universal, é perceptível o seu encanto artístico. As cenas do filme são imprevisíveis e seguem uma linha de coerencia abstrata, tornando o filme cada vez mais interessante. O surrealismo da obra, prática usada de forma assumida pela direção do filme, se manifesta mais ao final, onde as coisas começam a se encaminhar para um fim completamente maluco e ao mesmo tempo, divertido.

Existe uma brincadeira fantastica feita pelo diretor do filme durante as cenas finais do filme: ele mistura a simplicidade de pequenos momentos da vida, como um zíper de baguilha emperrado e eleva ao extremo, criando situações inusitadas nascidas de momentos desprezíveis na nossa vida. Algo como casualidade versus o desconhecido.

Ervas Daninhas é um filme muito competente, impetuoso e dual. O interessante de todo seu fervor é o jogo induzido que se manifesta como algo dissolvido na atmosfera do filme, presente constantemente em todas as cenas. A obra é clean e fiel ao que se propôs, o que nos possibilita gostar muito do filme. Acredito que conferir essa película é no mínimo, saudável. Por tanto, procure entrar em contato com essa belíssima obra francesa.

Nova York, Te amo

2009-11-07T09:22:00.000-08:00

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Sendo o mais direto possível, decreto: Nova York, Te amo, filme rodado no Festival Internacional de Brasília, é um dos melhores filmes deste ano. A síntese urbana é representada fluentemente, de forma charmosa, sensível e elegante. O filme é um retrato da arte cinematográfica e reune tudo que há de melhor em se fazer cinema.

Nova York, Te amo é uma obra semelhante á Paris, Te amo. O filme também contém vários diretores, que ao total são 12, produzindo vários curtas dentro do filme, retratando as diversas facetas de alguma cidade exponencial. O filme, no entanto, apresenta uma característica marcante que o difere de Paris, Te amo: os doze curtas do filme são interligados não somente pela cidade, mas apresentam um contexto igual, inclusive os personagens colidem com os personagens dos outros diretores, o que torna o filme contínuo e extremamente elegante.

Com o lema do filme, 'Toda as cidades tem suas diversas formas de amor', acompanhamos doze pequenos curtas retratando a diversidade amorosa, cultural e comportamental de Nova York. O fator diferencial do filme é a sua atmosfera perfeita, uma atmosfera repleta de pessoalidades, que representa todas as aspirações e ilusões de Nova York.

Os doze diretores produziram um roteiro delicioso, intimista, acolhedor e consegue, definitivamente, te teletransportar até Nova York e te fazer sentir parte dela. É incrível como diferentes métodos de filmagem unidos conseguem criar uma ópera tão uniforme e coesa, como Nova York, Te amo é.

O filme é uma amostra de criatividade, de humor, de charme e possui um clima rasteiro, de anonimato, criando uma Nova York inatingível e ao mesmo tempo íntima. As histórias dos curtas representam dilemas vividos pelo homem e os mistura ao tempero nova iorquino de viver. O filme emociona, nos faz refletir, nos faz rir e se apaixonar. Nova York, Te amo é uma obra trancendente, provocando diversas emoções ao telespectador durante os 110 minutos de filme.

O elenco é genial. As interpretações criam um filme maduro e real, sensível. Kevin Bacon, Justin Bartha, Natalie Portman, Orlando Bloom, Shia LaBeoulf, Andy Garcia e todos os demais atores do filme realmente fazem um grandioso trabalho. Nova York é representada por diversos tipos de amores, o que torna a obra em um romance urbano misturado a comédia e humor.

Os diretores - Fatih Akin, Yvan Attal, Allen Hughes, Shunji Iwai, Wen Jiang, Scarlett Johansson, Shekhar Kapur, Joshua Marston, Mira Nair, Natalie Portman, Brett Ratner, Andrei Zvyagintsev, Randall Balsmeyer - conseguiram, delicadamente, criar uma obra linda, agradável e ritmica. Todos os curtas provocam, no pequeno tempo de duração, a sensação certa, transmitem a mensagem certa.

Os melhores curtas, pessoalmente falando, são: o curta que relata dois adultos mergulhados em seus pensamentos falando dos seus amores errôneos e o quanto esses amores errôneos são descartáveis. O curta termina de uma forma humorística e sensacionalmente bem elaborada. Outro curta muito bom é aquele onde duas pessoas fumando começam a conversar numa das esquinas de Nova York. Nesse momento, sentimos Nova York fluir e vemos um diálogo apimentado e simplesmente genial. No entanto, o melhor curta é o último, onde vemos um casal de velhos discutindo enquanto caminham nas avenidas de Nova York.

Todos os curtas são interligados por uma personagem e descobrimos isso no final, apesar de criarmos já suspeita durante o filme. Todas as cenas são sensíveis, inteligentes e encantadoras. Vemos uma Nova York dos desiludidos, dos apaixonados, dos frustados, dos experientes, dos iniciantes, dos imigrantes, dos introspectivos. Nova York adquire diversos rostos durante a obra, o que a torna fluente e nada, nada mesmo, cansativa.

A trilha sonora é moderna, remete a New York e pontua muito bem cada curta. A fotografia também é moderna e o cenário é a dinâmica cidade dos sonhos. As falas são metafóricas e criam uma linha de raciocínio sagaz, romântica e inclusive, sensual. O fluxo de pessoas vivendo em NY é retratado também, tornando a cidade em uma cidade enorme, cheia de possibilidades.

Aliado a todos esses curtas, vemos uma crítica singela de como Nova York é uma cidade de multinacionalidades. Pequenos momentos mostram isso: os chineses, coreanos, latinos, franceses participam de suas próprias tramas. O combate ao preconceito também é mostrado, de forma delicada e bem elaborada. Em resumo, o filme sintetiza todas os dramas de NY e os mistura em um balanço só, coeso e incrível.

O filme tem o seu foco - o amor - e o adapta as ruas de Nova York, seja como um amor momentâneo, um amor radical, um amor infantil, um amor de séculos e o resto mais. O filme encanta de uma forma linda, tocante e criativa. Vemos o choque entre religiões, o choque de culturas e compartilhamos cada pequena emoção do filme.

Shia representou seu papel de forma elegante, assim como Portman. Os olhares entrecortados de cada um dos personagens funcionam como artificios importantes para a trama. Um preciosa obra, é isso que Nova York, Te amo é.

Resumidamente falando, o filme é inovador, transpira romantismo, inspira paixões, fortalece laços e tem o seu brilho interno. Nova York está em todos os lugares, e o amor também está. A cidade das possibilidades está aberta para você, é esse o recado que o filme te dá ao fim. Nova York, Te amo é, sem dúvidas nenhuma, um filme inesquecível, onde não conseguimos não se envolver com tamanha obra delicada e deliciosa.

Abraços.

Abismo do Medo

2009-11-05T13:37:00.000-08:00

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Abismo do Medo surpreende: o filme traz uma atmosfera densa, bastante ambientalizada e provoca uma sensação de aflição e agonia especialmente intensa. O filme é bastante dosado, criando um cenário de terror, suspense e ação.

Seis amigas resolvem se aventurar em uma caverna na Europa a procura de diversão. Chegando lá, as coisas não saem conforme o planejado e um pequeno desmoronamento as confina, aparentemente, dentro da grande gruta. No entanto, essa é o menor de todas as preocupações. Com o tempo, as amigas descobrem que o lugar nunca houvera sido antes explorado e que certas criaturas agressivas, realmente agressivas, moram por lá, e não gostam, aparentemente, de visitas.

O terror do filme é extremamente sensorial:a sensação de confinamento e caustrofobia é presente em toda a película e o ambiente fora criado de forma a transmitir da melhor forma possível a sensação de medo e desespero.

A trama é uniforme, não cansa e se procede de forma contínua e gradual. Aos poucos somos introduzidos ao grupo de seis amigas, percebemos o introsamento entre elas e criamos, inclusive, uma certa empatia pelas personagens. Em seguida, conhecemos a caverna e, sequencialmente, vamos percebendo os diversos tons que a caverna apresenta.

A parte técnica responsável pela fotografia e cenário do filme fazem um belo trabalho: conseguimos decifrar a gruta, percebemos a profundidade de seus túneis e de cara, descobrimos que a caverna é enigmática demais, e que isso, acarretará em algum acidente com as aventureiras. A fotografia do filme lança mão de vários recursos de luz, criando um ambiente fechado e ao mesmo tempo, vísivel aos telespectadores.

A trama é envolvente e ao mesmo tempo lógica e analítica. As seis amigas logo se descobrem presa ao lugar devido á um pequeno desmoronamento que surge de forma inesperada. As coisas começam a ficar feias quando elas descobrem que não, aquela caverna não era turística, e que não, ninguém viria socorrê-las.

O elenco é profissional e condiz com a seriedade que o filme apresenta. Shauna Macdonald, a personagem central da trama, configura ao filme uma atuação severa e bastante interpretativa, intensificando a sensação intensa de confinamento. Claro, o filme não contém um elenco forte e surpreendente, mas não faz feio e torna a trama aquilo que ela se propõe a ser.

No meio da trama, algo revelador acontece: elas não estão sozinhas na caverna. Dentro dela, há criaturas cegas e carnívoras, sedentas por carne. Apesar disso soar bastante chichezento, o filme leva a sério essa situação e consegue estabelecer uma sensação de perigo digna e bem feita. As criaturas foram criadas profissionalmente e não chegamos a duvidar momento algum da coerência do filme.

Uma das cenas do filme que melhor mostra a sensação criada de caustrofobia é o momento em que elas estão passando um túnel estreito e uma das amigas fica presa. Nesse momento, tudo conspira para compartilharmos a mesma sensação de confinamento que a personagem passa. Essa impressão chega a ser tátil, contribuindo ainda mais para a qualidade do filme.

Abismo do Medo incomoda e mostra que o terror realmente é um dos gêneros mais expressivos do cinema. Neil Marshall, diretor do filme, produziu uma obra rigorosamente competente, tornando uma história não muito interessante, em uma história extremamente bem estruturada e chamativa.

Tudo parece fluir nesse filme: o elenco, a trama, os clímax, a ambientalização e todo o resto. Talvez o filme tenha errado em misturar algumas alucinações com a realidade, mas nada que afete consideravelmente a obra como um todo.

Um grande recurso que a direção do filme usa é a ocorrência de sons com várias tonalidades. A forma profissional com quem foi usada configura um ritmo frenético dos acontecimento e, inclusive, brinca com o telespectador, de forma criativa e imprevisível.

Resumidamente, Abismo do Medo é uma obra bem criada, que se aproveita de artificios ótimos e sagazes. A trama é bem pontuada, as sequencias são bem pensadas e o roteiro é coeso e caprichado. O terror transborda na obra como um todo e a parte técnica do filme se prova como uma das melhores. O filme é indicado porque é comprovadamente sintético, direto, assustador e criativo.

Abismo do Medo tem quase todos os elementos primordiais do terror para ser considerado como um ótimo filme e merecedor de ser visto. Confira!

Abraços.

Albergue Espanhol

2009-11-02T15:56:00.000-08:00

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O Albergue Espanhol é um filme camuflado. A obra promove a sua história como uma ficção voltada para a temática mochileira, mas se revela um conto emocional acerca de seu protagonista, tornando o filme em um romance urbano ambientalizado em um cenário turístico: Barcelona.

O caso é: Xavier, jovem ambicioso, prestes a conquistar o seu emprego mais valorizado, descobre que no seu caminho há uma pedra: ele precisa aprender o espanhol antes de se formar, já que a empresa que o pretende contratar só o empregará no setor econômico voltado para a Espanha. Logo, Xavier se debanda para a cidade mais dinâmica da Europa: Barcelona.

A alma do filme é indiscutivelmente dinâmica ( e não entenda isso como um ponto positivo ): acompanhamos o que é viver na Espanha, rodeado de pessoas de várias nacionalidades. Uma explosão de trejeitos multiculturais ? Não, o filme não é, definitivamente, isso; apesar de tentar ser. Albergue Espanhol está muito mais para um filme ritmico com dosagens de encontros culturais simples e superficiais, chegando inclusive, a ser irritantes.

O ápice da obra ( se é que pode ser interpretado como ápice ) é, na verdade, o modo como é contada e o processo que Xavier passa vivendo essa experiência. É inegável dizer que o filme transmite, de forma idealizada e ridícula, a alma universitária de Barcelona. As personagens do filme são ocas, mas mesmo assim, dançam e pintam no filme, fortalecendo, infelizmente, a idéia da juventude radical e futil que a obra realmente enfatiza.

Drogas, festas, mulheres, sexo. O filme explora todo o universo estereotipado dos jovens independentes, pecando por generalizar: é visível a forma como ele define que todos os estudantes estrangeiros são boêmios e efêmeros.

Xavier descobre a si mesmo descobrindo Barcelona, e é justamente esse ponto que [ quase ]salva o filme. Não pense que Albergue Espanhol é um filme recheado de conflitos culturais, porque passa longe, e extremamente longe disso. A trama é tão simples que se torna muito fácil, e as vezes, chata de acompanhar.

O filme é impetuosamente fraco na sua essência, tornando-se um filme pífeo e lamentável quando se fala em desenrolar temático. As cenas não apresentam interação entre si, tornando o filme extenso e descontínuo. Tem horas que se torna cansativo, já que não apresenta clímax, e sim, pseudo-clímax.

A impressão que Albergue Espanhol dá é a de que ele é um filme amador que ilude as pessoas com a idéia de que o filme é um choque divertido de pessoas falando línguas diferentes e tudo mais. A forma clichezenta que o filme contém também ajuda na repulsa pela obra.

O mundo de universitários abordado pelo filme é muito rebelde, e esse é o maior pecado de Albergue Espanhol. Além desse tema, existe um ponto de fuga do filme que o torna um pouco ( mas bem pouco mesmo ) mais interessante: Xavier se envolve em um caso conjugal, lê-se traição.

Essa parte do filme atenua as besteiras que a obra transmite e o torna inclusive, digamos que, tragável. As atuações dos filmes são vazias não por falta de profissionalismo, mas por falta de alma dos personagens. Interpretar um dinamarquês falando xingamentos, fumando um baseado e se divertindo na boate não é tão difícil. E isso vale para o alemão, para a belga, para o inglês e todos os demais.

O filme se torna uma decepção para quem gosta do assunto de mochileiros, viagens, intercâmbios e relativos [ como eu sou ]. Na verdade, o filme é uma eterna mentira: em todos os seus momentos, ele tenta transmitir a idéia de transitação entre diversas nacionalidades, o que simplesmente não acontece.

Tecnicamente falando, o filme não é mal feito. A trilha sonora é tímida mas remete sim a Barcelona, e a direção de filmagem é profissional. Um ponto positivo é a tentativa de mostrar essa dinâmica Barcelona - Multinacionalidades através dos efeitos visuais: vemos uma cena com várias telas de acontecimentos, e vemos cenas serem aceleradas. Os diretores do filme produziram sua continuação Bonequinha Russas, com as mesmas personagens. Vendo essa primeira obra, torna-se difícil querer encarar a continuação.

Albergue Espanhol é tristemente, uma obra pela qual se deve passar longe. Ela não oferece uma temática verdadeiramente apaixonante, não desenvolve uma história contínua, e quase não sai da linha do razoável, e quando sai, é para abaixo dela.

Novembro teve uma abertura digna de ser esquecida aqui no Cinemótica. L'auberge Espagnole é, sinceramente falando, uma obra indigna e decepcionante. Audrey Tautou, presente como coadjuvante no filme, com certeza deve querer queimar todos exemplares deste filme. Quem realmente gosta de Tautou, passe definitivamente longe dessa obra. Tautou aparece míseros minutos na trama, mas são suficientes para colocar em dúvida se ela é realmente a consagrada atriz Audrey Tautou.

Resumidamente, em exatas quatro palavras, o Cinemótica decreta: fique longe desse filme.

Abraços.

Fechamento de Outubro

2009-10-30T10:45:00.000-07:00

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Outubro foi um mês satisfatório e, em partes, surpreendente. Foram analisados sete filmes pelo Cinemótica e também foi feito uma grande análise sobre o Terror Moderno. Foi feito uma tabela de notas para os sete filmes vistos, o que me permitiu fazer um Ranking, Nesse mesmo assunto, peço que escolham qual foi a melhor crítica do mês.

Filmes Criticados: ET - Extraterrestre , A Verdade Nua e Crua, Bagdad Cafe, Fabuloso Destino de Amelie Poulain, Milagre de Anne Sullivan, Melinda e Melinda e Por que me casei.

A maioria dos filmes vistos foram tramas urbanas, e em conjunto, foram todos bem indicados.
Confira a tabela de notas.

OBS: Mês que vem começa o Festival Internacional de Cinema em Brasília e o Festival de Brasília de Cinema Brasileiro. Estou disponibilizando o site do evento para que possam ver os filmes que vão passar e inclusive indicar.

Para chegar nessa nota, foi necessário estabelecer uma média entre as notas dadas aos critérios, como Criatividade, Fotografia, Coesão, Música, Atuação entre outros. Pelas médias, quase todos os filmes obteram dez em criatividade, mas a maior média entre os filmes ( 8.8 ) foi a nota de atuação.

Bagdad Cafe contém dois ícones do cinema ( CCH e Sagebretch ), Milagre de Anne Sullivan apresenta as imortais Duke e Anne. Andrey Tautou também estrelou este mês no Cinemótica, com Fabuloso Destino de Amélie Poulain. Em Melinda e Melinda, a atmosfera da obra ganhou 10, assim como ET, que obteve ótimas notas, perdendo posições somente por causa dos Efeitos, Coesão e mais alguns itens.

A Próxima lista foram os outros filmes vistos por mim que não tiveram tempo de ganhar crítica, mas fica valendo a nota.

Uma Noite no Museu 2 consegue ser infinitivamente melhor que o primeiro, mas não consegue mesmo assim, ser um bom filme de comédia. Apresenta sérios problemas de coesão e péssimas atuações. Grande Familia consegue transmitir todo o ar caseiro do seriado, construindo um filme agradavel para se ver. Para uma série que surgiu do nada e demorou anos para conseguir uma história, fez bonito no cinema. A Hora do Pesadelo é um filme extremamente ruim, confesso. No entanto, o filme apresenta uma temática ótima e criativa, o que o difere de muitos outros filmes.

Outubro se resume como um mês satisfatório e agradável , apresentando filmes históricos na vida de um Cinéfilo. Que venha novembro!

OBS:Festival Internacional de Brasília leia esse nome. No próximo mês, passarei vários dias falando dele e dos filmes que verei no Festival. Incentivo entrar no site e ler os filmes que estão dispostos! Aceito sugestões!

Abraços!

Por que me casei ?

2009-10-27T11:22:00.000-07:00

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Por que me casei? é uma obra recente e educadamente bem feita. O filme traz uma reflexão talvez exagerada dos relacionamentos modernos, levanta a temática entre homem e mulher, e tempera tudo ao sabor negro de se viver.

Sinteticamente, o filme narra a trama de um grupo de casais que se juntam para jantar harmonicamente durante uma noite de inverno. Durante esse evento, conhecemos as personalidades de todos os envolvidos e acompanhamos um jantar comum e tranquilo. Mas nem tudo que imaginamos é o que parece ser. No meio do jantar, uma briga verbal começa, e com ela, todos os segredos são levados a tona.

Pode-se dizer que os segredos revelados perfazem muito bem tudo aquilo que uma vida conjugal não gostaria de ouvir: traição, falta de amor, desapego, mentiras e tudo mais. Envolvidos por essa situação, os quatro casais entram em colapso e somos levados a ver um verdadeiro dossiê conjugal, onde as histórias devem ser reescritas, remodeladas e até, reinventadas.

Bem filmado, o filme traz a alma ( e a música!) soul da América com personagens negros vivendo o jeito americano de se viver. O elenco é bem estruturado, e atribui ao filme o ritmo que desejava. Dentre os atores, encontram-se Janet Jackson intepretando uma psicologa madura e Jill Scott interpretando uma mulher sem nenhuma estima e valor interno.

Por que me casei ? é um filme dramático com nuances cômicas, e se revela, além disso, um típico filme urbano, mostrando vidas normais sofrendo problemas pessoais. A atmosfera do filme é bem criada, e dá á trama o tom certo.

Um ponto curioso do filme é a sua mixagem interna de diferentes núcleos, que são os quatro casais, cada um sofrendo com seu dilema conjugal. Por causa desse leque de personagens, é possível fazer uma preferência e é possível, inclusive, criar uma torcida por algum casal favorito.

O filme, no entanto, é fraco. Apresenta coerência em seus acontecimentos, mas não traduz de forma concisa um filme reflexivo; Por que me casei ? está muito mais para uma sondagem urbana, sem aprofundamentos de análises. Nota-se muitos exageros nas situações, o que deixa o filme um pouco forçado. No entanto, a maturidade que a obra apresenta torna a sinopse em um filme delicioso de se ver, charmoso e inclusive, envolvente.

Os atores interpretam razoavelmente bem seu personagens ( com a excessão de algumas atrizes, que mostram o quanto são péssimas, lê-se Sharon Leal), a música aperfeiçoa a atmosfera de clima soul, as verdades reveladas no jantar são polêmicas ( e até exageradas, eu diria.) e a direção do filme produziu um bom arranjo de cenas. Com tudo isso, o filme já se torna cabível de ser assistido e realmente, não decepciona.

Por que me casei ? é um filme simples, de fácil acompanhamento, temperado pela viva alma negra. A obra é incrivelmente satisfatória e possui um feeling bem tímido, voltado principalmente para a personagem de Jill. Aconselho a vê-lo, já que é sempre bom presenciar um filme sem tantos fins comerciais como tem aparecido. Um filme clean e elegante, Por que me casei é um bom entretenimento, e só.

Abraços.

Melinda e Melinda

2009-10-22T18:37:00.000-07:00

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Melinda e Melinda é um filme, antes de qualquer coisa, reflexivo e charmoso. No entanto, a ferramenta que torna a obra em uma peça agradável é o tom de descontração que a história apresenta, contribuindo para que o filme seja intrigante, elegante, teatral e dinâmico.

A proposta de Woody Allen é graciosa: ele aborda as diretrizes que a vida pode seguir - comédia ou drama - e cria uma personagem - Melinda - para viver, simultaneamente, duas histórias, com os mesmo acontecimentos, com apenas uma diferença - em cada história, Melinda vive os fatos de forma cômica e na outra história, Melinda vive os mesmos fatos de forma dramática.

Apesar de tantos fatores positivos, o filme peca por ser maduro demais, estabelecendo, assim, uma relação distante com o telespectador, que não consegue se envolver profundamente com as duas histórias ao mesmo tempo.

O filme é genial, pela sua essência, já que apresenta uma forma divertida de discutir o modo com o que encaramos a vida.

A história começa com a introdução, em um barzinho, de dois diretores discutindo a forma como encaram e levam a vida: um, defende a vida como comédia, e outro, defende a vida como um drama. Nesse discurso, os diretores resolvem criar Melinda - uma personagem que viveria os mesmos acontecimentos, duas vezes: uma vez com tom de comédia e outra vez com tom de drama.

Logo, começamos a acompanhar a vida urbana de Melinda, simultaneamente: em alguns momentos vemos os momentos dramáticos de Melinda, e em outros, vemos os momentos cômicos de Melinda.

Ao decorrer da trama, as duas histórias seguem por caminhos distintos e chegam aos seus respectivos finais. Nessa temática, deparamo-nos com um filme original, e acabamos por desenvolver simpatia por alguma Melinda, em questão. O ambiente é o mesmo, e a personagem principal é a mesma, mas os coadjuvantes mudam de atrizes e atores de acordo com a trama, apresentando, mesmo assim, personagens parecidos.

Radha Mitchel, a atriz que interpreta Melinda, é naturalmente competente e bela no filme, mas, pessoalmente falando, ela não seria a atriz certa para interpretar a personagem principal da trama - talvez por questões emotivas, já que Melinda é uma mulher extremamente sensorial, e Radha não transmite essa percepção para as pessoas que assistem o filme.

Os personagens secundários da trama desempenham seus papéis profissionalmente, e atribuem à trama a maturidade que necessita. São vários personagens secundários, alguns vivem somente no mundo cômico de Melinda, e outros vivem somente no mundo dramático de Melinda. Há apenas uma personagem fixa nas duas tramas, que é uma amiga de Melinda. Mesmo com personagens diferentes, é possível achar o 'correspondente' dos personagens na vida cômica dentro da vida dramática e vice versa.

Quanto a estrutura da história de Woody Allen, é possível se dizer que a trama é bastante irreverente e que nos permite reflitir sobre como levar a vida. A parte mais interessante ainda, é que ao longo da trama, os diretores vão fazendo comentários acerca dos fatos e direcionam nossos pensamentos, impedindo assim, que o filme perca o foco.

A parte técnica do filme é madura e consistente. A fotografia do filme distingue muito bem a parte cômica de Melinda da sua parte dramática. A maquiagem é fenomenal, sabemos distinguir as histórias só de olhar para o lápis borrado nos olhos da dramática Melinda. O filme é eloquente e não criamos dores de cabeça por causa dessa mistura de histórias e personagens. O tom de conto urbano na história remete a Sex and the City, bem de levemente.

Como eu disse antes, o filme tem todos os elementos necessários para ser um ótimo filme, mas falha em um aspecto muito introspectivo: o feeling necessário para que a história ganhe vida e calor. Esta opinião pode ser muito pessoal, mas já constatei que algumas pessoas sentiram essa falta subjetiva no filme.

Atribuo essa carência do filme na atriz selecionada para ser Melinda, que apesar de ser muito talentosa, não é compatível com a personagem; e também atribuo essa carência na dificuldade de se aprofundar em alguma temática do filme - drama ou comédia - porque não há um estudo árduo das histórias, e sim uma sondagem, quase passageira, entre todos os fatos do trama.

Melinda e Melinda é uma ótima obra para se ver, porque denota originalidade e incentiva a curiosidade dentro de nós. O filme é bem feito, bem dirigido, bem produzido e muito mais. A obra permite várias avaliações, justamente por causa dessa liberdade que o tema apresenta. Wood Allen novamente nos impressiona com sua crítica mordaz ás coisas da vida, mas, essa obra, não é, definitivamente, uma das melhores obras de sua autoria. Mesmo assim, assista Melinda e Melinda e aproveite essa viagem psicológica irreverente e satisfatória.

Abraços.

O Milagre de Anne Sullivan

2009-10-20T10:46:00.000-07:00

O Fabuloso Destino de Amelie Poulain

2009-10-19T12:29:00.000-07:00

Bagdad Cafe

2009-10-17T18:16:00.000-07:00

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Bagdad Cafe é um filme pincelado por uma arte quase extinta nos dias de hoje. A arte minunciosa com que foi abordada, a destreza psicologica de suas reflexões e as impecáveis atuações de um dos melhores elencos estrangeiros da década de 80 tornam essa obra, em uma das obras mais belas e inesquecíveis na vida de um cinéfilo.

' O filme é um dos mais conhecidos cult movies da década de 80. Dirigido pelo cineasta alemão Percy Adlon, o filme trata da comovente história de uma turista alemã que, ao chegar numa hospedaria localizada num ponto isolado do deserto de Mojave, é mal recebida e até hostilizada pela proprietária do local, mas, com seu jeitinho tímido, vai aos poucos construindo uma relação de amizade pura com todos que moram e freqüentam o local. ' - Crítica

Primeiro, para se fazer Bagdad Cafe, era necessário escolher um lugar que decifrasse e expressasse a mensagem contida na obra. Um bar-hotel-posto, no meio de uma estrada desértica entre o Texas e a Disneylandia, no meio do deserto Mojave. Um cenário tão simples e alheio, que serviria de uma forma muito interessante para o desenrolar da trama.

Depois, Percy Adlon, diretor do filme, criou seus personagens. Os seus personagens se revelariam, mais a tarde, o epicêntro de sua narrativa. Deve-se frisar que Adlon ousou e não só criou personagens psicologicamente profundos, mas os colidiu entre si, de uma forma avassaladora.Bagdad Café, nos brinda logo com duas personagens femininas e marcantes. Duas mulheres que ficarão em nossa memória emotiva: Jasmim e Brenda.

Uma alemã. Ríspida, educada. Uma alemã que tinha por volta de seus quarenta anos, representando todo o aparente conservadorismo ariano. Jasmin, interpretada pela incomparável Marianne Sagebretch, é a alemã abandonada pelo marido no meio dessa rodovia desértica, no meio da manhã.Vinda de longe, com uma mala cheia de segredos, cansada de sua vida ao lado do agressivo e bruto marido, Jasmin está preparada para se reecontrar.

Uma americana. Negra, extressada. Impulsiva.Uma americana que tinha por volta de seus quarenta anos, representando toda a raça negra desiludida de qualquer esperança na vida do ano de 1987. Brenda, estrelada pela sensacional CCH Pounder é a negra, abandonada pelo marido, dona de um decadente bar de meio de estrada do fim do mundo, com dois filhos e um neto para cuidar.

De uma forma sutilmente brilhante, Adlon colidiu essas duas realidades tão opostas. Jasmin, abandonada, se hospeda no hotel de Brenda. De imediato, vemos o choque das duas realidades. E para ser mais original, Brenda representa um preconceito muito maior que Jasmin, que jamais tinha visto um negro na vida. Aos poucos, vemos a convivência entre duas diferentes etnias: Jasmin se entrega por amor á todos ali, se revelando uma grande mãe, com desejo de ficar no local e Brenda se revela uma pessoa ríspida, arisca áquela intrusa alemã.

De uma forma progressiva, vemos interpretações lindas serem feitas. Brenda, apesar de ser rigorosa e impulsiva demais, começa a se entregar por aquela mãe que Jasmin representava. Uma verdadeira analise sociologica, onde cada um dos personagens, aceita Jasmin em suas vidas, progressivamente, e muito, astutamente.

O filme, por si só, é extremamente simples e parado. Para aqueles não interessados no estudo científico da obra, o filme se revela um verdadeiro filme de tédio. Por isso, Bagdad Cafe deve ser visto com olhos de reflexão e análise, porque está recheado de metáforas e expressões sutis, que devem ser minunciosamente debatidas e acompanhadas. Uma das cenas que mostra esse estudo, é a cena onde Jasmin joga o boomerangue. Metaforicamente falando, acredito que essa cena significa a construção de uma relação de duas vias: tudo que Jasmin fazia de bom para aquelas pessoas, voltava de bom para ela. Outra metáfora menos sutil foi a cena onde a tatuadora decide sair do hotel, pelo simples motivo de que o ambiente estava harmônico demais.

O cenário vai se alterando paralelamente ao decorrer da trama e de sua orientação seguida. Aos poucos, vemos duas realidades opostas se unindo, transformando o velho e abandonado bar-hotel-posto, em um lugar mágico, cheio de esperança, carinho, amor e felicidade. Somado a tantos fatores positivos, Bagdad Cafe é ainda co-estrelado por um elenco coadjuvante extremamente bom, contando principalmente com Jack Palance.

As transformações que Jasmin faz no bar são tão extremas que chega fazer com que a popularidade do bar, que antes era de uma caminhão por noite, se tornasse, de no mínimo trinta e sete caminhões no local. A produtividade do local aumenta de acordo com o estritamento amoroso entre todos ali, provocado pela gentileza e carinho de Jasmin.Tudo ganha mais vida, os personagens encontram a si mesmo, e muito mais.

É incrível ver como tudo que está no filme tem uma razão peculiar por de trás.O deserto representa o vazio da vida das duas moças, a mágica que é feita no bar representa a esperança e a alegria reconquistada, tudo ali tem um duplo sentido. É magnífico.Um filme extremamente oculto em metáforas que são deliciosas de ser descobertas. Uma obra prima, de fato.Além disso, o filme foi bastante premiado, e merecidamente, pela sua trilha sonora, com a música Calling You.

Bagdad Cafe é um filme rasteiro, com abordagem socio-psicologica profunda e bela.Os ápices do filme são as atuações formidáveis dos dois ícones do cinema, Marianne e CCH (que eu considero a estrela do filme, em questão de interpretação) O olhar cruzado, os gestos tímidos, os gritos, as lágrimas, os abraços. Todos os elementos do filme consagram a obra como uma das mais gloriosas obras do cinema. Quem ainda não viu Bagdad Cafe, faça o favor de alugá-lo o mais urgentemente possível, porque esta obra é indispensável para uma verdadeira lista de filmes de um cinéfilo.

PS: Aguardem o próximo Desafio!

A Verdade Nua e Crua

2009-10-16T18:41:00.000-07:00

Um ensaio sobre o Terror Moderno 2

2009-10-13T18:44:00.000-07:00

No meu último post, foi possível ver um pequeno discurso sobre o terror moderno, no qual citei alguns novos subgêneros e sobre a super mega ultra tendência do remake times. Nesse post, darei continuação ao assunto falando sobre a maldita herança que o passado deu ao terror moderno, mostrarei alguns novos subgêneros, e por último farei um TOP 5, com os cinco melhores filmes de terror do novo milênio; na arte de evolução cinematográfica, provando que mesmo com uma série de tortuosos caminhos tomados, o terror soube demonstrar alguns momentos de crescimento e amadurecimento.

PS: Desculpa pela demora! Estive aproveitando o feriado, e por conta disso, deixei o blog um pouco no atraso, mas já estou de volta para atualizar.Quanto ao novo layout, é apenas momentâneo. O último layout sobrecarregou a página e foi preciso ser retirado.Além disso, informo que nesse post revelo o resultado do ultimo desafio Cinemótica. Bom, vamos ao assunto do dia.

Em primeiro lugar, preciso retomar alguns comentários deixados pelo comentaristas aqui do blog. Agradeço muito o elogio ao post.

A Herança Maldita

O passado inaugurou o célebre gênero, mas também confinou o terror á sofrer com certos trejeitos explorados no passado, que atualmente, destroem várias obras. Estou falando do conhecido clichê, que, apesar de ser um tema absurdamente debatido, não se pode ser esquecido ao se falar de terror moderno. A morte progressiva de amigos, a revolta entre personagens que não acreditam no óbvio para simplesmente implicarem, a maldita porta aberta, o truque sobrenatural incansável como o famoso tocar do telefone desconectado do plug e blábláblá ... Existem inúmeros detalhes criados nos filmes do século passado que, por terem obtido sucesso para a época, o terror moderno não cansa de exibir. É nesse ponto que o terror moderno se torna previsível, e sim, tosco. Isso fragiliza o terror, mas também, ajuda muito nos momentos efêmeros do gênero, afinal, sempre é bom ter um momento de puro baque de susto, quando nos assustamos por causa de um aumento do som ou um barulho do nada, clichê muito usado.

No ultimo post falei sobre certos gêneros novos do terror, mas ainda não completei a lista mais perceptível. Vamos dar continuidade então.

Terror Vampiro

Tá, eu sei que o gênero sobre vampiros foi inaugurada muito antes do novo milênio. O que me forçou a botar esse subgênero como nova tendência desse século é a dinamização e a ampliação do gênero para o terror moderno, desde caçadores de vampiras lésbicas, ao terror de vampiros da época feudal e inclusive, de vampiros do deserto. O gênero ganhou uma variabilidade de ofertas de sinopses que vem se consagrando como um dos temas mais filmados nesses ultimos anos. O subgênero é bastante rico e explora a criatura mais imaginária da história da raça humana: o vampiro.

Terror Caseiro

O subgênero é talvez o mais recente citado, e seu ínicio se deu ainda antes do ínicio desse milênio, com o cultuado Bruxa de Blair. O subgênero é super simples de ser entedido: não há técnica de filmagem profissional, tudo soa como um video amador, balançando a câmara contra o campo de visão e filmando na mesma velocidade que o personagem se movimenta. Para alguns, uma técnia inovadora, para outros, uma dor de cabeça. Exemplo desses filmes são Cloverfield e Rec.

Terror New Slasher

O subgênero é outro que se iniciou no passado, mas seu uso se tornou constante nos dias atuais. Deve-se enfatizar que o Terror Slasher se consagrou no passado, porque significa, filmes com assassinos quase sempre mascarados, que matam um grupo de jovens alheio, sedento por sexo.O New Slasher usa o mesmo espírito desses filmes, mas são mais modernos e quase sempre envolvem pessoas deformadas que se tornam assassinos. Exemplo desses filmes são Viagem Maldita, Floresta do Mal, Pânico na Floresta e muitos outros.Os filmes desse subgênero são aqueles terrores baseados em sustos que garantem grande diversão, confesso.

Acho que estes subgêneros aliados ao subgêneros citados no último post ilustram bem a caricatura do terror moderno. Depois dessas opiniões, registrei um TOP 5 com os cinco melhores filmes do terror moderno, para mostrar que apesar desse estandarço prejudicial ao terror de ultimamente, alguns filmes mostram que o gênero continua valendo a pena.

TOP 5 Filmes de Terror Moderno

Este TOP não representa necessariamente minha ordem de gosto, mas representa, de certo modo, o sucesso e a originalidade de alguns filmes, que mesmo usando certos artíficios do passado, deram sua contribuição para o amadurecimento do terror.Friso também que esses seis filmes não são, de fato, os seis melhores filmes do novo milênio, mas sim, os seis filmes que melhor explicitam o crescimento do terror alinhado não só com o desenvolvimento tecnológico, mas também como desenvolvimento humano.

5 - O Albergue

Apesar de ser contado de uma forma um pouco aquém do previsto, o filme esbarra num tema não explorado pelo terror antigo: a organização de homícidios pelo simples prazer e luxo. Se existe na vida real? Não sei. Mas o filme serviu como pioneiro no assunto e o tom de veracidade que possui coloca qualquer um com um frio na espinha. O primeiro filme supera o segundo, que já não transmite a sensação que o filme inicial passou.

4 - Abismo do Medo

Um filme aparentemente com nenhum fator exponencial, mas sua trama explicita a evolução do terror, atingindo um sentido humano quase não explorado pelo gênero: o tato. Um filme de terror , consegue transferir, quase raramente, a sensação tátil para suas cenas. Geralmente quem consegue esse feitio, são os filmes de ótima qualidade, como Abismo do Medo. A seriedade milimétrica explorada na trama, comprova que o terror moderno consegue evoluir com a modernidade.

3 - Os Estranhos

Atrás de uma sinopse muito simples, um terror fenomenal. Algo veridicto adaptado ás telonas, configura á trama, uma rede de mistérios, apimentando o filme. O filme mostra que as vezes, relatar uma terror real e palpável, pode provocar sensações de puro horror no ser humano. Os Estranhos é simplesmente impecável.

2 - O Orfanato

Um filme incrivelmente bem construído, dirigido por um mexicano, mostra que o gênero consegue absorver bem as idéias, e quando bem conduzido, consegue expressá-las. 'Contando com uma história interessante e original por trás de muitas seqüências assustadoras como por exemplo uma próxima do final em que uma simples brincadeira de criança torna-se infinitamente angustiante, "O Orfanato" é um sopro de novidade no sub-gênero de "casa assombrada", um gênero tão ultrapassado que precisava mesmo ser reinventado. E foram os espanhóis e o mexicano que conseguiram.' - Crítico Artur Castro.

1 - Jogos Mortais

Jogos Mortais é o clássico moderno do terror. Daqui quinze anos, jovens da nossa idade irão apontar Jogos Mortais como o melhor filme de suspense desse período e vão eleva-lo á um patamar, onde já se encontra Silêncio dos Inocentes, Malvada e outros.Engraçado. O maior filme de terror de nossa época explora o sentimento mais vergonhoso do ser humano: o prazer em ver o sofrimento e a dor alheia. Um filme que aborda explicitamente o modo como uma pessoa morre, e não se importa com o suspense de quem é a vítima. A vítima fica em segundo plano, oras. O que importa é a criatividade da morte. Estranho, não é? Para um mais puritano, soa profano. O filme já esta rumo a sua sétima continuação, e mesmo assim, atrai inúmeras pessoas ao cinema. Afinal,o que fazer? Cada época, com seus clássicos.

Desafio Cinemótica - Resultado

1 - Meu sobrinho, estou vendo em você, sinais de trivialidade - 30 pontos - Armadilhas do Coração

2 - Se você me desligar, eu te mato - 20 pontos - A Chamada

3 - Seu irlândes que canta o tempo todo! - 15 pontos - PS: Eu te amo

4 - Só sei que o nome dela começa com S - 20 pontos - A Lista

5 - Porque vocês estão fazendo isso conosco? - 13 pontos - Os Estranhos
Porque vocês estavam em casa.

6 - Todos nós já fomos filhos pródigos alguma vez. - 30 pontos - Cor Púrpura

7 - Garotos de seis anos não tem meninas na cabeça! - 15 pontos - Noivo Nervoso, Noiva Neurótica
Eu tinha.

8 - Eu tenho o poder de mudar drasticamente a vida dele, mas não sei se quero dar um presente que ele não merece. - 15 pontos - Sete Vidas

9 - Nós temos quase a mesma idade. Vamos nos encontrar na metade. - 10 pontos - O Curioso caso de Benjamin Button

10 - Sim, eu quero aprender a tocar violão. Sim, eu quero aprender coreano - 15 pontos - Sim, Senhor.

Ranking

Luís Adriano - 211

Dewonny - 197

Isabela Leila - 156

Alexandre Landucci - 140

João Donato - 108
Cristiano Contreiras - 104
Rodrigo Mendes - 104
Cleiton Silva - 69
Edu Lima - 60

Bom, quanto as crianças, eu ia dar o resultado, mas a Leila insistiu para eu segurar, então eu vou segurar! A próxima etapa é no próximo post, boa sorte.

Próximo post :Filmes Cults Vistos em Outubro

Filmes: Bagdad Cafe, Fabuloso Destino de Amelie Poulin entre outros.

Abraços!

Um ensaio sobre o Terror Moderno

2009-10-05T13:41:00.000-07:00

Fazer filmes de terror sempre foi uma tarefa díficil. O terror é, talvez, o gênero mais perceptível ao ser humano, o que torna essa área do cinema, uma área muito interessante, e consequentemente, uma área muito perigosa.

Como se faz um filme de terror? - perguntam os diretores, amadores e cinéfilos. Alguns usam fórmulas do passado que fizeram sucesso e tentam reproduzir nos dias atuais. Outros, tentam ser criativos, mas apelam para a mesma técnica já usada no passado. A força dessas tentativas são tão fortes que já se pode dizer que a tendência do ínicio do milênio é a produção em massa de remakes, ou então, de pseudoremakes.

Terror é uma arte para poucos, isso é fato. Nesse post vou criar um raciocíonio lógico para analisar o desenvolvimento do terror nesse começo do século XXI e criticar certas tendências que estão levando o terror para o fundo do poço.

Primeiramente, deve-se entender o que é a expressão terror moderno.O terror clássico foi o pioneiro de certos temas que até hoje assombram nossas mentes: alguns filmes seguiram o sobrenatural e criaram figuras clássicas como Jason, Freddy, Drácula, entre outros; outros prefeririam abordar o terror psicologico criando clássicos como Psicose, ou como A bruxa de Blair que foi lançado ainda no século passado; e outros focaram no terror policial como o assustador Silêncio dos Inocentes.

Após essa explosão de subgêneros do terror, ao entrarmos no século XXI, o terror sofreu a modernização necessária, já que o cinema começou a evoluir. O primeiro passo para essa modernização do terror foi a criação de mais subgêneros como: o terror game, o terror zumbitesco, o terror carnificina entre outros; e outra característica dessa modernização foi: a tendência a se regravar filmes do século passado, e a bestificação do terror. Além disso, o terror também sofreu, paradoxalmente, um amadurecimento, mesmo que esse processo, possa ser conferido raramente.

O Terror Zumbitesco

O terror recheado de zumbis tem forte nuances nos games da ultima geração, mas foi o seu sucesso nas telonas que consagrou o subgênero.Ninguém consegue se esquecer do sucesso que foi o filme Resident Evil. Resident Evil é um clássico jogo de games, mas a sua história ofereceu á franquia a oportunidade de se tornar um filme, e dito e feito: o filme, não chegando a ser pioneiro no tema [ não se pode esquecer do inesquecível A Noite dos Mortos Vivos ], renovou as pesperctivas do assunto e acolheu uma série de fãs loucos pela história de Umbrella, zumbis e tudo mais.

Depois disso, o subgenero caiu nas mãos dos oportunistas: chegou ás telonas o Madrugada dos Mortos. Um clássico da ridicularização do terror. Mas não é que funcionou? O filme não se trata de um verdadeiro filme de terror, mas as suas cenas assustadoras [ e hilárias ] consagraram o filme no gênero. Falando em filme de zumbis, não podemos deixar de citar o mestre: Romero. Além de literalmente estreiar o subgênero no passado, só encontrou nos dias atuais, a possibilidade de aperfeiçoar suas obras: Terra dos Mortos, Diário dos Mortos entre outros. Que venha Zumbieland!

O Terror Game

O gênero vem se aperfeiçoando com o tempo, mas já se pode dizer que os seus pais foram: Resident Evil e Silent Hill. O gênero realmente tornar o terror em um gênero mais assustador, mas também torna o gênero mais restrito, já que a maioria dos jogos de terror segue a mesma linha de raciocionio. Existem outros filmes como Stay Alive, Doom - A porta do inferno, e o recente Max Payne.

O Terror Carnificina

Alguns diretores, ao fazerem um filme de terror, devem simplesmente pensar que filme de terror é carne, sangue, carne, sangue, tripa, carne, sangue, tripa, tripa, carne, sangue, tripa. O gênero é realmente horrível de se ver e o subgênero mexe com nossos nervos. Alguns destes até apresentam uma história envolvente, mas seu enfoque é na pura carnificina da obra. É fácil de se encontrar esses filmes na locadora: Cadavéres, Autópsia, Dália Negra [ sem ser a versão policial ] entre outros.Se você tem estômago, boa sorte!

Remakes : Uma tendência do Século Novo.

Regravar filmes virou a marca do novo milênio. Alguns condenam a prática: acham que regravar um filme é além de imoral, uma prova definitiva da superprodução do terror, em outras palavras, do esgotamento criativo do gênero. Remakes vem para o bem e vem para o mal, isso é fato. Não se pode negar que certos filmes, regravados, ganharam mais brilhos e se tornaram filmes mais redondos. Porém, é impossivel também negar que certos remakes destruiram com o classicismo das obras regravadas.

Tomamos como exemplo Halloween - O ínicio. O filme é sem sombra de dúvidas, bem feito. Além disso, o filme não avacalha com a obra antiga. Mas mesmo assim, o filme simplesmente NÃO devia ter sido feito. Porque? - deve estar se perguntando. Simples: Certos mistérios não deveriam nunca serem esmiuçados ou revelados. A sagacidade da obra era o mistério acerca de Myers, desde sua infância, até seus momentos mais obscuros. Com o remake, somos introduzidos á um mundo oculto em nossos pensamento e por isso, a trama perde o brilho, ou no caso, a assombração.Ou vai dizer que o medo que tinhamos pela trama não era esse mistério sobre Michael Myers? Ora, o que Zombie fez foi justamente matar esse mistério dentro de nós. O filme, realmente, jamais deveria ter sido regravado.

Falemos então de O Massacre da Serra Elétrica, tanto o remake como o prequel. O filme tinha tudo para seguir a mesma falência que Halloween chegou, mas não foi o que aconteceu. O filme foi levado a sério também, mas existiram outros fatores que consagram este remake, como um dos melhores remakes já feito. O original tinha uma pitada extrema de carnificina e tinha uma pequena dose de terror psicologico. O remake inverteu a relação e conseguiu arredondar a trama.

Usando técnicas do terror moderno, como fades, zooms e jogo de câmaras, o filme se tornou mais denso, criando uma pespertiva menos avacalhada da trama. O filme mereceu seu sucesso e produziu o prequel, que significa, o ínicio de tudo. Criar o ínicio de um filme de terror é elucidar o cinéfilo dos mistérios que circundeiam a obra. Incrivelmente, a obra conseguiu contornar esse defeito, e criou uma sequência extremamente bem feita e conduziu a obra da melhor forma possível.
Como eu disse, certos remakes vem para o bem, como essas obras e entre outras, como Lolita de Adrian, Cabo do Medo, Quando um estranho chama e etc.

Também existe aqueles filmes remakes que não deveriam nem ser citados aqui, como Proom Night, Amytiville, O Dia em que a Terra parou, A Morte pede carona e etc. Estes filmes tentam reproduzir o que o passado uma vez reproduziu, mas apenas comprovam, que certos filmes são egoístas: o brilho dos originais não são e nunca serão reproduzidos.

Atualmente, vi o Sexta Feira 13, versão remake. O filme foi bem produzido, instalou bem os trejeitos do original, mas não sai disso. Valeria a pena reproduzir um filme que não excedesse as expectativas? Sexta Feira 13 é um filme clássico do passado e infelizmente, continuará sendo por causa do passado. O filme remake comprova que a arte de remakes não deve somente representar o que já foi representado, mas deve aperfeiçoar o que o passado não conseguiu fazer. Nessa mesma linha, vem aí A Hora do Pesadelo, versão também remake. Vi o teaser, e achei o filme bem construido, mas receio que ele ou cairá no mesmo caso que Sexta Feira, ou sofrerá o desencanto que Halloween sofreu.

É impossível falar de Remakes sem falar dos filmes japoneses que foram regravados. Talvez o primeiro que venham na sua cabeça seja O Chamado. O filme ganhou a sua versão americanizada e por consequencia, sofreu um sucesso americano. O filme realmente é muito bom, mas a propaganda feita em cima da obra coloca O Chamado numa situação desconfortavel, já que ele não é um filme típico americano. O terror japonês aliado ás tecnicas americanas tornaram essas obras em verdadeiros blockbusters.

Talvez essas regravações tenham vindo para o bem, já que somente assim tomamos conhecimento do bom terror japonês, mas daí, para avacalhar com a obra e criar inumeras sequencias lucrativas: isso é suícidio. Eu arriscaria dizer que para se ver um filme japonamericano é necessário diminuir um pouco a atenção para a técnica e valorizar a história. Os americanos tendem a meter seus dedos em obrar bem construidas como O Grito, Death Note entre outros. A dica é curtir o filme e tentar depois, ver a versão japonesa, que mesmo privada de técnicas ótimas, contém melhores explicações para suas tramas, ou ao menos, melhores informações.

Além disso, existem também os pseudo-remakes que utilizam as histórias já criadas para redirecionar a trama, e por vezes, criar histórias totalmente diferentes das obras 'plagiadas'. Exemplos dessa prática são: A Múmia, Vannila Sky, A Fantástica Fábrica de Chocolates [ que apesar de ter a mesma linha, muda totalmente os trejeitos da obra anterior. ], Casa da Colina [ que apesar da trama ter ganhado um up, perdeu ao querer modernizar o filme original ], A Vingança de Willard e etc.

A esperança é acreditar que alguma nova tendência irá ocupar a cabeça dos diretores e que eles entendam de uma vez que para se fazer um remake é necessário muito mais esforço do que se imagina. A Arte do Remake não é condenável, é apenas restrita. No entanto, o público aprova essa tendencia de regravações, porque a maioria não teve a oportunidade de ver os originais, e que por consequencia, valorizam a obra moderna. Está por vir Os Pássaros, Footloose, A Vida dos Outros e outra série de remakes nesses próximos anos.

Minha dica? Assita-os, e tentem lembrar que Hollywood está com inchaço de criação e que por causa da superprodução de filmes, poucos filmes são fadados a serem realmente bons. Resta-nos apenas torcer para que essa situação mude e esperarmos, ansiosamente, pelo fator surpresa.

Observação: Este post é dividido em duas partes, logo, no próximo post, irei falar de mais algumas tendencias do terror, de outros gêneros e de algumas provas do tímido amadurecimento do gênero terror.

Abraços! Sintonize no Desafio Cinemótica do último post!

ET - O extraterrestre

2009-10-04T10:08:00.000-07:00

ET - O Extraterrestre, mesmo tendo quase trinta anos, continua com o mesmo encanto. Talvez nem Spielberg soubesse o sucesso que faria com a pequena história de um ET e uma família típica americana. O filme foi ambientalizado para ser uma ótima comédia doméstica, mas ultrapassou esses limites. O carisma dos personagens, o carinho dado á trama, o inesquecível ET geraram a fórmula do sucesso e colocaram o filme entre os melhores de todo o século.

O filme é cativo em todos os seus aspectos e tem uma trama tão simples de ser acompanhada, que criamos uma simpatia pelo filme desde o primeiro momento e somos sintonizados a todas as emoções provenientes de cada cena do filme: desde o momento em que ET fica bêbado, do momento em que a jovem Drew fantasia o extraterrestre de mulher, e até mesmo nos piores momentos, quando o ET morre.

Não tem como se negar: ET tem tudo que um filme precisa ter para se tornar um clássico. Além de ser pioneiro no assunto, o filme é tão intimista, que ao decorrer da trama, ficamos cada vez mais próximo das personagens e nos envolvemos totalmente com os fatos.

Henry Thomas, o jovem Elliot, consegue consagrar seu personagem da melhor forma possível, o que é louvável, já que tinha um pouco mais de seis anos quando gravou o filme. Durante os testes para a escolha do protagonista de E.T, Henry Thomas imaginou que seu cachorro tinha morrido e utilizou esta idéia em sua audição para o papel, para transmitir o sentimento de tristeza. Steven Spielberg gostou tanto que terminou chorando durante a audição e o escolheu para protagonizar o filme.

Os outros personagens também deram sua grande contribuição á trama, tornando o filme mais redondo possível.

ET foi o primeiro filme a ultrapassar a marca de 700.000 milhões de dólares nos cinemas, e esse recorde, para um filme tão simples como ET, é a maior marca de sua perfeição.

Para os mais desavisados, o filme foi relançado, em 2002, com uma edição mais luxo, com acréscimos de cenas e remasterização. Nessa mesma época, Steven levou em consideração uma continuação do filme, com todo o elenco, retratando a história 20 anos depois do primeiro contato. Steven Spielberg estaria conversando, em segredo, com Drew Barrymore sobre uma possível sequência para o sucesso mundial "E.T.". De acordo com o National Enquirer, a garota predileta do extraterrestre mais amado do cinema seria o motivo para uma volta dele ao planeta. Com saudades da menina Gertie (personagem de Drew no filme), ele viria novamente à Terra para visitá-la, já adulta.

Ainda segundo o jornal, uma fonte declarou que Spielberg e Drew fazem questão de manter segredo sobre o filme. "Mas eles querem tocar este projeto e trabalhar juntos novamente. O diretor tem uma história brilhante na cabeça para trazer o E.T. de volta à Terra", completou.

Eu confiaria no trabalho de Steven. Seria emocionante ver uma continuação, mas haja perigo! Não sei o que pensar, apesar, de todo os comentários já não se fazerem mais presentes. Será que a idéia engavetou ou será que o segredo está mais secreto ainda?
ET encantou todos de uma geração, encanta outros da atual geração e com certeza, encantará outras e outras gerações.

Altamente indicado, já que não tem como se render a tamanha obra prima.

Desafio Cinemótica

Etapa 3

De quais filmes, essas falas são ?

1 - Meu sobrinho, estou vendo em você, sinais de trivialidade - 30 pontos

2 - Se você me desligar, eu te mato - 20 pontos

3 - Seu irlândes que canta o tempo todo! - 15 pontos

4 - Só sei que o nome dela começa com S - 20 pontos

5 - Porque vocês estão fazendo isso conosco? - 13 pontos

Porque vocês estavam em casa.

6 - Todos nós já fomos filhos pródigos alguma vez. - 30 pontos

7 - Garotos de seis anos não tem meninas na cabeça! - 15 pontos

Eu tinha.

8 - Eu tenho o poder de mudar drasticamente a vida dele, mas não sei se quero dar um presente que ele não merece. - 15 pontos

9 - Nós temos quase a mesma idade. Vamos nos encontrar na metade. - 10 pontos

10 - Sim, eu quero aprender a tocar violão. Sim, eu quero aprender coreano - 15 pontos

Respostas para o email - marcelo_2004s@hotmail.com, até quinta feira! Divulgarei na quinta os nomes das crianças, já que me pediram mais tempo!

Abraços.

TOP 20 Filmes de Sofrimento

2009-09-27T16:00:00.000-07:00

Durante essa semana, pensei em fazer um TOP 20. Eu, particularmente, adoro fazer esses Top's, mas que eles dão trabalho, não se pode negar! Não gosto de fazer TOPs sem um pequeno conhecimento no tema. Dessa vez, optei por um tema muito vasto nos cinemas, e que por isso, podem haver inúmeras divergências! Os Suffering's movies são filmes que narram, independente da ótica, alguma história sobre pessoas que estão lidando com o sofrimento da doença, podendo estar, a beira da morte.

Eu gosto muito desses filmes, porque dão uma linhagem de identidade com o trama muito fiel, ou seja, são filmes que se tornam mais acessíveis ás nossas emoções. Algumas pessoas, detestam ver esses gêneros, mas eu acho muito proveitoso, porque vemos o que é ser doente, de fato.

Pensando nisso, resolvi criar o TOP 20 : Suffering's Movies. Essa expressão, fui eu que criei, e será muito bem vindo a notificação se a concordância com o inglês está errada!
Sem mais lero-lero, vamos ao TOP.

20 - O Amor pode dar certo

Doença: Câncer

Sinopse: Quando Henry Griffin (Dermot Mulroney) descobre que está com câncer terminal, ele decide viver sua vida ao máximo. Ao assistir uma aula de psicologia na Universidade de Nova York ele conhece Sarah Phoenix (Amanda Peet), com quem logo se envolve. Porém Phoenix também está morrendo, o que faz com que ambos percebam que o relacionamento que possuem é a última chance que têm para descobrir o amor.

19 - Rain Man

Doença: Autismo
Sinopse: Conta a história de Charlie Babbitt, um jovem que viaja a um hospital psiquiátrico para tentar descobrir quem é o beneficiário da fortuna que seu pai deixara ao falecer, já que para Charlie ele deixara apenas rosas premiadas e um carro. Ao chegar ao hospital, Charlie descobre que o beneficiário é Raymond, um irmão mais velho autista de quem nunca ouvira falar. Para garantir o dinheiro da herança, Charles se aproxima de Raymond, disposto a brigar judicialmente pela guarda legal do irmão. Os dois então viajam pelo país, conhecendo-se e aprendendo a conviver, e passando por inúmeras dificuldades.

18 - Outono em Nova York

Doença: Tumor
Sinopse: Will Keane (Richard Gere) é um playboy cinquentão que tem como promessa nunca ter um compromisso sério com uma mulher. Quando ele conhece Charlotte Fielding (Winona Ryder), uma jovem que tem a metade da sua idade, imagina que terá com ela outro rápido e fácil romance. Mas nada no relacionamento de ambos é fácil ou rápido. Apesar da diferença de idade, eles terminam se apaixonando perdidamente e fazendo com que Will resolva abandonar sua decisão de nunca assumir um compromisso amoroso. Mas Charlotte tem um sério motivo para recusar a proposta de ter uma relação com Will que dure para sempre: ela está morrendo.

17 - Lado a Lado

Doença: Câncer
Sinopse: Jackie e Luke Harrison são um casal divorciado que luta para manter seus filhos Anna e Ben, de respectivamente 12 e 7 anos, felizes com a repentina mudança de vida. Luke está namorando e vivendo com uma fotógrafa bem-sucedida, Isabel Kelly, que faz todo o possível para Anna e Ben ficarem felizes, mas as crianças, especialmente Anna, são rudes e sombrias com ela. No entanto, quando as coisas não podiam mais piorar, Jackie é diagnosticada com câncer e informada que pode provavelmente morrer por causa da doença. Essas notícias chocantes provocam mágoas e arrependimentos, e ensinam a todos lições sobre amor, família e força.

16 - O paciente inglês

Doença: Queimaduras
Sinopse: Durante a Segunda Guerra Mundial, uma enfermeira cuida de um homem vitimado por terríveis queimaduras. Em seu leito de morte, ele relembra seu passado e um tórrido romance que teve com uma mulher casada. Dirigido por Anthony Minghella (O talentoso Ripley) e com Ralph Fiennes, Kristin Scott Thomas, Juliette Binoche e Willem Dafoe no elenco. Vencedor de 9 Oscars.

15 - Uma Mente Brilhante

Doença: Esquizofrenia
Sinopse: O diretor Ron Howard (O Preço de um Resgate) leva às telas a história de John Nash, homem considerado esquizofrênico pelos médicos mas que chegou a ganhar um Prêmio Nobel graças à sua genialidade. Com Russell Crowe, Ed Harris, Jennifer Connelly e Christopher Plummer. Vencedor de 4 Oscars.

14 - Pela vida de meu filho

Doença: Epilepsia
Sinopse: Lori Reimuller (Meryl Streep) tem uma vida muito feliz ao lado de seu marido e seus três filhos: Mark, Lanne e Robbie. Entretanto, sua vida é dramaticamente mudada quando seu filho mais novo é diagnosticado com uma doença muito grave: epilepsia. As crises em Robbie são cada vez mais severas e Lori acredita que ele jamais poderá desfrutar de uma vida normal. A vida da família quase desmorona com a doença e os problemas financeiros decorrentes. Os tratamentos são muito caros e a resposta de Robbie a eles é muito negativa, tendo muitas crises, sentindo-se cansado, com muito medo e uma assustadora movimentação. Preocupada se Robbie sobreviveria a mais convulsões, Lori decide buscar, por si só, qualquer forma de tratamento que faça seu filho voltar a ser saudável.

13 - Tempo de Despertar

Doença: Catatonismo
Sinopse: Bronx, 1969. Malcolm Sayer (Robin Williams) é um neurologista que conseguiu emprego em um hospital psiquiátrico. Lá ele encontra vários pacientes que aparentemente estão catatônicos, mas Sayer sente que eles estão só "adormecidos" e que se forem medicados da maneira certa poderão ser despertados. 7 - Meu Pé Esquerdo

12 - Melhor é impossível

Doença: Transtorno Obsessivo
Sinopse: Um escritor sarcástico e mal-humorado que não mede esforços para humilhar todos que cruzam seu caminho vê sua vida se transformar quando passa a conviver com seu vizinho gay e uma simpática garçonete. Dirigido por James L. Brooks (Laços de ternura) e com Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear e Cuba Gooding Jr. no elenco. Vencedor de 2 Oscars.

11 - Antes de Partir

Doença: Câncer
Sinopse: Edward Cole (Jack Nicholson) e Carter Chambers (Morgan Freeman) são dois homens com câncer em estágio terminal, que fogem do hospital e põem os pés na estrada com uma lista de coisas que gostariam de fazer antes de morrer.

10 - Hilary e Jackie

Doença: EscleroseSinopse:Narra a tocante história da violoncelista internacional Jacqueline Du Pré, uma das maiores intérpretes de música clássica de todos os tempos, que teve sua vida, abreviada aos 42 anos por uma esclerose múltipla, enfatizando a sua simbiótica relação com a irmã Hilary, uma flautista apenas razoável.

9 - Um golpe do destino

Doença: Câncer de Garganta
Sinopse: Jack McKee (William Hurt) é um médico completo: bem sucedido, rico e sem problemas na vida. Até receber o diagnóstico de que está com câncer de garganta. Agora ele passa ver a medicina, os hospitais e os médicos sob a perspectiva do paciente.

8 - O menino da bolha de plástico

Doença: Baixa Imunidade
Sinopse: A adolescência já não é facil para um jovem comum, imagine para Tod Lubitch que nasceu com uma deficiência rara no sistema imunológico e foi "condenado" a passar o resto de sua vida dentro de uma bolha de plástico onde poderia ter um sistema esterilizado e viveria a salvo de bactérias e vírus que para pessoas normais não representam risco, mas para ele, poderia levá-lo à morte. Um filme emocionante que marcou época, baseado em uma história real e que traz a interpretação brilhante do então novato John Travolta e um elenco de apoio que inclui a ganhadora do Emmy por este filme, Diana Hyland e dirigido com sensibilidade e emoção por Randal Kleiser.

7 - Filadélfia

Doença: AIDS
Sinopse: Promissor advogado (Tom Hanks) que trabalha para tradicional escritório da Filadélfia é despedido quando descobrem ser ele portador do vírus da AIDS. Ele contrata os serviços de um advogado negro (Denzel Washington), para processar a firma de advocacia por discriminação. O advogado contratado é forçado a encarar seus próprios medos e preconceitos, mas aos poucos surge uma improvável, mas crescente amizade, e juntos eles superam com coragem o preconceito e a corrupção de seus poderosos adversários.
6 - Escafandro e a Borboleta

Doença: Paralisia
Sinopse: O editor da revista Elle tem um derrame cerebral, que faz com que o único movimento que tenha em seu corpo seja o do olho esquerdo. Dirigido por Julian Schnabel (Antes do Anoitecer) e com Max von Sydow no elenco. Recebeu 4 indicações ao Oscar.

5 - Dançando no Escuro

Doença: Cegueira
Sinopse: Conta a história de uma jovem operária que se vê em dificuldades devido à sua frágil saúde e precisa juntar dinheiro para pagar a operação de seu filho. Recebeu indicação ao oscar.
4 - Meu Pé esquerdo

Doença: Paralisia Cerebral
Sinopse: Christy Brown (Daniel Day-Lewis), o filho de uma humilde família irlandesa, nasce com uma paralisia cerebral que lhe tira todos os movimentos do corpo, com a exceção do pé esquerdo. Com apenas este movimento Christy consegue, no decorrer de sua vida, se tornar escritor e pintor.:
3 - Óleo de Lorenzo

Doença: Adrenoleucodistrofia
Sinopse: Em 1984, um médico diagnostifica em um garoto uma doença rara , dando-lhe no máximo mais 2 anos de vida. Inconformados com esta situação, seus pais passam então a pesquisar sobre a doença, a fim de encontrar algo que possa ajudar o filho. Dirigido por George Miller (Mad Max) e com Nick Nolte, Susan Sarandon e Peter Ustinov no elenco. Recebeu 2 indicações ao Oscar.
2 - O Homem Elefante

Doença: Deformidade
Sinopse:John Merrick (John Hurt) é um inglês que vive recluso em um circo por ter uma doença que desfigurou seu rosto. Ele é descoberto por um médico (Anthony Hopkins), que deseja integrá-lo à sociedade não como um "esquisito", mas como alguém normal e culto. O problema é que as pessoas não estão prontas para isso, e John terá que sofrer muito para ser tratado como ser humano.

1 - O milagre de Anne Sullivan

Doença: Cegueira, Surdez e Mudez
Sinopse: A incansável tarefa de Anne Sullivan (Anne Bancroft), uma professora, ao tentar fazer com que Helen Keller (Patty Duke), uma garota cega, surda e muda, se adapte e entenda (pelo menos em parte) as coisas que a cercam. Para isto entra em confronto com os pais da menina, que sempre sentiram pena da filha e a mimaram, sem nunca terem lhe ensinado algo nem lhe tratado como qualquer criança.
Trailer: Clica no link.

Então é isso, espero que as dicas tenham valido a pena! Gostaria de frisar que o vencedor, O Milagre de Anne Sullivan é um filme extremamente tocante e envolvente e é extremamente recomendado.

Agora vamos ao resultado da segunda etapa!

Segunda Etapa
De quais filmes, essas falas são?

Resultado

1 Slot quer chocolate! [ 6 pontos ] - The Goonies

2 Está tentando me levar a imprudência ? [ 13 pontos ] - Vanity Fair

3 Talvez um urso pardo com insônia. [ 15 pontos ] - Quem é vivo sempre aparece

4 Eu não podia ter sabido pelas placas de identificação [ 10 pontos ] - Camisa de Força
5 Minha esposa e eu estamos vindo de uma premiação. [ 7 pontos ] - Crash - No Limite
- Tire as mãos dele!
6 Serão bilhoes de litros de água fervente no leito do oceano [ 8 pontos ] - Armageddon

7 You make me wanna be a better man [ 8 pontos ] - Melhor Impossível

8 He ran to my knife ten times [ 7 pontos ] - Chicago

9 As aulas entorpecerão sua mente. Elas destroem o potencial para a autentica criatividade [ 11 pontos ] - Uma Mente Brilhante

10 Se tomar a pílula azul a história acaba, e você acordará na sua cama

acreditando no que quiser acreditar. Se toma
r a pílula vermelha ficará no País das Maravilhas e eu te mostrarei até onde vai a toca do coelho. [ 8 pontos ] - Matrix

Ranking

Luís Adriano - 151
Dewonny - 144
Alexandre Landucci - 140
Isabela Leila - 108
Cristiano Contreiras - 104
Rodrigo Mendes - 104
João Donato - 77
Cleiton Silva - 69
Edu Lima - 31

Lembrando: Estamos em rumo a terceira etapa da primeira fase! Ainda tem tempo de qualquer um participar! Amanhã, postarei as novas 10 frases, que estão um pouco mais difíceis!Aliás, estou dando um dia extra para o Desafio das Crianças. Até agora, ninguém
o acertou por completo, então mãos ás obras!

Abraços!

Black Out - Prisioneiros do Medo

2009-09-21T14:05:00.000-07:00

Leia Mais

Estava em casa, nesse sábado, com meus amigos, quando de repente, nos deu uma enorme vontade de vermos um filmaço de terror. Sugeri alguns filmes que haviam aqui em casa, como o Iluminado entre outros, mas eles insistiram em ver um filme mais moderno. Foi quando fomos á casa de um amigo nosso, cheio de DVDs em casa.

Passamos horas escolhendo o bendito filme, quando eu resolvi dar a cartada final: escolhi um filme caustrófobico, chamado de Black Out - Prisioneiros do Medo. Para ser sincero, eu apenas o escolhi pela sinopse e pela minha exaustão. Voltamos para casa e fomos assistir o filme.

Sinopse: Claudia é uma jovem com pressa em retornar ao leito de um hospital onde sua avó está a beira da morte. Tommy um jovem punk a caminho para resgatar a namorada dos abusos do pai bêbado e fugirem. Karl é um marido e pai com culpa por segredos que devem ser apagados de seu apartamento antes de sua esposa e filha chegarem. Todos os três, neste momento, têm uma necessidade urgente de chegar a algum lugar. Mas todos acabam presos dentro de um elevador em um prédio com poucos habitantes, e para piorar é feriado prolongado e a cidade está deserta.

Trailer : Clique para assisti-lo.

Black Out me cheirava um daqueles filmes horríveis com uma abordagem pessima e trash. Não conhecia muitos os atores do filme, e então, comecei a ver o filme com nariz torto.

De ínicio, vemos a história desses três personagens minutos antes de acabarem no elevador. Os três estão com pressas e não podem perder um minuto: Claudia, porque sua vó está entre a morte e a vida, Tommy, porque precisa fugir com sua namorada do pai bêbado e Karl por precisar apagar alguns segredos no seu apartamento, antes que sua filha chegue do feriado.

Eu não costumo ser enganado em filmes de terror, eu sempre 'pesco' a trama muito rápido. Mas nesse filme, mesmo atento, eu não consegui visualisar os segredos da trama, e por isso, eu me surpreendi com a obra.

Ao entrarem no elevador, ele simplesmente para de funcionar, preendendo eles entre um andar e outro, de um prédio com mais de dez andares. Inicia-se aí um trama psicologico rasteiro, que começa a tomar forma progressivamente. Os três começam a se desesperar e começam a se atritar dentro do elevador.

O mais interessante, no entanto, é a surpresa que nos deparamos com o meio do filme: de uma forma imprevisivel, através de flashbacks, descobrimos que um dos três é um serial killer em potencial. E que a situação dele esta se complicando e sua psicose está aos poucos o dominando. Nesse exato momento, começamos a nos sentir agoniados pelas personagens no filme. Além de tudo isso, um deles acaba torcendo a perna e a outra acaba tornando-se dependente de sua asma.

Black Out é um filme tímido, com uma falha de técnica na filmagem, com efeitos um pouco aquém do esperado, mas mesmo assim, a roteiro salva o filme e prende o telespectador vivo defronte a televisão.

O filme é um terror psicologico movido pela sua trama e envolve o telespectador do ínicio ao fim. Uma situação caustrófobica, com segredos sendo revelados, além do tom de suspense que o filme transborda, Black Out é uma ótima pedida para uma noite com amigos, sedentos por terror.

Muito indicado.

Vamos agora ao resultado do último desafio e a liberação do Desafio Etapa 2!

1 - What you do in life echoes in eternity [ 10 pontos ] : Gladiador
2 - Keep your friends close, but your enemies closer [ 8 pontos ] = Segundas Intenções ou O Poderoso Chefão

3 - Snakes! Why did it have to be snakes? [ 9 pontos ] : Indiana Jones

4 - I love the smell of napalm in the morning [ 12 pontos ] : Apocalipse Now

5 - Yippie-ki-yay, motherfucker [ 15 pontos ] : Duro de Matar 3
6 - The greatest thing you'll ever learn is just to love and be loved in return [ 11 pontos ] : Moulin Rouge

7 - We`ll always have Paris [ 8 pontos ] : CasaBlanca

8 - I feel the need — the need for speed [ 10 pontos ] : Top Gun

9 - My mama always said: life is like a box of chocolates. [ 12 pontos ] : Forrest Gump

10 - Carpe diem. Seize the day, boys. Make your lives extraordinary. [ 9 pontos ] : Sociedade dos Poetas Mortos

Dewonny - 104
Luís Adriano - 104
Cristiano Contreiras - 104
Alexandre Landucci - 93
Isabela Leila - 86
João Donatto - 77
Cleiton Silva - 69

Lembrando que ainda estamos na fase de pré eliminares, portanto, se você ainda não participou, ainda tem tempo de participar! Mande suas respostas apenas para essa etapa 2. Quem já fez a etapa 1, pode, também, fazer a parte 2! Agora, as coisas vão ficando um pouco mais díficil.

Respostas para o email: marcelo_2004s@hotmail.com
Prazo: Até 7 dias

Primeiramente, gostaria de mostrar como funciona o Desafio Cinemótica : São 6 etapas pré-eliminares de falas, onde os 5 mais pontuados, passarão para o segundo nível, e lá, outros desafios serão propostos.

Os 3 mais pontuados desse segundo nível passam para a final, com 4 etapas, na presença de outros desafios!

Boa Sorte!

Segunda Etapa
De quais filmes, essas falas são?

1 - Slot quer chocolate! [ 6 pontos ]

2 - Está tentando me levar a imprudência ? [ 13 pontos ]

3 -Talvez um urso pardo com insônia. [ 15 pontos ]

4 - Eu não podia ter sabido pelas placas de identificação [ 10 pontos ]

5 - Minha esposa e eu estamos vindo de uma premiação. [ 7 pontos ]
- Tire as mãos dele!

6 - Serão bilhoes de litros de água fervente no leito do oceano [ 8 pontos ]

7 - You make me wanna be a better man [ 8 pontos ]

8 - He ran to my knife ten times [ 7 pontos ]

9 - As aulas entorpecerão sua mente. Elas destroem o potencial para a autentica criatividade [ 11 pontos ]

10 - Se tomar a pílula azul a história acaba, e você acordará na sua cama

acreditando no que quiser acreditar. Se tomar a pílula vermelha ficará no País das Maravilhas e eu te mostrarei até onde vai a toca do coelho. [ 8 pontos ]

Desafio Extra

Quem acertar primeiro os nomes de cada uma das quatro crianças [ personagens ] abaixos e seus respectivos filmes, ganha 40 pontos.

Abraços!

10 Possíveis Estréias e um Selo.

2009-09-17T13:14:00.000-07:00

Hm, vamos para algumas notícias de estréias ;P.

Tem algumas novidades que me agradaram muito, como Olhos Famintos 3, mas teve outras, que me desanimaram muito, como o desnecessário Hancock 2.
Fonte das notícias: Cinema em Cena.

REC 2

[Rec] 2 foi exibido pela primeira vez ontem, no Festival de Toronto, e, segundo o site Horror Movies, a recepção foi tão boa que a Sony decidiu adquirir os direitos do longa e lança-lo diretamente em DVD.

Após a compra, tudo indica que o filme também chegue no Brasil direto nas locadoras.
A história da sequência ainda não foi revelada.

Resident Evil 4: Afterlife

Os fãs do primeiro longa da série Resident Evil ficarão contentes, já que Paul W. S. Anderson estará de volta no comando da franquia. De acordo com o site Production Weekly, o cineasta foi contratado para comandar o quarto filme e também será responsável pelo roteiro.

Parece que os fãs de Residente Evil vão poder conferir o próximo longa da franquia um pouco antes do esperado. Segundo o site ComingSoon, a Sony adiantou a data de estreia original do thriller, que seria em 27 de outubro de 2010, para 27 de agosto de 2010.

Piratas do Caribe 4

O sub-título do quarto longa da franquia de Piratas do Caribe foi revelado hoje na exposição D23, que a Disney faz para os fãs de seus filmes.

Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides, este foi o título escolhido para a continuação, que contará apenas com Jonnhy Depp do elenco original.

As filmagens terão início em abril ou maio do ano que vem. Já a estreia está prevista para o verão norte-americano de 2011. Segundo o estúdio, a ideia é que o quarto filme seja o primeiro de uma nova trilogia. A Disney ainda decidiu que todos os longas da nova franquia serão filmados separadamente. Sobre quem ficará no comando do longa nada foi revelado.

É importante lembrar que Gore Verbinski recentemente se distanciou de Bioshock, longa que ele havia trocado pelo quarto Piratas do Caribe na hora de escolher o seu próximo trabalho.

Olhos Famintos 3

A MGM está desenvolvendo uma nova continuação para o terror Olhos Famintos. Segundo o site ShockTillYouDrop.com, o diretor Victor Salva está escalado para comandar a seqüência. Ele comandou os outros dois filmes, lançados em 2001 e 2003. Os longas anteriores são centrados em uma criatura devoradora de pessoas.

Ainda de acordo com a fonte, o diretor tem planos de transformar Olhos Famintos em uma série de TV. Não foi informado se o longa entrará em cartaz nos cinemas ou se será lançado direto em DVD. O primeiro arrecadou US$ 13 milhões no final de semana de estréia nos Estados Unidos, enquanto o segundo acumulou US$ 15 milhões. Juntos, os dois conseguiram cerca de US$ 100 milhões, sem contar a venda de DVDs.

O diretor Victor Salva, responsável pelo comando de Olhos Famintos I e sua continuação, revelou detalhes sobre o terceiro longa da franquia em entrevista ao site Fangoria. De acordo com Salva, o filme será centrado em Trish Jenner, personagem vivida por Gina Philips no original, que, 23 anos após os eventos do primeiro filme, tem um filho adolescente chamado Darry, em homenagem ao seu irmão morto.

O problema é que a protagonista começa a ter estranhos sonhos envolvendo a criatura responsável pela morte do seu irmão. Agora uma mulher rica e poderosa, Trish decide acabar com a criatura para sempre. O diretor também comentou que o filme terá início com uma cena do monstro no Velho-Oeste O longa terá como título Jeepers Creepers III: Cathedral e a fase de pré-produção deve começar em breve. A pré-produção do terceiro Olhos Famintos deve começar em breve.

Foi explicado o porquê da produção de Olhos Famintos 3 demorar tanto para ter início. De acordo com o diretor do longa, Victor Salva, o terror está com problemas para conseguir financiamento. Mesmo que os dois primeiros filmes tenham passado a barreira dos US$ 120 milhões em bilheteria mundial, o cineasta está batalhando para que consiga filmar a terceira parte da história.

Salva ainda revelou ao site Dread Central que, finalmente, está conseguindo um financiamento para o filme, algo que vem tentando há um tempo. Não se sabe muito sobre a trama; apenas foi revelado que Jonathan Breck e Gina Phillips estarão de volta.

Hancock 2

A continuação de Hancock voltou a ser comentada. Dessa vez, o diretor Peter Berg, responsável pelo original, resolveu falar para o site SCI FI Wire sobre a possível sequência. De acordo com o cineasta, o novo longa poderá ser baseado na mitologia do personagem. "Talvez um novo e bom seja feito", disse o diretor animado com a ideia.

Sobre a história do novo filme, Berg falou: "Se dois deuses (personagens de Will Smith e Charlize Theron) se tornarem mortais, imagine o que um terceiro elemento poderia fazer" na história. Hancock arrecadou mais US$ 620 milhões no mundo todo, o que deixa bem claro que a história não será deixada de lado tão cedo.

Jason Bateman confirmou o seu retorno à continuação de Hancock ao site da MTV. "Sim, não foi uma decisão difícil. Eu acho interessante que tenha acontecido", disse o ator.

Na última terça-feira, dois roteiristas foram contratados para a sequência (leia a nota anterior). Detalhes sobre a trama ainda não foram revelados.

Fora das telonas brasileiras desde Hancock, lançado no ano passado, a vencedora do Oscar Charlize Theron está confirmada no elenco da continuação de Hancock.

O Chamado 3

A DreamWorks Pictures já está cuidando da segunda continuação de O Chamado, longa lançado em 2002, com Naomi Watts à frente do elenco. Desta vez, no entanto, a atriz não deve voltar, como fez em O Chamado 2.

Apesar de um roteirista ou diretor não terem sido contratados, o produtor Walter Parkes garante à Variety que o projeto está em andamento. E a escala, agora, deve ser menor, contando com um orçamento mais baixo. Ambos os filmes custaram em torno de US$ 60 milhões.

O Chamado 3, terceiro longa da franquia, deverá ser realizado em 3-D, informou o site Bloody-Disgusting. Mais detalhes não foram revelados.

Halloween 3D

Bob Weinstein negocia com o diretor Patrick Lussier (Dia dos Namorados Macabro 3-D) a direção e o roteiro de Halloween 3-D, do qual Rob Zombie não fará parte, informou a Variety.

Segundo a fonte, o plano é que o longa chegue aos cinemas durante o verão norte-americano de 2010, ou seja, no meio do ano que vem. A sinopse ainda não foi revelada. Ao que tudo indica, a notícia que Steve Miner seria o diretor do terror não passa de um boato.

Resident Evil 5: Begins

De acordo com o site Bloody Disgusting, a Screen Gems já está ansiosa para o quinto longa da franquia Resident Evil, sendo que o quarto ainda nem estreiou. De acordo com a fonte, o retorno de Milla Jovovich será difícil, já que o cachê da atriz ficou cada vez mais alto durante os últimos anos.

Sobre a história, a ideia seria contar o que aconteceu antes do primeiro filme, um reinício. Se os planos realmente derem certo, a trama irá seguir uma unidade militar que irá lutar contra cientistas que se tornaram zumbis e um poderoso e fora de controle super computador. O título escolhido para o quinto filme foi Resident Evil Begins.

30 Dias de Noite 2

Steve Niles, criador da graphic novel que deu origem ao longa 30 Dias de Noite, disse ao site da MTV que o roteiro da continuação já está pronto. Segundo ele, o script foi baseado em Dark Days, sequência da revista em quadrinhos original. Niles disse, entretanto, que o destino mais provável da continuação é ser lançada diretamente para DVD, pois não conseguiu atingir a marca de US$ 100 milhões na bilheteria.

Ele revelou que depois de ter uma conversa com Sam Raimi, diretor da série Homem-Aranha e produtor do primeiro 30 Dias de Noite, ele está satisfeito com o futuro do longa no "cinema a domicílio". "Ele (Sam Raimi) me chamou e disse: `não seja tão rápido para julgar o mercado de DVDs, especialmente o de filmes de ficção-científica´.

Dessa forma poderemos desenvolver todos os quadrinhos. Não teremos que lidar com a competição feroz das bilheterias de cinema e, teoricamente, poderemos desenvolver novas séries e contos", disse Niles. Para exemplificar como o lançamento direto para DVD pode ser um bom negócio, ele citou a Ghost House Pictures, companhia do próprio Raimi que se especializou em desenvolver sequências para serem vistas em casa e não no cinema, como as de O Pesadelo e Os Mensageiros.

Abaixo está a sinopse de Dark Days, obra na qual a continuação irá se basear. Se não quiser saber mais detalhes sobre o primeiro filme, pare de ler agora.

No comic book, a personagem Stella Olemaun (interpretada no primeiro filme por Melissa George) vai para Los Angeles depois de sobreviver ao ataque de vampiros no Alasca. Ela, intencionalmente, atrai a atenção da população de vampiros do local para vingar a morte de seu marido, Eben, durante os acontecimentos do longa original.

Quarteto Fantástico 3

De acordo com o site IESB, a revista em quadrinhos Quarteto Fantástico estaria sendo desenvolvida novamente para os cinemas. A 20th Century Fox estaria produzindo uma versão totalmente nova dos heróis, sem nenhum relação com os filmes de 2005 e 2007 dirigidos por Tim Story. A nova versão seguiria um estilo parecido com o de Homem de Ferro, que foi um sucesso de crítica e público.

Ainda segundo a fonte, o diretor Tim Story não teria nenhum envolvimento com a produção e seriam escalados novos atores para os personagens principais, que são a Mulher Invisível, Coisa, Tocha Humana, Sr. Fantástico e Dr. Destino.

Os longas dirigidos por Tim Story, Quarteto Fantástico e Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado, foram estrelados por Jessica Alba, Michael Chicklis, Ion Gruffud, Chris Evans, Julian McNahon. As produções não receberam boas críticas e não chegaram a ser um estouro de bilheteria nos Estados Unidos. O segundo filme da franquia, por exemplo, custou US$ 130 milhões e arrecadou nos cinemas norte-americanos US$ 132 milhões. Porém, com a bilheteria mundial, chegou a marca de US$ 288 milhões.

Estou transferindo o Desafio Cinemótica para este post, continuem mandando suas respostas, em breve vou divulgá-las.

De quais filmes, essas falas são?

1 - What you do in life echoes in eternity [ 10 pontos ]
2 - Keep your friends close, but your enemies closer [ 8 pontos ]
3 - Snakes! Why did it have to be snakes? [ 9 pontos ]
4 - I love the smell of napalm in the morning [ 12 pontos ]
5 - Yippie-ki-yay, motherfucker [ 15 pontos ]
6 - The greatest thing you'll ever learn is just to love and be loved in return [ 11 pontos ]
7 - We`ll always have Paris [ 8 pontos ]
8 - I feel the need — the need for speed [ 10 pontos ]
9 - My mama always said: life is like a box of chocolates. [ 12 pontos ]
10 - Carpe diem. Seize the day, boys. Make your lives extraordinary. [ 9 pontos ]

Mandem as suas respostas para o email : marcelo_2004s@hotmail.com e acumule pontos para o grande final do game. ;P

Abraços!

Informativo Cinemótica

2009-09-16T12:45:00.000-07:00

O Informativo Cinemótica dessa semana começa com o óbito de Patrick Swayze, depois falará sobre três notícias animadoras dos cinemas e propõe um desafio no final. O desafio estará sempre no post do Informativo Cinemótica. Espero que participem.

Boa Leitura.

O Cinemótica está em luto. Morreu, nessa semana, precisamente no dia 14/09, o ator Patrick Swayze. O ator se fez presente no cinema durante a década de 80, e com 57 anos, nos deixou, por causa de um câncer no pâncreas.

Muitos lembram dele, e com todo mérito, através dos marcantes filmes Ghost e Dirty Dancing. O ator interpretou dois personagens altivos, galãs de mocinhas, marcando assim sua fama nas telonas. Patrick Swayze era natural do Texas, começou sua carreira como dançarino e seu sucesso veio com Dirty Dancing, com um orçamento simplório, rendeu várias indicações para o Globo de Ouro, e ganhou inúmeros prêmios.

O ator foi diagnosticado em 2008, mas o ator continuou trabalhando, escreveu uma biografia e estava atuando na série “The Beast”, a primeira temporada teve uma boa audiência, mas foi cancelada.

Patrick disse em entrevista: “Dois anos parece provável se você acreditar em estatísticas. Quero durar até acharem uma cura.”

Infelizmente, o ator não conseguiu essa proeza, mas já se tornou inesquecível para muitos cinéfilos. O ator serviu de marco para sua década e o Cinemótica, deseja, com muita força, que ele esteja mais feliz, aonder for que tenha ido.

Vamos falar de coisas mais leves. O Cinemótica gostaria de informar três novos filmes que estão em produção para estreiar, no mais tardar, ano que vem.

Jogos Mortais 7

Depois de pessoas sendo torturadas das piores maneiras possíveis em cinco filmes que trouxeram os Jogos Mortais de Jigsaw, ainda poderemos conferir muito terror não só no sexto filme da franquia, que estreia em novembro deste ano, mas também no sétimo, que chega às telonas em outubro de 2010, e até mesmo no oitavo, que ainda não tem data de estreia mas já tem os roteiristas contratados.

Para a alegria dos fãs que não se cansam de todo o sangue derramado nos longas, o diretor David Hackl anunciou em seu facebook que a pré-produção do sétimo filme começou oficialmente.

"A pré-produção de Jogos Mortais 7 - 3D começou oficialmente hoje! Estou super animado. A história é sempre o mais importante na minha opinião. Desta vez, eu quero que ela represente um jogo para todos. Quero criar o efeito de que você está na armadilha", o diretor escreveu em sua página. O próximo longa da franquia que chega aos cinemas, Jogos Mortais 6, tem data de estreia marcada para 6 de novembro deste ano.

Fonte: Cinema em Cena

Jetsons - Filme

Agora é oficial. Ou Parece ser. Depois de quase cinco anos de especulações, a adaptação para os cinemas da série animada Os Jetsons vai mesmo sair do papel. O projeto está nas mãos de Robert Rodriguez (de Sin City 2) e, de acordo com declaração dada a MTV News, as filmagens devem começar no próximo ano. O diretor texano, porém, não deu nenhuma dica sobre o elenco ou sinopse do filme. Adam F. Goldberg (de Fanboys) escreveu a primeira versão do roteiro, que atualmetne passa por outro tratamento. “Estamos reescrevendo agora”, afirmou o cineasta.

Fonte: Mundo Animado

Os Smurfs

É isso mesmo. Quem não se lembra desses pequeninos personagens azuis? Criados em 1958, pelo belga Pierre “Peyo” Culliford, Os Smurfs vão ganhar sua versão para as telonas. O longa vai usar as mesmas tecnologias da moda presentes na maioria das animações, ou seja, muita computação gráfica e efeitos em 3D. O roteiro ficará a cargo da dupla David Weiss e David Stem, responsáveis também pelos longas “Shrek 2” e “Shrek Terceiro". A direção terá a supervisão de Colin Brady, responsável pelos efeitos do famoso longa “E.T.” e de várias animações da Pixar.

Apesar do atraso, o filme celebra a comemoração dos 50 anos da criação da animação. Sua previsão de lançamento será em dezembro de 2010, inclusive no Brasil, e intitulado “Smurfs 3D”. Poderemos rever os personagens que fizeram parte da infância de muitas gerações, como a Smurfete, o Mestre e o vilão Gargamel. É só aguardar agora.

Fonte: Caixa do Júnior

Baseado nos desafios do Dewonny , o Cinemótica lança o seu.

De quais filmes, cada fala é ?

Abraços.

TOP 7 Animações Modernas e TOP 5 Animações Clássicas

2009-09-13T14:38:00.000-07:00

Boa noite Blogueiros! Primeiramente, gostaria de apresentar á vocês a nova cara do Cinemótica. Pois é.

Embalado pela onda de animação pelas animações do cinema ( péssimo trocadilho haha ), resolvi expressar meu TOP 7 Animações Modernos e TOP 3 Animações Clássicas. Espero que expressem suas opiniões, que são sempre bem vindas.

TOP 7 Animações Modernas

7º - Ratatouille

Encantador, charmoso e infelizmente, mais nada. Coloquei Ratatouille na lista pelo mérito e respaldo que ele teve entre todos os blogueiros e pela delicadeza parisiensce que o filme apresenta. Vale a pena conferir!

6º - Procurando Nemo

O filme é aventuresco e impecavelmente bem escrito. Além de ter uma genialidade própria, o filme é uma pequena obra de arte. Um filme sério e prazeroso de se ver. As personagens do filme são apaixonantes.

5º - Os Simpsons

Uma enchente de ironias adaptadas ao cinema. Ganha essa terceira posição por toda sua estrutura maldosa e hilária. Apesar, do filme ter ficado um pouco aquém do esperado, a obra é avassaladora. Para os apaixonados pela família americana mais conhecida do mundo, o filme não decepciona.

4º - Madagascar

Uma obra estonteante e hilária, com personagens excêntricos e divertidos. A obra é um vislumbre de criatividade e ganha pela sua temática irreverente. Uma ótima pedida de entretenimento e merecedor dessa Posição. O segundo, consegue ser melhor que o primeiro, o que prova, o domínio que o filme tem. Uma Animação rica e inesquecível.

3º - Shrek

De inesperado, Shrek revolucionou a recepção dos filmes de animação. O filme, contando uma história irônica, aboncanhou de ver as bilheterias dos cinemas, levando seu filme para o topo dos filmes mais vistos do mundo. Não é para menos: o filme foge dos arquétipos e ganha o espectador por isso. O segundo filme foi bom, até melhor, que o primeiro. Shrek, em sua segunda aventura, novamente, carrega uma mensagem de ironia e sagacidade. Por ser um obra tão calorosa, em pouco tempo, lançou o seu terceiro filme. Um pouco aquém do esperado, o filme continou agradando quase todos os fãs da trilogia. Que venha o Shrek 4!

2º - Os Incriveis

Um dos pioneiro na arte de ironizar, o filme é impressionante. Com uma ótima argumentação, e uma perfeita direção, Os Incriveis conquistou o Cinemótica. O filme pede uma continuação, mas seria um risco tremendo de ofuscar com o brilho dos personagens. Acompanhamos uma família ultra divertida, em suas peripécias modernas da vida cotidiana. Vale muito a pena ser visto.

1º - Wall - E.

Sabemos o que está passando pela sua cabeça. ' Quanta surpresa ' - ironicamente. O Cinemótica argumenta: é impossível de virar os olhos para essa maestria que se chama Wall-E. O filme é uma obra de arte, uma obra de charmes minimalistas, e dotado de uma grave analogia á vida humana e seus hábitos. Com um rede de espectadores infinita, o filme merece seu alto reconhecimento no Cinemótica. Wall E é um dos personagem mais consistentes no mundo da animação e é o personagem mais encantador. Wall- E merece ser visto, revisto, visto, revisto e visto várias e várias vezes.

TOP 5 Animações Clássicas.

5º - James e o Pêssego Gigante

Astutamente fantástico, o filme mistura um pouco de interpretação real com animação, mas seu forte é a parte da animação. O filme mostra, com um história fabulosa, a viagem de alguns insetos e um garoto, dentro de um pêssego gigante, com destino á Nova York. Tim Burton expressa o bizarro encantador nesse filme obsoleto.

4º - A viagem de Chihiro

Um filme bonito, que agrada pela beleza de suas personagens e pelo tom de fábula que o filme apresenta, com autoridade.

3º - Toy Store

Uma animação voltada para o público infatil, ingênua e divertida. Merece esse posto por sua delicadeza e pela excelente trilha sonora. O segundo filme não foi tão bem feito quanto o primeiro, mas o terceiro está previsto para 2010.

2º - Estranho Mundo de Jack

Irreal, Irreverente. O filme de Burton é a prova mais consistente de sua realeza admirável no mundo das animações. Jack conquista o espectador do ínicio ao fim e a criatividade da obra é tão vísivel, que chega a ser encantadora. O filme rendeu muitos elogios e mesmo assim nenhum deles conseguiu expressar verbalmente o quanto esse filme é marcante. Sally é expressivamente acolhedora e a trilha sonora do filme é incomparável, e quando digo incompáravel, quero dizer, realmente, incomparável.

1º - Rei Leão

O filme marcou a vida de milhares de pessoas, e provou ao mundo, que a animação serve para encantar, fazer chorar, rir e tudo mais. Tecido de forma magestral, Rei Leão é alucinante. Simba nem é o verdadeiro motivo de tanto sucesso: o sucesso se deve ao conjunto da obra, aos visuais nunca vistos antes, ao encantamento de todo o enredo e aos inesquecíveis Timão e Pumba.
Bom, agora vamos a uma recomendação do Cinemótica, de dois filmes, que apesar de não estarem presentes nos TOP's acima, são ótimos filmes para se ver.

1 - Torradeira Valente

Quem tem filho pequeno, ou gosta de ver animações antigas, com temáticas voltadas mais para o meio infatil, Torradeira Valente é uma dica perfeita. O filme tem uma delicadeza tão profunda, que encanta, com a doçura de suas personagens e com o tema, apesar de bobo, que roda o filme. A animação aborda um grupo de cinco eletrodomésticos que resolvem rever o dono que os 'abandonou' na casa antiga, antes de se mudar. Um filme 'infantilmente' bonito e encantador.

2 - Bicicletas de Belleville

Um filme simplesmente charmoso. Não existe uma expressão verbal para falar dessa obra silenciosamente linda, brilhante, encantadora. Só não coloquei esse filme nos TOP's, porque achei que ele merecesse uma observação mais individual, por tratar de um filme com uma temática fortemente diferente dos filems citados nos TOP's. O filme é lindo.

A história é simples e fascinante: Champion é um menino solitário, que só sente alegria quando está em cima de uma bicicleta. Percebendo a aptidão do garoto, sua avó começa a incentivar seu treinamento, para fazê-lo um verdadeiro campeão e poder participar da Volta da França, principal competição ciclística do país. Porém, durante a disputa, Champion é sequestrado. Sua avó e seu cachorro Bruno partem então em sua busca, indo parar em uma megalópole localizada além do oceano e chamada Belleville. O filme já está no histórico de filmes mais bem produzidos do cinema de animações.

PS: UP - Altas Aventuras, eu ainda não tive a oportunidade de ver, mas após ve-lo, escrever minha opinião sobre ele será a primeira coisa que farei.

Abraços!

Um selo, uma idéia, uma estréia bem aguardada.

2009-09-10T15:12:00.000-07:00

Toy Store 3D sairá dos papéis ano que vem! No post de hoje, vou repassar um selo, falar dessa estreía aguardada e explicitar um pouco sobre o Clube do Filme!

Estou gratificado.

Ganhei meu quarto selo através do respeitável e dinâmico Blog Parada Obrigatória. O blog tem um layout maneiro, é completo, com dicas da semana, posts como A a Z, atualizações de filmes na televisão e várias outras coisas! Vale muito a pena conferir o blog e ficar horas se inteirando com os mais variados filmes. Clica lá!

Como é pedido no regulamento, irei indicar alguns dos melhores blogs que tenho acesso, para ganhar, merecidamente, o selo.

it was RED : Blog muito bem organizado, vale a pena conferir.

Cinema Rodrigo : Sempre na parceria.

Cine Dewony : Interativo e muito completo!

Diários Cinematográficos : muito experiente, um blog charmoso.

Os Filmes : Muito aconselhável, contém várias notas para diversos filmes.

Literatura e Cinema : Adoro os dois mundos que eles sabem muito bem falar.

Após o breve começo desse post, vamos ao assunto do dia:

Clube Virtual do Filme

Depois de ter postado, timidamente, sobre a idéia de fazermos um clube de filmes, em alusão ao livro Clube do Filme, alguns blogueiros, expressam sua curiosidade na idéia.

Vou 'tentar' explicar minha idéia para os interessados: Poderíamos escolher, semanalmente um filme, com foco nos filmes presentes no livro, e vermos até um certo dia da semana.
Após vermos o filme escolhido, nos encontraríamos no MSN a uma certa data e hora.

Nessa conversa, discutiríamos o filme por tabela: direção de arte, trilha sonora, plot, elenco, fotografia e outros temas. Depois desse discurso, compilaríamos os momentos mais quentes da discursão e postaríamos em alguma coluna de algum blog, ou até mesmo em um blog definido.
Claro, criaríamos um email comunitário, para livre acesso ao blog.

Com o decorrer do tempo, podemos criar um cadastro para participar do Clube do Filme e inclusive, abordar outros filmes, obras que não precisam estar inclusas na lista do livro original.

Quem realmente se interessar, por favor, poste no comentário:

Nome:
Cidade:
Idade:
O que acha da idéia:
Complementos ( se for necessário ):

Entrarei em contato, o mais rápido possível!

Próximo assunto do dia:

Toy Store 3

Estava vagando pelo youtube alguns dias atrás, quando esbarrei, coincidentemente com o vídeo: Toy Store 3
Sim, fiquei absurdamente feliz. Toy Store foi um marco na minha vida e eu adoro a personalidade dos brinquedos da história. Confesso, que também, fiquei com receio da obra ser estragada por algum barbeiro. Mas logo me tranquilizei: quem dirigirá o longa é um velho e grande amigo nosso: Lee Unkrich, do Procurando Nemo. Estamos em mãos seguras!

Para se situalizar melhor: Os criadores dos adorados filmes Toy Story abrem novamente a caixa de brinquedos e levam mais uma vez as platéias ao adorável mundo de Woody, Buzz e nossa turma favorita de personagens em Toy Story 3. Lee Unkrich (co-diretor de Toy Story 2 e Procurando Nemo) dirige este muito aguardado filme, e Michael Arndt, o roteirista ganhador do prêmio da Academia® de Pequena Miss Sunshine empresta seu grande talento e sensibilidade cômica ao projeto.

Ano de estréia: 2010

Elenco:

Tom Hanks - Woody (voz)
Don Rickles - Sr. Potato Head (voz)

Abraços!

Uma Proposta do Cinemótica

2009-09-08T15:01:00.000-07:00

Boa noite, blogueiros! Finalmente, meu computador ficou normal. Deu um apagão aqui, dois dias antes do meu aniversário, e o PC fundiu. Ou seja, foi uma semana cheia por aqui em Brasília. Mas estou cá eu de volta, afinal, sou nada mais e nada menos que um blogueiro ! ;P

Primeiramente, gostaria de falar sobre meu último TOP 10 : Cinema Brasileiro. Percebi que a maioria das pessoas concordaram com ela, o que eu definitivamente estranhei ;P, afinal, sou acostumado a provocar divergências entre meus TOP 10. Lógico, teve aqueles que discordaram e sugeriram vários filmes como: Diabo na Terra do Sol, Muito Gelo e Dois Dedos de Água entre outros. Tive a oportunidade de ver Muito Gelo e Dois Dedos de Água e simpatizei com a obra, mas não chegaria a colocar no meu TOP. Mesmo assim, como sugeriram, o cinema brasileiro pede no mínimo dois TOP 10, e em breve farei mais um, já atualizado com suas sugestões!

Nesse meu aniversário tive a surpresa de receber muitos livros e dentro deles, recebi um chamado o Clube do Filme. O livro narra, a grosso modo, a história de um pai que tem um filho vagabundo demais, e que tem uma idéia ousada para 'corrigir' seu filho. A idéia é tentadora: o filho sairia do colégio, e seria sustentado pelo seu pai, com a condição de ver três filmes por semana com o pai. Interessante, hm?

Sim, o livro aborda uma temática familiar, e por isso, tem nuances psicologicas. O interessante, no ponto de vista do Cinemótica, é o cardápio de filmes que o livro discute:

A felicidade não se compra, A força em Alerta, Último tango em Paris, Quem tem medo de Virginia Woolf? , Interlúdio, Aguirre, O grande Gatbsy, Casablanca, Por um punhado de dólares, Psicose, Apocalipse Now, O poderoso chefão, Amores Expressos, Desafiando o assassino, Lolita Magnum 44, Cidadão Kane, Pulp Fiction, Quanto mais quente melhor, Veludo Azul, 007 contra o satânico Dr No e muitos outros.

Um deleite, não é mesmo? Então. O cinemótica propõe: O livro custa muito barato, míseros 20 reais. Seria interessante se os blogueiros de cinema o comprassem e semanalmente, combinássemos de ver ou rever algum desses filmes do livro. Após vermos, poderíamos abrir um tópico de discursão, para depois exposição de nossas idéias.

Interessante e dinâmico, não é mesmo? Pensei em abrir um quadro, e posteriormente, se a idéia vingasse, poderíamos anexar mais filmes ao livro e montar um verdadeiro Clube Virtual de Filmes. Sim, é apenas uma idéia.
Espero que se interessem. Seguinte: se a proposta te agrada, comenta aí, seu blog, seu nome e expressa sua vontade de aderir a idéia. Mais tarde, farei uma apuração e divulgarei por aqui!

Voltando, nesse final de semana, tomei a vergonha e fui ver o aclamado filme Orgulho e Preconceito. Fizeram tanta propaganda para esse filme, que fui ve-lo, arisco. Quase sempre, me decepciono com as opiniões de meus amigos intimos, e não esperava outra coisa. Me enganei.

O filme é tão charmoso, que é díficil não se render. A fotografia e o figurino transbordam expressão e técnica, é um vislumbre para os olhos de um crítico. Keira está estonteatemente linda nesse filme, e sua perfomance chega a ser injusta, de tão bem trabalhada. A história do filme é aparentemente simples: no fim do século 18, uma família muito unida, com cinco lindas filhas, está sedente para entrega-las aos possíveis maridos, e que de preferencia, esses maridos sejam ricos e poderosos.

O filme é uma 'comédia' romântica irreverente e bastante polida. Na trama, nos deparamos com Elizabeth [ Keira Knightley ], uma das cinco filhas, que está ficando velha demais para conseguir um bom pretendente. No meio de toda essa história, aparece na cidade os senhores Bingley e Darcy [ Matthew Macfadyen ]. O Sr Darcy é perceptivelmente um grosso, mesquinho e preconceituoso rico, com uma severa educação de se dar inveja. Na verdade, ele se trata de um enrustido amorosamente e um tanto egocêntrico, ou seja, um homem pelo qual Elizabeth, linda, romântica, irreverente, jamais iria se apaixonar.

Um engano. Ao longo da trama, vemos um romance tímido e avassalador sendo feito, e simultaneamente, vemos dois egos orgulhosos que não cedem a suas próprias tentações. Um filme simples e maravilhosamente complexo. Joe Wright concretizou uma obra impecavelmente deliciosa de se ver. Sim, perdemos, por ora, a sensação de tempo. O filme é tão bem construído e tão bem interpretado, que criamos empatia por quase todas as personagens do filme, inclusive das irritantes irmãs de Elizabeth. (Particulamente, amei a Mary [ Talulah Riley ], inclusive sua cena ao piano da festa !)

O filme é expressivo e vale muito a pena ser conferido. Sua obra é interessante desde a trilha sonora, até a obra de Nick Gottschalk e Mark Swain, na direção de arte.

Então me perguntei, próximo ao fim do filme: Por que certas pessoas detestam esse filme? O que tem o final desse filme que irrita algumas pessoas?
E então assiste, ao fim do filme. Confesso, me senti como uma criança que acaba de ser roubada. O filme é tão bem feito, que chegamos a ponto de não querer que o filme acabe tão cedo, e o filme faz totalmente o contrário: acaba bem na cena precendente do clímax tão desejado. Não vou entrar em detalhes, lógico, mas quem viu, sabe o que estou falando.

Na verdade, eu não condeno o filme por isso, e acho muito injusto quem esquece todo trabalho despreendido no filme todo e leva em consideração só o final do filme. Alto lá, não é mesmo?
Bom, para mim, o filme passou a imagem que queria e terminou o filme na cena apropriada, caso quisesse frisar o seu tema: orgulho e preconceito. Uma pena para alguns, uma boa sacada para outros. Para mim, uma ótima sacada. Orgulho e Preconceito nos ensina que estamos tão acostumados com os romances arrastaquarteirões : os personagens se conhecem, se apaixonam, brigam, e voltam no final. Cansa, não é mesmo? Orgulho e Preconceito dá uma balançada nesse mesmismo e vale a pena por isso.

Altamente indicado.

Abraços!

TOP 10 Filmes Brasileiros e 3 Lixos

2009-08-30T05:48:00.000-07:00

Embalado pelo blog do Rodrigo, resolvi falar sobre o cinema brasileiro, que o Cinemótica até agora não fez. Não por menosprezo, mas por falta de oportunidade. O cinema brasileiro tem uma evolução bem reacionária, mas ele tem sim um progresso tímido.

O que será que falta? Hm, eu ousaria dizer que falta direção. Temos alguns atores e atrizes, temos a música, temos os feelings [ afinal somos o quinto maior país do mundo e o país com maior diversidade cultural ] . Falta apenas um sentido para tanto manifesto cultural. Uma pena, que quando se encontram uma formula para o sucesso, sempre o repitam. O Brasil pode vir a ter o know-how para se expressar, mas cadê as setas de sinalização ?!

Mesmo achando isso, eu tive dificuldades em estabelecer uma lista de TOP 10 Filmes Brasileiros. Temos obras muito bem feitas, aliás. Mas vou arriscar. Lembrando que qualquer lista, querendo ou não, tem um dedo do seu criador! Bom entretenimento.

Primeiramente, gostaria de deixar uma polêmica. Conheci uma crítica na internet a cerca do cinema brasileiro, e eu fiquei propriamente ferido. Gostaria de que os cinéfilos que visitem esse blog, por favor expressem suas opinões quanto a crítica abaixo:

Dono da crítica: Rodrigo Mendes
Coluna: Diários Cinéfilos.

O cinema nacional precisa tomar vergonha na cara, urgentemente. O furdúncio desproporcional em torno de Divã só comprova o diagnóstico fatal. Outro dia, Lília Cabral estava em três canais simultâneos vendendo o filme. E tome propaganda, propaganda e propaganda. A produção vai ser um arrasaquarteirão de bilheteria, todo mundo vai correr para ver a coisa, como fizeram com Se Eu Fosse Você 2, Bezerra de Menezes, O Menino da Porteira e todos os filmes da Xuxa.

Ok, certo, nada contra, precisamos todos de pão & circo. Pessoas vão se identificar com Divã, alguns vão pensar na vida, outros vão encontrar mensagens edificantes.

Tem gente que encontra isso até no Chaves. Mas, sorry, periferia, o cinema brasileiro precisa mesmo de conteúdo. Enquanto engordamos bilheterias dando moral para filmecos de polvilho, só teremos filmecos de polvilho. Tentam explicar o país por meio da sétima arte. Sertão, violência, sertão, violência… ad nauseum. Nosso presidente pode ser o cara, mas na sétima arte ainda somos colônia. Uma colônia apática. Reclama-se da invasão dos filmes gringos, porém a única forma de dar o troco é com produções à altura.

Bem, vamos então as listas.

TOP 10 Melhores Filmes Brasileiros

10- Carlota Joaquina - A princesa do Brazil

Um painel da vida de Carlota Joaquina (Marieta Severo), a infanta espanhola que conheceu o príncipe de Portugal (Marco Nanini) com apenas dez anos e se decepcionou com o futuro marido. Sempre mostrou disposição para seus amantes e pelo poder e se sentiu tremendamente contrariada quando a corte portuguesa veio para o Brasil, tendo uma grande sensação de alívio quando foi embora.

9 - Saneamento Básico

Em uma pequena vila de descendentes de colonos italianos na serra gaúcha, a construção de uma fossa para o tratamento do esgoto é uma emergência antiga e sempre ignorada pelas autoridades. Uma comissão resolve pleitear a obra através dos recursos da subprefeitura. No entanto, são informados de que não há verba para saneamento básico mas que sobra para a produção de um vídeo. O grupo resolve então fazer um vídeo sobre o saneamento básico. Mas o que ninguém esperava é que o grupo amador se envolveria tanto nessa produção que ganha até prêmio na cidade, e que a obra... bem, viraria ator coadjuvante.

8 - Redentor

Um jornalista recebe de Deus a missão de convencer seu amigo de infância, que é um empreiteiro corrupto envolvido em um escândalo imobiliário, a doar sua fortuna para os pobres.

[ Infelizmente, esse filme não teve tanto respaldo entre os cinéfilos, mas eu o achei simplesmente brilhante. ]

7 - Olga

O filme retrata uma grande história de amor, em todos os sentidos: a luta, os ideais, o marido, a maternidade. Da infância burguesa na Alemanha à morte numa das câmaras de gás de Hitler, as imagens retratam a alma de uma revolucionária que descobriu o amor e a crueldade no Brasil, onde Olga Benario casou-se com Luís Carlos Prestes, engravidou e foi entregue por Getúlio Vargas aos nazistas.

6 - Auto da Compadecida

As aventuras de João Grilo (Matheus Natchergaele), um sertanejo pobre e mentiroso, e Chicó (Selton Mello), o mais covarde dos homens. Ambos lutam pelo pão de cada dia e atravessam por vários episódios enganando a todos da pequena cidade em que vivem.

5 - Carandiru

Um médico (Luiz Carlos Vasconcelos) se oferece para realizar um trabalho de prevenção a AIDS no maior presídio da América Latina, o Carandiru. Lá ele convive com a realidade atrás das grades, que inclui violência, superlotação das celas e instalações precárias. Porém, apesar de todos os problemas, o médico logo percebe que os prisioneiros não são figuras demoníacas, existindo dentro da prisão solidariedade, organização e uma grande vontade de viver.

4- Se eu fosse você

O filme conta a história de Cláudio (Tony Ramos) e Helena (Glória Pires), um casal até então normal que vai levando a vida conjugal através do anos, desgastando-se com o tempo mas sempre procurando manter o bom humor. Até o momento em que a discórdia paira sobre eles e um lado passa a não dar valor ou a não compreender o que o outro faz com seu tempo ou tem como princípios. Isso até que o casal troca seus papéis: a mente de um passa para o corpo de outro.

3 - O cheiro do Ralo

Lourenço (Selton Mello) é dono de uma loja que compra objetos usados. Pouco a pouco, ele troca a frieza de negociar pelo prazer de explorar os clientes, por meio de jogos, que procuram sua loja quando atravessam dificuldades financeiras. Ele passa a identificar as pessoas como se estivessem à venda, cada uma com uma característica ou um objeto que lhe é oferecido.

2 - Central do Brasil

Mulher (Fernanda Montenegro) que escreve cartas para analfabetos na estação Central do Brasil, no Rio de Janeiro, ajuda menino (Vinícius de Oliveira), após sua mãe ser atropelada, a tentar encontrar o pai que nunca conheceu, no interior do Nordeste.

1 - Cidade de Deus

A história é fictícia, mas inspirada em fatos reais narrados por um jornalista que foi morador da Cidade de Deus, no livro de mesmo nome. Conta a história de um garoto chamado Buscapé desde sua infância, nos anos 60, até o final dos anos 70, dando uma idéia da criação das favelas, da origem do tráfico de drogas e de sua relação no dia a dia dos moradores.

TOP 3 Vergonhas Nacionais

Resolvi colocar, as três maiores vergonhas, ou seja, fracassos do cinema Brasileiro. Claro, na minha opinião.

3 - Casa da Mãe Joana

Quatro amigos que só pensam em curtir a vida, com grandes farras, lindas mulheres e bebidas. Mas um belo dia, eles são surpreendidos com uma notícia nada agradável, uma ação de despejo. Sem nenhuma solução imediata a turma é obrigada a pensar naquilo que mais abominam: trabalhar! A confusão está formada quando cada um busca um meio fácil de conseguir dinheiro, com o mínimo de esforço.

2 - Primo Basílio

Primo Basílio é transferida de Lisboa para São Paulo, em 1958. É quando a jovem Luísa (Débora Falabella) está casada com o engenheiro Jorge (Reynaldo Gianecchini), ausente do lar por estar envolvido na construção de Brasília. O reencontro de Luísa e seu primo Basílio (Fábio Assunção) coloca o casamento da jovem sonhadora em risco, já que ela se envolve num caso extraconjugal. Juliana (Glória Pires), sua invejosa governanta, descobre o romance proibido e faz de tudo para infernizar a vida de Luísa, ameaçando revelar seu segredo.

1 - Deus É Brasileiro

Cansado de tantos erros cometidos pela humanidade, Deus (Antônio Fagundes) resolve tirar umas férias dela, decidindo ir descansar em alguma estrela distante. Para tanto precisa encontrar um substituto para ficar em seu lugar enquanto estiver fora. Deus resolve então procurá-lo no Brasil, país tão religioso que ainda não tem um santo seu reconhecido oficialmente. Seu guia em sua busca é Taoca (Wagner Moura), um esperto pescador que vê em seu encontro com Deus sua grande chance de se livrar dos problemas pessoais. Juntos eles rodarão o Brasil em busca do substituto ideal.

Espero que compartilhem da minha lista! Se não, fale quais filmes não estariam na lista, quais modificações faria!

Abraços.

Resenhas Rápidas 3

2009-08-28T15:12:00.000-07:00

Fiquei quatro dias sem postar aqui por alguns motivos pessoais, mas hoje achei tempinho para dar uma postada típica do Cinemótica. Hoje, venho falar de alguns filmes que tive contato nesses últimos dias. Como de praxe, vamos para uma resenha rasteira e uma indicação que o Cinemótica anseia em ver! Não esqueça de deixar seu comentário.

1 - Identidade

Sinopse: Em uma noite chuvosa, numa grande estrada dos EUA, nove pessoas, aparentemente sem conexões, se deparam com a impossibilidade de seguir caminho na ferrovia. São obrigadas, a se hospedarem em um hotel barato de beira de estrada, onde pretendem passar apenas uma noite. Cada um com seu drama particular, se deparam com algo inusitado: cada um vai morrendo sumariamente, assassinados, por alguém desconhecido. Como para completar o evento, cada pessoa morre em uma contagem regressiva de dez até um. A chuva os impede de sair, e aos poucos, vemos um trama se desenrolar.

Crítica: Vi esse filme, em sua estréia, nos cinemas. Era novo ( foi em 2003 ), mas eu curti muito do esquema em que o filme lança mão. Uma hitória, atípica, em que até o meio do drama, não sabemos se sua abordagem tem temática sobrenatural ou real, Identidade é um dossiê de cenas caustrofobicas. O filme não se preocupa em passar um desenrolo enigmático com a história, na verdade, o diretor preferiu enfocar no suspense de 'quem será o próximo a morrer' . A fórmula, confesso, é saturada.

Mas o bom trabalho ministrado pelos atores [ Ray Liotta, por exemplo ], dão consistência ao pouco conhecido filme. Identidade ainda conta com uma bifurcação de sua história principal, aparentemente sem ligação: ao mesmo tempo que vemos as pessoas morrendo no hotel, vemos um preso sendo investigado em uma sala de interrogatórios.

Talvez, seja justamente por essa trama destacada na história do filme, que o diferencia dos outros filmes sobre assassinatos em série. O final é extremamente forçado. Uma pena, porque poderia ter sido explorado fantasticamente. Pode-se dizer, que no final, infelizmente o filme não conseguiu sair das amarras do estilo hollywoodiano, e forçou a barra para dizer quem é o assassino. No entanto, a história que engloba as duas vertentes narradas no filme, é singelamente agradável e interessante.

Eu indico o filme para quem quiser ver um suspense não rotineiro, mas peço que ao verem, não esperem grande coisa. O filme é um daqueles que vemos, e logo nos esquecemos de sua existência. Mas cinéfilo que é cinéfilo, esta sempre disposto a ver mais e mais filmes. Vale então a dica.

Nota: 4.8

Em cena: 3 Macacos.

O Cinemótica rastreou e encontrou um filme turco que me estimulou, a ponto de querer vê-lo, o mais urgentemente possível. Afinal, gosto de filmes expressivos.

Sinopse: Contra todas as possibilidades, uma família tenta esconder as mentiras que a envolve para se manter unida. A fim de evitar dificuldades e responsabilidades que, de outra forma seriam impossíveis de suportar, a família opta por ignorar a verdade, não para ver, ouvir ou falar sobre isso. Como no jogo dos "três macacos", escolheu ignorá-las, não vê-las, ouvi-las ou falar sobre elas. Mas esse jogo invalidaria a existência dos fatos?

Me deparei, também com diversas críticas, algumas a favor, outras contra, e por isso, resolvi expô-las, para possível debate entre os cinéfilos na blogoesfera.

Críticas contra:

Glória Gomes : A proposta é boa, mas não gostei do filme por vários motivos: falta roteiro, continuidade e falas. O longo silêncio deste filme, a falta de diálogo, são enervantes! Talvez tenha sido esta a proposta do diretor: mostrar como o silêncio afasta as pessoas e deixa margem à dúvidas, desconfianças. Este filme mostra que, para evitar encarar as pesadas provas e responsabilidades, eles escolhem ignorar a verdade, e recusam ver, ouvir ou falar sobre ela, como na fábula dos Três Macacos.

Cintia L: Ontem fui assistir ao filme aqui no RJ. Gosto de produções que fogem do estereótipo dos filmes hollywoodianos, mas confesso que fiquei um tanto decepcionada com 3 Macacos. Os pontos positivos são: o roteiro que é interessante, mas poderia ter sido explorado de outra forma, e a bela fotografia. O take da primeira cena - o carro dirigido pelo político pela estrada, a passagem pelo túnel... É sensacional. Muito bem feito mesmo. Mas pára por aí. O filme fala sobre a fábula japonesa "adaptada" para os nossos dias. Mas as longas pausas, o silêncio extremo entre os personagens são excessivos. Par falar sobre o "silêncio" não é necessário que os personagens fiquem mudos por tantos minutos. Da mesma forma que uma comédia não tem a função de fazer o espectador rir o tempo inteiro. O filme peca neste sentido... Chega ao extremo do silêncio, sem necessidade. Se o diretor dosasse as cenas, intercalasse com alguns diálogos (mesmo curtos), o filme teria um desdobramento mais envolvente. A narrativa é realmente muito lenta e o final um tanto decepcionante. Assisti num cinema frequentado por "intelectuais" e gente "cabeça", mas no final da sessão posso garantir que a grande maioria saiu da sala decepcionada e com um ponto de interrogação na testa.

Críticas a favor:

Cristina Brandão: O drama da família de Eyup não começa com o acidente e " a troca negociada" com seu patrão, mas ela já padecia do mal da incomunicabilidade, como a do teatro do absurdo. Mãos, olhos e ouvidos tapados desde a morte do menino, o filho caçula do casal que traz uma névoa escura quer paira por todas as imagens e espelha o que se passe na alma dos personagens. As cenas que os confortam são aquelas onde o garoto é "visto" ou mesmo "acaricia" os personagens. Com ele se foi o que havia de união e ternura entre os três membros da família e, com sua partida, estão envoltos no silêncio, na tristeza e no tédio. Violentam-se, cada um à sua maneira. O diretor conjuga muito bem os closes, os planos abertos e a tonalidade que expressa o noir, não como nos filmes de detetives e marginais, mas o noir de almas vencidas e bizarras.

Willis de Faria: Três Macacos ganharam o prêmio de Melhor Diretor no Festival de Cannes de 2008 e foi pré-finalista do Oscar para melhor filme estrangeiro este ano. Ele é um filme de arte dramática, com poucos diálogos, mas que as imagens por si falam. Indicado para um público amante da 7ª arte. Se você deseja ação, humor ou extravasar suas energias em filme hollywoodiano, que atinja a toda massa de público, eu não aconselho. Mas se é amante da arte cinematográfica, pode comprar o ingresso.

Caso você tenha visto esse filme, peço que exponha suas opiniões, para futuramente, quando eu tiver visto o filme, possa fazer um dossiê sobre esta obra. Caso não tenha visto, expresse suas pesperctivas, que são sempre bem vindas!

Abraços!

Pfeiffer's Times : Resenhas

2009-08-23T16:56:00.000-07:00

Faz algum tempo que tenho sentido essa sensação de admiração pela Michelle Pfeiffer. Antigamente, eu apenas reconhecia seu talento, mas agora, ela tem me despertado uma atração um tanto que incomum. Então, movido por um desejo cinéfilo inexplicável, resolvi falar de dois filmes ( filmaços, diga-se de passagem ) que eu tive o prazer de ver.
São filmes que talvez vocês conheçam, mas não são os principais filmes de Michelle.

Aproveitando o momento, acho que Pfeiffer merece seu posto no Hall da Cinemótica. Após falar dos dois filmes, farei um pequeno prospecto de sua carreira e a colocarei no meu Hall! Bom divertimento.

PS: Eu realmente aconselho esses dois filmes.

1. Deixe-me Viver

Título Original: White Oleander
Ano de lançamento : 2002

Sinopse: Deixe-me Viver é um belo filme que tem no elenco quatro atrizes sensacionais. Emocionante e intrigante, narra a história de Astrid, uma garota que percorre vários lares adotivos de Los Angeles depois que sua mãe superpossessiva mata o namorado que a abandonou e vai presa. Em cada casa ela se depara com uma "mãe adotiva" diferente. São mulheres com histórias que marcam sua passagem da juventude para a idade adulta. Astrid terá que aprender a perdoar e amar para sobreviver.

Crítica: Esse filme é uma obra tão delicada, tão minunciosa, que toda sua potência reside nesses pequenos detalhes escondidos na obra. Deixe-me Viver trata-se de um filme sobre a construção do caráter de uma menina abandonada por sua mãe, um ser potente e forte demais. Pfeiffer desempenha o papel de Ingrid, uma mãe que poem sua filha á sua sombra e traça manipulosamente o destino de sua filha. Vemos um relação mãe-filha perigosa demais, atada demais, e é justamente com esse ponto que a filha, Astrid, precisa lidar: se libertar de sua mãe.

Mesmo mal vendo sua mãe, que está presa, Astrid traça um destino modelado pelo ego de sua mãe. Astrid se depara com lares perigosos, e passa por provações tão extremas, que seu destino se encaminha para um confronto com sua mãe. O filme hipnotiza.

A partir daí passamos a acompanhar essa garota na busca por um lar adotivo, e é justamente essa busca que lhe trará momentos traumáticos, que irão pontuar sua passagem para vida adulta.

Acostumada a conviver com uma mãe controladora e de certo modo egoísta, a garota se vê desamparada, e percebe que não pôde desenvolver sua personalidade de maneira espontânea.

A busca por auto-conhecimento ocorre no decorrer do filme, com as diversas tentativas da menina em se adaptar á uma nova família. Na tentativa de se encontrar, a garota passa a assumir a personalidade das pessoas á sua volta, enquanto luta para mostrar a sua mãe que têm o direito de fazer suas próprias escolhas.

Apesar do teor bastante emocional do filme, o diretor Peter Kominsky prefere não apostar no sentimentalismo barato e joga toda carga emocional da trama nos ombros de suas competentes atrizes. Assim podemos desfrutar de momentos de pura verdade, embalados por atuações sinceras de Alison, Pfeiffer e também das excelentes coadjuvantes, Robin Wright Penn (a primeira mãe adotiva) e Renée Zellweger ( a segunda tentativa).

Mesmo estando rodeada de boas atrizes, Alison Lohman ( Drag me to the Hell ) consegue se firmar como a principal atração de Deixe-me Viver, afinal é seu olhar e sua incrível capacidade de transformação que irão nos conduzir por todo o filme, sem ela a história poderia passar desapercebida, mas seu talento contagia todo o elenco e provoca cenas inesquecíveis.

Enfim, Deixe-me Viver merece ser conferido em vídeo ou DVD, já que sua passagem pelos cinemas brasileiros foi, injustamente, tímida, esmagada por algum filme arrasa-quarteirão da temporada.

Nota: 10/10

2. Mentes Perigosas

Título Original: Dangerous Minds
Ano de lançamento : 1995

Sinopse: Oficial da marinha (Michelle Pfeiffer) abandona carreira militar para realizar o antigo sonho de ser professora de inglês. Mas o grupo de alunos rebeldes que tem pela frente, logo na primeira escola em que leciona, será capaz de colocar à prova todo seu treinamento e experiência adquiridos nas força armadas.

Crítica: Mentes Perigosas é um filme intensamente vibrante. Apresenta a realidade da educação não só americana e aborda um tema vergonhoso demais para que os outros falem abertamente: o abandono de pessoas na miséria e a perda da pesperctiva de vida. A sinopse do filme encara uma temática tão discutida, mas a apresenta de um jeito psicologicamente provocante. Pfeiffer mostra seu punho artístico e dá vida a cada encenação de sua personagem. Ela e a Louanne [ sua personagem no filme, oficial da Marinha ], foram feitas uma para outra e ponto. É essa a sensação passada pela sua brilhante atuação.

A dinâmica entre alunos e professores é tão esmiuçada nessa obra, que nos envolvemos muito em cada momento do filme e perdemos a percepção de tempo. Destaco a trilha sonora, com a perfeita canção adaptada a história: Gangstar Paradise - Coolio.

As primeiras cenas do filme Mentes Perigosas (EUA, 1995. Direção: Jonh N. Smith) são mostradas em preto e branco e apresentam um bairro, visivelmente, pobre. As paredes das casas estão grafitadas e pichadas. Há um sem teto vagando pela rua. À medida que vemos a cena, ouvimos um Rap. Essa combinação entre o cenário e a música já nos diz que se trata de uma história que vai falar da situação de jovens que vivem na periferia de uma grande cidade norte-americana. Então, estamos falando em um gueto e nesses grupamentos humanos moram, geralmente, os afro-descendentes e os latinos.

Conquistar a confiança dessa turma é o desafio proposto de Louanne. Portanto, a responsabilidade pelo sucesso ou pelo fracasso escolar é de inteira responsabilidade da professora. Mas, conseguir a confiança dos alunos é apenas um aspecto desse processo. Há muito mais em jogo: assegurar a atenção dos alunos; facilitar o processo de ensino-aprendizagem; e, cuidar do equilíbrio psicológico e afetivo da turma.

A professora, depois de refletir, resolve então lançar mão de um recurso: muda a maneira de se vestir, conversa sobre sua própria história de vida, ensina técnicas de luta, institui um programa baseado, explicitamente, na recompensa e na valorização do potencial intelectual dos alunos.

O filme é simplesmente uma obra encantadora de se ver, e ainda mais com o brilho que Pfeiffer despreende para a obra.

Nota: 10/10

Michelle Pfeiffer

Michelle Pfeiffer nasceu em 29 de abril de 1958, em Santa Ana, Califórnia. É filha de Dick e Donna Pfeiffer, tem um irmão mais velho e duas irmãs mais novas, Dedee e Lori, também actrizes.

Nome: Michelle Pfeiffer
Data de Nascimento: 29 de Abril de 1958
Local de Nascimento: Santa Ana - Califórnia - EUA

Enquanto se formava em Jornalismo, Pfeiffer trabalhou como assistente de oftalmologista, caixa de supermercado e vendedora de roupas. A vitória num concurso de beleza lhe abriu as portas do showbusiness e mudou suas intenções profissionais.

Nesse período, Michelle começou a estudar representação, mas seus primeiros filmes não foram dos mais estimulantes, embora o papel principal na fracassada continuação de ''Nos Tempos da Brilhantina'' deva ter parecido interessante.

Pfeiffer concluiu a década de 80 como a cantora de ''Susie e os Baker Boys'', filme pelo qual a atriz foi premiada com o Globo de Ouro e novamente indicada ao Oscar.

Os anos 90 foram pródigos em bons trabalhos para Pfeiffer, que esteve encantadora em filmes como a comédia romântica ''Um Dia Especial'' (1996), também produzida por ela.

Entre uma série de boas atuações (em gêneros diversos), Pfeiffer foi muito admirada por ''A Época da Inocência'' (1993, drama romântico passado no século 19) e especialmente em ''As Barreiras do Amor'' (1992), drama em que ela vive uma fã dos Kennedy que envolve-se com uma família negra. Este filme trouxe à atriz outra indicação ao Oscar e um prêmio no Festival de Berlim.

1987- As Bruxas de Eastwick
1988- De Caso com a Máfia
1992- Batman - O Retorno
1995- Mentes Perigosas
1999- Nas Profundezas do Mar Sem Fim
2002- Deixe-me Viver
2007- Hairspray - Em Busca da Fama
2007- Nunca é Tarde para Amar

E com essa breve biografia, anuncio que Pfeiffer, entra no Hall do Cinemótica, pelo seu mérito e também por uma pequena admiração particular minha!

Abraços!

Resenhas Rápidas 2

2009-08-21T16:38:00.000-07:00

Leia Mais

Cada vez mais, estou diminuindo o tempo de uma postagem para outra. Será o ócio ou o insaciavel desejo de escrever? hehehe, bom hoje como não houve nenhum grande abalo no mundo cinematográfico que interessasse o Cinemótica, então vamos seguir com as resenhas rasteiras e diretas! Boa leitura!

1. A Guerra de Hart

Direção: Gregory Hoblit

Sinopse: Perto do final da Segunda Guerra, um oficial americano, Hart (Colin Farrel) é capturado pelos alemães e enviado a um campo de concentração. Lá, ele deve tratar de organizar tanto seus companheiros prisioneiros quanto lidar com os oficiais alemães. Quando dois americanos negros chegam como os primeiros da etnia no campo de concentração, um deles é morto e o outro acusado de matar um oficial branco. Hart, então, deve defendê-lo dessa aparente injusta acusação, o que, obviamente, vai despertar a ira de muitos.

Crítica: Guerra de Hart me surpreendeu. Acho que não é novidade para ninguém o quanto desaprecio o famoso Colin Farrel. Acredito que ele seja um dos piores atores na ativa no cinema americano atual e toda vez que escuto que uma obra tem sua presença, torço forçadamente o nariz. E imaginaria que Hart, o seu personagem no filme, não fosse fugir do mesmismo. Me enganei.

De fato, Farrel não é um bom ator ainda, o que o torna digerível é : sob direção de Hoblit, o filme tem a sua 'arte'. Ou seja, Guerra de Hart apresenta uma história bem elaborada, uma fotografia agradável e um curioso desenrolar de fatos. Com tantos fatores positivos, Farrel apenas não estragou com a obra.

Com a presença de Bruce Willis, o filme se encarrega de levar com seriedade o cenário do momento representado. Além de todo aquele esquema presente em filmes de guerra, ainda esbarramos com um contexto ético e moral dentro do filme.
Confesso que são fracas as suas nuances, mas o filme é interessante e vale a pena ser conferido. No decorrer do filme, se inicia um julgamento com forte cisão racial dentro do campo de concentração. William se mostra bastante preconceituoso e criamos uma certa antipatia pelo sua personagem.

Melhor Momento: A reviravolta do final, onde vemos Hart descobrindo quem é William ( Bruce ) e suas verdadeiras intenções. Essa duplicidade que vemos no final faz valer a pena todo o decorrer do filme e é um recomendável entretenimento.

Nota: 7/10

2. Mundo Proibido

Direção: Ralph Bakshi

Sinopse: Jack Deebs (Gabriel Byrne), um desenhista de história em quadrinhos, é levado pela sexy Holli (Kim Basinger), uma criação sua, a um mundo paralelo no qual os desenhos têm vida própria. Mas o grande sonho de Holli é ter sexo com seu criador, para tornar-se uma humana e poder fugir para o mundo real.

Crítica: Apesar do filme envolver desenhos animados, ele tem temática adulta. O que torna tudo mais interessante ;P Mundo Proibido é uma obra um tanto díficil de engolir, mas se você procurar encarar a obra com a mente descompromissada, o filme é uma perfeita pedida para ocupar o tempo e se divertir.

Devo destacar, as incríveis falas entre Holli e Jack e todo o jogo de sedução que o filme apresenta, mesmo envolvendo um desenho com um humano real. Acredite, o senso do erotismo do filme é grande e se mantem firme, sem cair na vulgaridade e no fetichismo. Além do mais, vale-se enfatizar que a sensual Holli é baseada na linda Kim Basinger, que inclusive aparece no final, quando, como uma reviravolta, Holli sai do mundo dos desenhos e confronta o mundo real.

O que mais devo falar? O filme agrada uma mente com puro desejo de diversão. Não veja esse filme com intuito de ver uma obra impecável, faz favor.

Nota: 6/10

3. A Morte de Shula

Direção: Asaf Korman
Produção: Israelita
Curta-Metragem

Sinopse: Shula, a velha cadela da família, é sacrificada. Yossi, o pai, embarca numa jornada para enterrá-la, amarrando-a ao teto de seu carro, dentro de uma caixa de papelão. A intensidade banal e mundana das forças da vida interrompe o resto do dia de Yossi. O diretor e os membros de sua família fazem os papéis deles mesmos nesta história baseada em fatos reais.

Crítica: Nem me lembro como esbarrei nesse filme, lembro-me apenas que tinha visto o filme em partes, mesmo ele sendo minúsculo ( 25 minutos ). Logo, procurei ele com um amigo meu, que não tinha, mas o providenciou para um fim de semana meu. Morte de Shula é um curta tão simples, tão despreendido de técnica, tão minimalista, perfeito que enche os olhos de qualquer cinéfilo.

Enquanto via a obra, percebi que o curta se trata das puras nuances dos sentimentos, ou seja, lidamos com uma obra tão delicada e tão potente, que em menos de meia hora, realizamos quão frágil um ser humano é, um ser humano que se entrega até mesmo para uma cadela, tão frágil como o humano, mas muito mais amorosa. Vemos ali a entrega de um amor á um animal e a partida da cadelinha (através de um sacríficio ), o filme dispensa falas.

A 'banalidade' [ entenda pelo lado positivo da palavra ] do contexto da obra, revela algo tão mais íntimo, tão intriseco a humanidade, que os 25 minutos gastos para ver o filme, passam literalmente voando.

Nota: 10/10

Hall do Cinemótica: Anthony Perkins e Elizabeth Taylor

2009-08-20T13:46:00.000-07:00

Depois de explorar diversos blogs durante essa semana, decidi criar o Hall do Cinemótica para as maiores estrelas do cinema mundial. Então, procurei em vários filmes, atores e atrizes que realmente mereciam ocupar esse Hall e me deparei com um imenso leque de merecedores. Hoje vou anunciar duas estrelas de vários filmes e peço que dividam suas opiniões sobre esses ícones do cinema!

Anthony Perkins

04/04/1932, em New York, New York, USA

Data e Local de Falecimento
12/09/1992, em Hollywood, California, USA (pneumonia, em conseqüência de AIDS)

Filho único do ator James Osgood Perkins e de sua mulher, Janet Rane Perkins, perdeu o pai aos cinco anos de idade. Mais tarde, no período em que estudava no Rollins Colege, na Flórida, participou de diversos shows, como "My Sister Eileen" e "Goodbye My Fancy".

Em 1953, seguiu para Hollywood, onde conseguiu um papel coadjuvante no filme de George Cukor, "A Atriz". A despeito das críticas favoráveis recebidas por seu desempenho, ele só voltou a receber um novo convite, para atuar no cinema, três anos depois, na realização do filme de William Wyler, "Sublime tentação". Por sua ótima atuação em "Sublime Tentação", Perkins foi indicado ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, perdendo a estatueta para Anthony Quinn por seu desempenho em "Sede de Viver".

Entre 1957 e 1960, teve a oportunidade de apresentar outros aclamados desempenhos no cinema e na Broadway. Em 1960, estrelou "Psicose", ao lado de Janet Leigh e Vera Miles. Muitos críticos acharam na época que ele merecia ter ganho o Oscar por sua magnífica interpretação, mas não chegou nem a ser indicado ao famoso prêmio.

Perkins era bissexual, tendo tido casos com o ator Tab Hunter, com o bailarino Rudolf Nureyev e com o dançarino-coreógrafo Grover Dale, com quem teve um relacionamento de seis anos, antes de se casar com Berry Berenson. De sua união com Berry, teve dois filhos: Osgood, que seguiu a carreira de ator, e Elvis Perkins, que se tornou músico.
Um dia antes do 9º aniversário de sua morte, a viúva Berry Berenson foi morta no vôo nº 11 da American Airlines, jogado por terroristas contra a Torre Norte do World Trade Centre, em Nova York.

Para mim, Perkins se consagrou com Psicose, Sublime tentação e O Processo. Perkin soube explorar os trejeitos artístisco de uma forma bem teatral, que é o que falta ultimamente nos cinemas. Podemos ver seu talento na excentricidade da personagem que apresenta em Psicose, filme marco do gênero de horror. ( Eu não sou muito fã de Psicose, apesar de achar o filme uma das melhores obras de Alfred Hitchcock. )

Elizabeth Taylor

27/02/1932, em Hampstead, Londres, UK

Elizabeth Taylor nasceu em Londres no período em que seus pais, americanos, eram responsáveis por uma Galeria de Arte naquela cidade. Em 1939, pouco antes do início da 2ª Guerra Mundial, seus pais retornaram aos EUA onde se estabeleceram em Los Angeles.

Sua beleza logo chamou a atenção dos caçadores de talento. Ao se submeter a um teste nos Estúdios da Universal Pictures, os executivos da Empresa ficaram impressionados com ela e a contrataram, de modo que, com apenas 10 anos de idade, estreou no cinema com o filme "There's One Born Every Minute".

No ano seguinte, 1943, contratada da MGM, Liz iniciou sua escalada para o sucesso com o filme "A Força do Coração". Embora com uma longa filmografia, seu período áureo estendeu-se de 1951 a 1968, tendo sido a primeira atriz a ganhar US$ 1 milhão pela atuação num filme. Tal fato ocorreu quando da realização de "Cleópatra", em 1963. Durante esse período, foi agraciada com 2 Oscars de Melhor Atriz por suas atuações em "Disque Butterfield 8", de 1960, e "Quem Tem Medo de Virginia Woolf ?", de 1966, sendo ainda indicada ao mesmo prêmio da Academia por seus trabalhos em "A Árvore da Vida", de 1957, "Gata em Teto de Zinco Quente", de 1958 e "De Repente No Último Verão", de 1959.

Na década de 70, tornou-se viciada em drogas, fazendo filmes ocasionalmente. Ao terminar seu casamento com o senador Warner, internou-se na Betty Ford Clinic, em mais uma tentativa de se curar de seus vícios. Foi durante esse período de recuperação, que conheceu Larry Fortensky, com quem se casaria mais tarde.

Em respeito aos destaques de Elizabeth, em "Quem Tem Medo de Virginia Woolf", um excelente filme, que marca a estréia de Mike Nichols como diretor de cinema, Elizabeth fez por merecer sua estatueta de melhor atriz.O filme tem um conteúdo dramático, que retrata as batalhas destrutivas de um casal, numa relação de amor e ódio. O roteiro é simples, mas os personagens são complexos e profundos. Os diálogos são inteligentes e um dos pontos altos do filme. Quem Tem Medo de Virginia Woolf coloca em relevo a capacidade artística de Taylor e não podemos falar dela sem citar essa obra fantástica.

Outro ponto crucialmente especial para sua fama, é o filme Gata em Teto de Zinco Quente.
Taylor é a peça estrela de muitos filmes, e atribuiu a muito deles, a vivacidade necessária para dar realce as histórias contadas.

Solte o verbo! Quais atores/até rizes você indica para o nosso Hall ?
Abraços!

Resenhas Rápidas

2009-08-19T12:57:00.000-07:00

Tive que passar correndo hoje para postar algumas resenhas que venho preparando desde semana passada sobre dois filmes: Trilhos do Destino e Assassinato no Expresso Oriente. Espero que curtam!

1 - Trilhos do Destino

Nome em Inglês: Rails & Ties
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 100 minutos

Sinopse:Kevin Bacon e Marcia Gay Harden nos dão performances emocionantes em Trilhas do Destino, um conto da diretora Alison Eastwood e que fala sobre pessoas em crise e emoções ao extremo. Bacon vive Tom Stark, um engenheiro ferroviário incapaz de encarar de frente a enfermidade de sua esposa (Harden). Então, um terrível acidente de trem deixa um menino órfão. Tom acolhe o garoto em sua casa e - passo a passo, conquista por conquista - aprende como resgatar seu relacionamento com a esposa que ama a partir do momento em que abre seu coração ao menino, que necessita muito de uma família que dê segurança e amor.

Crítica: Trilhos do Destino tenta usar a fotografia á seu favor, e de imediato, parece que funciona. Ocorre que após vermos o filme, notamos que na verdade, a fotografia arrasou com o contexto da obra. O filme é dividido em duas partes: a primeira, quando vemos os abismos de cada personagem ( a rustidão de Tom, a crise de existencialismo de Megan por causa de sua doença terminal, e as dificuldades do garoto Davey após o suícidio da mãe na ferrovia de trem ) e a segunda , onde vemos o reencontro de cada personagem consigo mesmo e com os que estão ao seu redor, atribuindo vida aqueles que estavam mortos por dentro.

A primeira parte era para ser melancolica e consegue: logo, o diretor abusa dos fadings, das músicas tristes e da dramaticidade dos personagens. O problema é que essa parte torna o filme essencialmente frio.

Bacon consegue passar a frieza de Tom, mas ele aprimora tanto o lado negativo de sua personagem, que para depois, onde deveria ocorrer a mudança psicologica interna de Tom, a personagem não perde sua áurea vazia e se torna insoso.

Megan interpreta uma personagem que deveria ter seu carisma, pois trata de uma mulher quarentona infeliz e com pouco tempo de vida para realmente ter a vida que nunca teve. Ela deveria ter seu feeling, mas isso simplesmente não ocorre. Pode-se dizer que Hardem não merecia esse papel, uma vez que a sua personagem é imcompatível com seu talento artistico, já que Megan depende de uma delicadeza profissional para criar vida nas telas, e a Hardem é conhecida pelo seu punho másculo de interpretação . O garoto do filme, Darvey , ele é pífeo.

Não chegamos a gostar de Davey, não nos solidarizamos com seu pesar, e logo não criamos uma identificação com a personagem.

Logo, a segunda parte, que era para ser mais animadora ( mesmo com a morte de Megan ), é tão fria quanta a primeira parte. Existem tentativas: Bacon esboça alguns sorrisos forçados, as personagens se tocam mais e a trilha sonora tenta dar consistência a mudança agradável dos envolvidos. Mas tudo isso não se passam de tentativas. Não conseguimos acompanhar o processo de crescimento dos personagens, e somos obrigados a ver uma obra gélida e vazia. A fórmula do filme era certa, mas sua aplicação abusou demais de recursos que não encaixam, nem na trama, nem com os atores.

2 - Assassinato no Expresso Oriente

Nome em Inglês: Murder on the Orient Express
Gênero: Suspense
Tempo de duração: 115 minutos

Sinopse: Hercule Poirot (Alfred Molina) o famoso detetive, está no histórico "Expresso do Oriente". Conhecendo a inteligência de Poirot, o empresário Samuel Ratchett, um homem com muitos inimigos, pede a ele que sirva como seu guarda-costas durante a viagem. Porém, Poirot não gosta muito do empresário e se recusa a servi-lo. Na primeira noite, enquanto todos dormem, Ratchett é assassinado.

Os passageiros acordam exaltados pelo fato do trem estar parado e com a notícia que isso poderá durar horas, longe de civilização e sem meios de se comunicar com outras pessoas. Poirot descobre que Ratchett foi responsável por um dos mais cruéis assassinatos do passado e que obviamente, o assassino é um dos 12 passageiros do vagão, assim o mestre terá que correr para descobrir quem é o assassino antes que o trem continue sua viagem.

Crítica: O filme é sensacionalmente sombrio e cômico. Com a participação de : Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Jacqueline Bisset, Michael York, Sean Connery, Anthony Perkins, Rachel Roberts e Vanessa Redgrave, o filme é uma obra prima do suspense, onde vemos um suspense enigmático e entramos na história pela sensação de mistério que o filme tem. O filme se baseia num interrogatório de cada personagem excêntricamente estranho e complexo, onde Poirot procura através de gestos e armadilhas investigativas achar o verdadeiro assassino a bordo. O filme narra a empreitada do conhecido detetive Poirot em esbarrar em cada suspeito e encontrar algum ponto para encontrar o culpado. Um verdadeiro filme de suspense, sem as parafernalhas típicas de tribunais, advogados vazios e tramas repetitivas que vemos hoje.

Destaque para todo o elenco que souberam muito bem lidar com os olhares suspeitos, e todos os tiques de suspeitos de um crime. Quase não conseguimos encontrar no nosso íntimo o verdadeiro assassino, mas é possível encontra-lo no decorrer da trama, ou seja, não nos deparamos com aquele tipo de filmes que tornam fabulosamente impossível de se encontrar o assassino, perdendo assim a essência de um filme verdadeiramente investigativo.

O final do filme é o seu chequemate. O fim consagrou Agatha e consagrou sua obra como, para alguns, a melhor obra dela. O final é tão imprevisível e mirabolante que ficamos sem palavras ao tentar descreve-lo. Além disso, o filme tem o seu tom de suspense próprio, e vale destacar os primeiros cinco minutos do filme, onde a técnica de filmagem nos faz prender a respiração, e nos faz entrar definitivamente a bordo da história.

Primeiro Selo!

2009-08-16T18:03:00.000-07:00

Estava eu lendo meu livro And Then There Were None, pensando veementemente em não entrar na internet hoje a noite. Mas blogueiro que é blogueiro, sabe que não se pode resistir a doce vontade em entrar no seu blog e atualizá-lo. Foi o que eu fiz. Entrei, normalmente no Cinemótica e vi que haviam mais comentários no último post meu. Foi quando percebi que eu havia ganhado meu primeiro selo! Eu estou não somente feliz, mas estou encarando esse selo como um sinal de que o Cinemótica, com menos de dois meses, está começando a dar seus timidos passos na rede de blogs cinéfilos da Internet, e que o meu carinho dado a este blog, está animando os meus leitores!

Gostaria de, com certeza, agradecer o Luís e o Renan por me darem esse reconhecimento tão valoroso pra mim e gostaria de ressaltar a todos que o blog deles vale muito a pena ser linkado, pela seriedade e pela sagacidade que os rapazes apresentam ao lidar com o Literatura e Cinema. O blog é muito bem feito, e se bobear, quem for fã de cinema, pode passar horas lendo as críticas, informações e tudo mais que eles tem lá. Eles apresentam uma forma dinâmica em criticar, uma vez que além de dominarem a área de cinema, são craques na área de literatura. Obrigado novamente!

As regras, após ter recebido o selo, são as seguintes:
1) Postar o link do blog que te indicou;
2) Indicar 10 Blogs nos quais vale a pena ficar de olho.

Primeiramente gostaria de esclarecer que o cinemótica ainda é muito novo nas redondezas, e que por isso, não pode apresentar dez blogs para receber esse selo! Logo, peço a compreensão, pelos 8 blogs que vou presentear! Eu aconselho veementemente que linkem os blogs abaixo, porque com certeza vocês vão se perder de tantas informações que vão encarar!

Meus critérios para a entregue desse selo foram baseadas no convivio que tive com esses blogs e com a abordagem a qual eles lidam com seus pensamentos cinéfilos. Eles me agradam muito e toda vez que posso, eu passo neles direto. [ Eles não estão numa ordem específica ]

1 - Publicando !
2 - Cinema e Rodrigo
3 - Cine Estréia
4 - A Grande Arte
5 - Blog do Salomão
6 - Cinefilando
7 - Blog de Beatriz
8 - A culpa é da Crítica

Completando, novamente obrigado pela consideração e sucesso para Literatura e Cinema!

Abraços!

And Then There Were None

2009-08-12T17:15:00.001-07:00

Hm, está aí um clássico filme de suspense. Escrita por nada menos que Agatha Christie, And Then There Were None [ O caso dos dez negrinhos ], traz uma história repleta do puro suspense típico da escritora inglesa, e além do mais, o filme foi rodado em 1945, logo podemos admitir que o filme foi sim uma inovação para a época. Apesar de ter uma pouca duração, o filme consegue perfeitamente nos levar as páginas do livro, sem alterar nada, ou pôr algo a mais.

Sinopse: Oito pessoas de diferentes classes sociais são convidadas para passar as férias em uma mansão na Ilha do Negro por um Sr. e Sra. U. N. Owen. Ao chegarem, o mordomo e sua esposa, Thomas e Ethel Rogers, dizem que os anfitriões não estão ainda na ilha. Nos seus respectivos quartos, cada hóspede encontra um retângulo de pergaminho emoldurado em cromo com uma cópia do poema "Os Dez Negrinhos" na parede, que diz:

Dez negrinhos vão jantar enquanto não chove;
Um deles se engasgou e então ficaram nove.
Nove negrinhos sem dormir: não é biscoito!
Um deles cai no sono, e então ficaram oito.
Oito negrinhos vão a Devon de charrete;
Um não quis mais voltar, e então ficaram sete
.Sete negrinhos vão rachar lenha, mas eis
Que um deles se corta, e então ficaram seis.
Seis negrinhos de uma colméia fazem brinco;
A um pica uma abelha, e então ficaram cinco.
Cinco negrinhos no foro, a tomar os ares;
Um ali foi julgado, e então ficaram dois pares.
Quatro negrinhos no mar; a um tragou de vez.
O arenque defumado, e então ficaram três.
Três negrinhos passeando no Zoo. E depois?
O urso abraçou um, e então ficaram dois.
Dois negrinhos brincando ao sol, sem medo algum;
Um deles se queimou, e então ficou só um.
Um negrinho aqui está a sós, apenas um;
Ele então se enforcou, e não ficou nenhum.

No primeiro capítulo do livro é relatada a viagem de oito dos dez estranhos, que se encontram todos em simultâneo a caminho da ilha. Nesta primeira fase conhecem-se todos os motivos que os oito estranhos têm para se dirigir à ilha, se bem que nenhum deles conhece o anfitrião, já que os convites são na sua maioria, ou de ofertas de trabalho e/ ou ocupação, ou uma carta do genero:
“conheço um amigo do seu amigo que me disse…”.

Independentemente do convite no seu tom dúbio, na data combinada oito dos dez convidados encontram-se na ilha. Os outros dois, Mr. e Mrs. Rogers, já se encontravam na ilha, já que tinham chegado cerca de uma semana mais cedo, de modo a que pudessem preparar todos os quartos e limpar toda a casa, como havia sido pedido, já que estes foram encarregues de serem os empregados que se encarregariam das obrigações da mansão situada na ilha.

Permeado nesse tom de curiosidade e suspeita, os dez personagens desse filme se reunem para jantar sem seus anfitriões, que simplesmente não aparecem. Nesse momento, um gramafone começa a falar em voz alta dez crimes insolúveis cometidos por cada um da mesa, e promete a todos, vingança pelos assassinatos indiretos ou diretos que cometeram.

O clima que se inicia é de um verdadeiro tribunal: todos percebem o perigo da situação e começam a desconfiar um do outro. Os crimes cometidos pelos visitantes variam desde da passividade a um afogamento, até o atropelamento sem socorro. Ou seja, todos os supostos crimes são injulgáveis, visto que não houve provas suficientes para condená-los.

Com tais declarações gera-se o pânico na sala de jantar e Mrs. Rogers desmaia. Perante tal caos, todos se servem de bebidas e fazem Mrs. Rogers beber conhaque, para que esta pudesse ser reanimada. Após a calma ter voltado às almas dos convidados, Marston (outro dos hóspedes) brinda, bebendo de uma vez o conteúdo do seu copo, e acaba por morrer no mesmo instante.

Depois de minutos para que todos pudessem se recompor, resolvem dormir na ilha já que uma tempestade os impede de sair do local. Eles estão confinados a ilha com um cadáver. Logo, algo sinistro acontece pela manhã, quando Mr. Rogers não consegue acordar a sua mulher e esta é igualmente dada como morta.

O caos é generalizado. Presos a ilha, com dois cadaveres, resolvem vistoriar a ilha. Descobrem que estão sós e que o socorro não virá por causa da terrível tempestade que os assola. Para desvario total, as mortes vão ocorrendo sumariamente e elas são celebradas com o desaparecimento de estatuetinhas negras que se encontravam inicialmente colocadas numa mesa da sala de jantar e, além disso, essas mesmas mortes correspondem às mortes descritas pela poema acima.

No dia seguinte, de manhã, os hóspedes acordam com uma cena horrenda: Rogers tinha sido brutalmente morto com um machado na cabeça, ao qual tinham sido limpas todas as impressões digitais.

Nessa mesma tarde Miss Brent, uma velha solteirona, aparece morta, depois de se ter atrasado para outra reunião dirigida por Wargrave, sendo que a morte desta tinha sido causada por uma seringa hipodérmica.

O mistério se instala. Sucessivamente, as mortes vão seguindo a ordem sombria do poema e o tempo vai se esgotando. Resta saber:

Quem é o assassino? Quem é o próximo?

Com um final genial, intocável, And then There Were None é sensacionalmente uma pérola.

Infelizmente, o filme não apresenta as técnicas do cinema atual. Me pergunto então se valeria mesmo a pena um remake dessa obra. O livro é perfeito com cada ponto de ortografia, ou seja, um ponto a mais, ou um ponto a menos, tiraria a perfeição da obra de Agatha. Será que se eles fizessem o filme de novo, a história seria levada a séria como foi no filme de 1945 ?

O estilo de comédias leves de Clair [ diretora ] e o roteiro dinâmico de Nichols diminuíram o clima macabro da obra original, mas agilizaram a história deixando-a agradável ao público, que tinha trabalho de descobrir o enigma - que é justamente uma das características básicas do livro de Agatha Christie.

Com excelente uso de humor e da ótima trilha sonora de Mario Castelnuovo-Tedesco, além das perfeitas gags visuais (uma das marcas registradas do diretor), o filme acabou se tornando um dos mais eficazes e simpáticos suspenses de todos os tempos. Um dos diálogos do filme, proferidos pela convidada miss Brent, demonstra sua leveza: "Foi muito estúpido matar o único criado da casa. Agora não sabemos nem onde encontrar a geléia".

Para compor esta peça de humor negro o elenco foi genial, destacando-se Barry Fitzgerald (que atuara em O Bom Pastor), Walter Huston (pai do diretor John Huston e ganhador do Oscar de ator coadjuvante no clássico O Tesouro de Sierra Madre) e Judith Anderson (famosa por ser a governanta sinistra do clássico Rebecca, de Alfred Hitchcock).

Sua última exibição no Brasil foi realizada pela TV Cultura na década de 80, com cópia dublada. Fãs do suspense e da inteligência cinematográfica precisam ver ou ver esta deliciosa obra, ou no mínimo, precisam ler esse livro.

PS: Os vídeos do filme estão na barra do meu blog na coluna direita!

Relíquias da Semana

2009-08-10T15:26:00.000-07:00

Fiquei algum tempinho desfrutando do último TOP 10 que fiz, e percebi uma grandíssima errata minha. Hm, para quem não se lembra, no meu último post, comentei sobre os dez maiores filmes sobre obsessão, um top dez tanto que incomum, confesso. Acontece que eu esqueci um belo filme francês Parfum - A história de um Assassino. E simplesmente não dá pra fazer uma lista de filmes sobre obsessão sem falar de Parfum.

Bom, acredito que muito de vocês já devem ter ouvido falar desse filme muito original, sobre a história de um rapaz que nasce com o olfato aguçado demais, e acaba ficando obcecado pelo cheiro perfeito.
0. Perfume - A História de um Assassino

Sinopse: Jean-Baptiste Grenouille desenvolveu um senso de olfato superior, o que lhe serve para criar os mais refinados perfumes do mundo. Seu trabalho, no entanto, toma um rumo desconhecido e perigoso quando ele começa sua busca pelo melhor perfume do mundo.

Qual é o tipo de obsessão: Jean apresenta um diferente tipo de obsessão: a obsessão por cheiros. O filme apresenta uma história original e seu gênero alterna entre: comédia negra -drama-suspense. O rapaz desenvolve uma fascinação por cheiros de mulheres e para roubar seus cheiros, é necessário que a donzela seja morta e tambem é necessário que ela passe pelo mesmo processo que algum aromático passa para se tornar um perfume. Ótima pedida para quem gosta de filmes alternativamente bem construídos.

Nota: 9

Bom, salvo o erro, vamos ao verdadeiro post do dia: Relíquias da Semana.

Toda a semana eu venho aqui e posto sobre filme antigos que fizeram sucesso e que vale a pena ver de novo. Especialmente hoje, escolhi três filmes que gosto muito e que infelizmente não fizeram tanto sucesso quanto eu esperava. Da próxima vez que for alugar um filme, pense nessas três sugestões.

PS: Eu conheço um vendedor de filmes originais a preço baixo. Caso você queria ter em sua casa algum desses filmes abaixo, entre em contato comigo pelo email: marcelo_2004s@hotmail.com

Se você quiser ver o trailer desses filmes aqui mesmo no meu blog, procure-os no TOP 48 , na barra direita do blog ;P

Divirtam-se.

1. Sombra e Escuridão

Sinopse: Sombra e Escuridão eram 2 leões machos, adultos e sem juba (raríssimo). Na escassez de alimento, devido à uma peste que matou muitos animais predados por leões, eles viram na "fartura" de seres humanos trabalhadores da ferrovia a oportunidade de comida fácil.
Um engenheiro de pontes e um experiente caçador, então, partem para o perigoso desafio de capturá-los. Baseado em fatos reais.

Sombra e Escuridão é um daqueles filmes que vimos faz muito tempo e que com certeza na época em que vimos, o filme nos surpreendeu com seus desenrolares. Pioneiro no assunto, o filme não se foca apenas na carnificina que os leões causam, mas a obra nos apresenta uma trama repleta de valores, de reviravoltas, de escolhas. O filme aborda toda a diferença entre o negro africano e o branco europeu vividos no final do século XIX.

Além do mais, o filme mostra de um ponto histórico, como era a intervenção européia na má formada África, o que conta pontos para a obra.
Sombra e Escuridão é um filme imperdível, os atores interpretaram impecalvemente suas personagens, e sim, os leões também fizeram seus desempenhos espetacularmente.

Trailer: Procure na coluna direita do blog.

2. Epidemia

Sinopse: Após um misterioso vírus dizimar uma tribo na África, um médico e sua equipe são chamados para estudá-lo. Mas no interior dos Estados Unidos um macaco contrabandeado e portador deste vírus o dissemina na população local, fazendo com que o médico retorne para tentar controlar a epidemia que agora se alastra.

Primeiramente, vejam o elenco. Dustin Hoffman, Morgan Freeman, Kevin Spacey. Se eles são considerados ótimos atores por vocês, neste filme eles fizeram um trabalho melhor do que são acostumados a fazer. Quem aqui não se lembra do macaquinho solitário que atraía o coração de todo mundo e simultaneamente, vai liberando o vírus maléfico que coloca seus amigos humanos em rumo ao caixão?

O filme é formidável pela forma que apresenta o decorrer de um virus mortal e vemos toda a criação de uma situação com confrontos entre a ética e o caos. O filme é sensacional e sim, vale a pena ver de novo.

3. Alta Frequencia

Sinopse: O que você faria se tivesse a chance de voltar no tempo e mudar apenas um evento na sua vida? John Sullivan (James Caviezel) tem a resposta na ponta da língua: desfaria os eventos de 12 de outubro de 1969, quando um incêndio matou seu pai (Dennis Quaid), um heróico bombeiro. Desde então, John sonha em ter conseguido impedir a tragédia daquele dia fatal, que fez com que sua vida como adulto se tornasse cheia de raiva e solidão.

Mas agora John pode conseguir realizar seu desejo. Um dia antes do aniversário da morte do pai, em meio a uma terrível tempestade, John encontra o rádio velho de seu pai. A partir daí, eles tentarão até o fim mudarem todo seu passado para que possam se reecontrar no futuro.

Sim, eu sei o que você está pensando. Uhum, mais um filmezinho sobre tempo-espaço, voltar no tempo, mudar o passado, borboleta aqui e acolá. Mas pode ir parando por aí. Alta Frequencia, pode não ser oficialmente, mas para mim é o filme vanguardista, ou seja, pioneiro no assunto de retorno ao passado ( salvo o cômico De volta Para o Futuro ) .

O filme apresenta duas tramas : a trama entre o conflito pai-filho e o desenrolar das complicações em mudar o passado. A fórmula, admito, é a mesma. Mas o que difere esse filme de tantos outros do gênero, é a sagacidade, o compromisso em levar a sério o filme. Bom, além de conseguir salvar seu pai do acidente, eles conseguem uma façanha: um serial killer consegue escapar de sua morte.

( Esta cena é bem elaborada, uma vez que se o pai dele tivesse morrido, a sua mulher, enfermeira, teria ido pro seu enterro e faltaria seu turno no hospital. No entanto, com a alteração do passado, não vemos o pai do jovem morrer. Não vemos enterro e consequentemente, a mãe de John vai ao seu trabalho a fim de salvar vidas e mais vidas. Logo, ela salva a vida de um serial killer que supostamente deveria morrer. )

E começamos a ver daí, a segunda parte do filme, bem feita, criada e encarada.

Claro, que seria pedir demais explicar o motivo do corte no tempo: o filme até tenta sugerir o motivo através da bela aurora boreal. Esse talvez seja a única fraqueza do filme. Mas como dizem por aí, não podemos ganhar todas.

0. Filhos da Esperança ( 2006 )

E se as mulheres ficassem esteréis e não pudessemos mais procriar? Como seria a humanidade? Postarei amanhã sobre esse filme.

Espero que tenham gostado das sugestões acima! Abraços.